"Einer meiner persönlichen Sneaker Highlights. Hier stimmt einfach alles: Ikonische Kollaboration, Limitierung und Design. Die Liebe zum Detail bei der Farbauswahl und den Materialen - ein richtiges Kunstwerk! Dazu kommt eine starke Fan-Gemeinschaft hinter der Air Max 1 Silhouette - eine Investition, die sich lohnen wird!"- Constantin Philippi, Sneaker Expert.


Warum Die Nike Air Max 1 Patta x Parra "Cherrywood" investieren?

Diese Zusammenarbeit ist das Ergebnis der Vereinigung zweier ikonischer Marken in der Welt der urbanen Mode und Sportbekleidung: Nike und Patta, mit dem künstlerischen Beitrag von Parra. Diese Zusammenarbeit ist Teil einer Serie von Veröffentlichungen, die die Geschichte der Zusammenarbeit in der Sneaker-Kultur geprägt haben.

Nike
Gegründet 1964 von Phil Knight und Bill Bowerman, ist Nike eine der führenden Marken im Bereich Sportbekleidung weltweit. Es ist bekannt für seine technologischen Innovationen in der athletischen Schuhmode und seine ständige Präsenz in der Pop- und Urban-Kultur. Die Air Max Linie, erstmals 1987 mit dem Air Max 1 eingeführt, revolutionierte die Schuhindustrie, indem sie eine sichtbare Luftkammer in die Sohle einführte, was das Design und den Komfort von Sneakern für immer veränderte.

Patta
Patta ist ein Streetwear-Modegeschäft mit Sitz in Amsterdam, gegründet von Edson Sabajo und Guillaume Schmidt im Jahr 2004. Die Marke hat sich durch ihren Fokus auf Authentizität und Qualität sowie ihre Zusammenarbeit mit verschiedenen renommierten Marken und Künstlern in der Streetwear-Szene ausgezeichnet.

Parra
Parra ist das Pseudonym des niederländischen bildenden Künstlers Pieter Janssen, bekannt für seinen unverwechselbaren Stil, der leuchtende Farben und organische Formen kombiniert. Seine Kunst hat einen bedeutenden Einfluss auf die urbane Kultur ausgeübt, und er hat mit mehreren Marken, darunter Nike, bei der Gestaltung von Kleidung und Schuhen zusammengearbeitet.

Über Nike Air Max 1 Patta x Parra Cherrywood
Im Jahr 2009, um das fünfjährige Bestehen von Patta zu feiern, brachten sie eine Kollektion von vier gemeinsamen Modellen des Nike Air Max 1 heraus. Neben den bereits angekündigten Farbvarianten Chlorophyll, Purple Denim, Corduroy und Lucky Green tauchte ein fünftes Paar auf, das noch legendärer war. Der Nike Air Max 1 Parra Patta Cherrywood wurde 2010 in äusserst begrenzten Stückzahlen veröffentlicht. Es wird gemunkelt, dass es nur 250 Paare gab. Mit einem reichhaltigen burgunderfarbenen Wildleder und asymmetrischen burgunderfarbenen und blauen Swooshes wurde der Schuh schnell zu einem der begehrtesten Designs in der Air Max Linie. Sie sind auf dem Wiederverkaufsmarkt aufgrund ihrer Seltenheit und Nachfrage hoch geschätzt.

Warum in Michael Jordan und Serena Williams Memorabilien investieren?

Michael Jordan
Geboren am 17. Februar 1963 in Brooklyn, New York, ist ein amerikanischer Basketballspieler, der weithin als einer der grössten aller Zeiten angesehen wird, weshalb seine Figur in Memorabilien so begehrt ist. Er wuchs in Wilmington, North Carolina, auf und zeichnete sich an der University of North Carolina at Chapel Hill aus. 1982 erzielte er den spielentscheidenden Treffer im NCAA-Nationalmeisterschaftsspiel. 1984 wurde er von den Chicago Bulls im NBA-Draft ausgewählt. Jordan führte die Bulls in den 1990er Jahren zu sechs NBA-Meisterschaften. Seine Zusammenarbeit mit Nike führte zu den ikonischen Air Jordan Sneakers. Seit 35 Jahren ziert die Nummer 23 Trikots von Jugendligen bis zur NBA und auf der ganzen Welt, dank Michael Jordan.

Serena Williams
Geboren am 26. September 1981, ist sie eine ehemalige professionelle Tennisspielerin aus den Vereinigten Staaten. Weithin als eine der grossten Tennisspielerinnen aller Zeiten angesehen. Sie begann ihre professionelle Karriere 1995, wurde von der Women's Tennis Association (WTA) für 319 Wochen, darunter 186 aufeinanderfolgende Wochen, als Weltranglistenerste im Einzel geführt, beendete das Jahr fünfmal als Nr. 1 und gewann 23 Einzel-Grand-Slam-Titel, womit sie als einzige Spielerin einen Golden Slam sowohl im Einzel als auch im Doppel erreicht hat. Serena errang auch vier Goldmedaillen bei Olympischen Spielen, einen Fed Cup und zwei Hopman Cups.

Über die roten & schwarzen Nike Court Flare Air Jordan1
Diese limitierten Sneakers, auf nur 23 Paare beschränkt, wurden speziell geschaffen, um Serenas gemeinsamen Rekord von 23 Einzel-Grand-Slam-Titeln bei den Australian Open 2017 zu ehren. Einer der ersten, der sie beglückwünschte, war Michael Jordan. Die Sneakers haben eine individuelle Farbkombination, die zu den Schuhen passt, die sie normalerweise auf dem Platz trägt. Serena trug diese roten und schwarzen Sneakers während der Siegerehrung nach ihrem Sieg. Beide legendären Athleten haben dieses Paar Sneakers signiert und die Inschrift "23" hinzugefügt. Diese Zahl repräsentiert sowohl ihren eigenen Rekord von 23 Grand-Slam-Titeln als auch den legendären Status von Michael Jordan und macht sie zu einem wirklich einzigartigen Sammlerstück.

Auktionen
Im Mai 2020 wurde ein Paar Nike Air Jordan 1 Sneakers, die von Michael Jordan während eines Spiels getragen wurden, bei einer Auktion von Sotheby's für 560.000 US-Dollar verkauft und markierte damit einen neuen Meilenstein als die teuersten jemals bei einer Auktion verkauften Sneakers. Im selben Jahr erzielte eine seltene Rookie-Karte von Michael Jordan aus seiner Saison 1986-87 bei den Chicago Bulls bei einer Auktion 738.000 US-Dollar und stellte damit einen neuen Rekord als den höchsten Preis für eine Jordan-Handelskarte auf.

Im Jahr 2022 sorgte die signierte Rookie-Karte von Serena Williams aus dem Jahr 2003 in der Welt der Sportmemorabilien für Schlagzeilen. Die Karte mit Serenas Unterschrift erzielte bei einer Auktion einen Rekordpreis von 266,4 Tausend US-Dollar. Der vorherige Rekord für eine weibliche Sammelkarte lag bei 117.000 US-Dollar und wurde im Januar desselben Jahres für eine Rookie-Karte von Serena Williams aus dem Juli 1999 bei SI For Kids festgelegt. Eine weitere Karte aus demselben Set wurde im März für über 91.000 US-Dollar auf eBay verkauft.

Warum in eine Kelly Bag investieren?
Der Anhaltende Charme und die Raffinesse der ikonischen Kelly Bag
Ursprünglich bekannt als Sac-à-Depêche und von dem renommierten französischen Luxushaus Hermès im Jahr 1935 gefertigt, erhielt die ikonische Kelly Bag später ihren Namen von der verehrten amerikanischen Schauspielerin und Fürstin von Monaco, Grace Kelly. Die Verbindung von Grace Kelly mit der Tasche, insbesondere ihre Verwendung, um ihre Schwangerschaft vor den Paparazzi zu verbergen, trug zu ihrer Anziehungskraft und ihrem Geheimnis bei. Seitdem ist die Kelly-Tasche gleichbedeutend mit zeitloser Eleganz, makelloser Handwerkskunst und unvergleichlichem Stil geworden und hat sich als eine der begehrtesten Luxushandtaschen weltweit etabliert.

Exklusivität und Seltenheit auf dem Hermès-Markt
Hermès ist berühmt für seine strengen Kaufrichtlinien, die die Anzahl der Taschen einschränken, die eine Person jährlich kaufen kann. Durch die bewusste Aufrechterhaltung einer begrenzten Produktion stellt die Marke sicher, dass es mehrere Jahre dauert, bis potenzielle Käufer an der Reihe sind. Folglich wird der Sekundärmarkt zu einem bevorzugten Weg für diejenigen, die Wartelisten umgehen möchten. Selbst gebrauchte Kelly-Taschen in stark gebrauchtem Zustand erzielen Preise von mehr als 10.000 Euro und unterstreichen damit ihre aussergewöhnliche Seltenheit und begehrte Natur.

Warum eine Mini Kelly?
Die Mini Kelly ist eine verkleinerte Version der klassischen Kelly-Tasche, die für diejenigen konzipiert wurde, die eine kompaktere und leichtere Option bevorzugen. Trotz ihrer geringeren Grösse behält sie alle charakteristischen Merkmale der grösseren Kelly bei, einschliesslich der akribischen Handwerkskunst und der luxuriösen Materialien.
Die Mini Kelly ist bei Mode-Enthusiasten und Sammlern aufgrund ihrer Seltenheit und Exklusivität äusserst begehrt. Sie wird oft als Symbol für Raffinesse und Eleganz betrachtet und ist damit ein zeitloses Accessoire, das über Trends hinweg Bestand hat. Ihre geringe Grösse trägt zu ihrem Charme bei und macht sie zu einer idealen Wahl für Anlässe, bei denen eine kleinere Tasche bevorzugt wird, ohne dabei auf eine mutige modische Aussage zu verzichten.

Ursprung und Entwicklung
Die früheste bekannte Mini Kelly stammt aus dem Jahr 1957 und wurde mit einem mittellangen Schulterriemen hergestellt. Jedoch erschien der ikonische runde Tragegriff, den Sammler liebevoll als "Armbandgriff" bezeichnen, erst im Jahr 1980.
Die ursprüngliche Mini Kelly war während ihrer Debüt-Ära kein sofortiger Erfolg. Trotz der Beliebtheit bei modebewussten Ikonen wie Elizabeth Taylor (die drei in ihrer Sammlung besass) wurde sie im Allgemeinen als zu klein für die meisten Frauen angesehen, insbesondere zu einer Zeit, als grössere Taschen in Mode waren.

Die Präsenz von Auktionen
In den acht Jahren seit der Veröffentlichung der Hermès Mini Kelly 20 II sind die Auktionspreise weiterhin hoch geblieben. Die Mini Kelly wird für $8.000 in Epsom und $8.500 in Chèvre in Hermès-Boutiquen verkauft, aber auf dem Sekundärmarkt wird sie für vielfache dieses Werts verkauft. Diese aufregende neue Version einer zeitlosen Tasche hat sich als grosser Erfolg und Hit sowohl bei erfahrenen als auch jungen Hermès-Sammlern erwiesen. In den ersten Jahren, in denen diese Taschen bei Auktionen auftauchten, lagen die Durchschnittspreise bei über $15.000 und übertrafen damit den Wert von Vintage Mini Kelly von Anfang an. Seitdem sind die Preise für alle Mini Kelly-Taschen dramatisch gestiegen, wobei der durchschnittliche Auktionspreis im Jahr 2023 bei $25.000 bis $30.000 lag.
Der Ausblick für 2024 für die Hermès Mini Kelly bleibt optimistisch, mit anhaltend hoher Nachfrage. Ledertaschen der Mini Kelly, die als "store fresh" gekennzeichnet sind, erzielen immer noch Preise um die $30.000 bis $40.000 auf Plattformen wie Sotheby's, und manchmal sogar höher bei Auktionen, abhängig von Faktoren wie Farbe und Produktionsjahr. Obwohl wir nicht die gleichen Höchstpreise wie 2022 beobachten, bleibt die Nachfrage robust. Ledertaschen der Mini Kelly werden gegenüber exotischen oder Vintage-Versionen bevorzugt und behalten ihre Beliebtheit bei der Hermès-Klientel. Trotz der Aufmerksamkeit von Mode-Redakteuren und Designern, die sich auf grössere Taschen verlagert, bleiben Mini-Taschen, einschliesslich der Mini Kelly, weiterhin sehr gefragt. Der Trend, kleinere Mini-Taschen mit Mikro-Taschen zu kombinieren, bleibt auch 2024 weit verbreitet. Zusätzlich wird die erwartete Veröffentlichung der ledernen Birkin 20 voraussichtlich noch mehr Aufregung erzeugen und den Hype um Mini-Taschen weiter anheizen.

"Superstar, Held, Idol oder Ikone, egal wie der Name lautet, Wayne Gretzky, Michael Jordan und Tiger Woods verdienen alle den Titel für ihre professionellen Karrieren in ihren jeweiligen Sportarten."- Rich Bonora, VP of Buiness Development bei The Upper Deck

Warum in Jordan, Gretzky und Woods Memorabilien investieren?
Historische Bedeutung
Diese Athleten gelten als Legenden in ihren jeweiligen Sportarten, erreichen bemerkenswerte Leistungen und hinterlassen einen bleibenden Eindruck in der Sportwelt. Memorabilien, die mit ihnen verbunden sind, haben oft historische Bedeutung und repräsentieren wichtige Momente in der Sportgeschichte.

Knappheit
Authentische Memorabilien sind oft in begrenzter Anzahl erhältlich, insbesondere solche, die mit ikonischen Athleten wie Jordan, Gretzky und Woods verbunden sind. Im Laufe der Zeit kann die Verfügbarkeit solcher Gegenstände abnehmen und ihren Wert durch Knappheit potenziell steigern.

Emotionale Verbindung
Sportfans und Sammler haben oft eine starke emotionale Verbindung zu diesen Athleten und ihren Leistungen. Der Besitz von Memorabilien, die mit ihren Lieblingssportikonen verbunden sind, kann ein Gefühl von Nostalgie und Stolz vermitteln und den Wert der Gegenstände für Sammler erhöhen.

Investitionspotenzial
Obwohl die Investition in Memorabilien Risiken birgt, können Gegenstände, die mit hoch angesehenen Athleten wie Jordan, Gretzky und Woods verbunden sind, im Laufe der Zeit an Wert gewinnen, insbesondere wenn sie gut erhalten und in gutem Zustand sind. Der Markt für Sportmemorabilien wird von der Nachfrage von Sammlern und Fans angetrieben, und Gegenstände, die mit legendären Athleten verbunden sind, neigen dazu, höhere Preise zu erzielen.

Auktionsergebnisse
Michael Jordan:
Im Mai 2020 wurde ein getragenes Paar Michael Jordans Nike Air Jordan 1 Sneakers für 560.000 US-Dollar bei einer Auktion von Sotheby's verkauft und stellte einen neuen Rekord für die teuersten Sneakers dar, die jemals bei einer Auktion verkauft wurden.
Im Jahr 2020 wurde eine seltene Rookie-Karte von Michael Jordan aus seiner Saison 1986-87 bei den Chicago Bulls für 738.000 US-Dollar bei einer Auktion verkauft und stellte einen Rekord für den höchsten Preis für eine Jordan-Handelskarte dar.

Wayne Gretzky:
Im Jahr 2019 wurde eine Rookie-Karte von Wayne Gretzky aus dem Jahr 1979 O-Pee-Chee für 3,75 Millionen US-Dollar bei einer Auktion verkauft und stellte einen neuen Rekord für den höchsten Preis für eine Eishockeykarte dar.
Im Jahr 2020 wurde ein Trikot, das Gretzky während seiner NHL-Saison 1980-81 bei den Edmonton Oilers getragen hatte, für 700.000 US-Dollar bei einer Auktion verkauft und stellte einen Rekord für den höchsten Preis für ein Gretzky-Trikot dar.

Tiger Woods:
Im Jahr 2021 wurde Tigers Woods Backup-Putter, den er benutzte, um mehrere Turniere zu gewinnen, für 393.300 US-Dollar bei einer Auktion verkauft und stellte einen Rekord für den höchsten Preis für einen Golfschläger dar.
Im Jahr 2019 wurde eine Sammlung von Tiger Woods Memorabilien, darunter turniergetragene Hemden, für über 2,1 Millionen US-Dollar bei einer Auktion verkauft und stellte einen Rekord für den höchsten Preis für Woods-Memorabilien in einer einzigen Auktion dar.

Warum in die Icons of Sport signiertes Archivpapier investieren?
Superstar, Held, Idol oder Ikone, egal wie man sie nennt, Wayne Gretzky, Michael Jordan und Tiger Woods haben alle den Titel für ihre professionellen Karrieren in ihren jeweiligen Sportarten verdient. Dieses signierte Archivpapier wurde sorgfältig unter UV-beständigem Plexiglas platziert und in einem Rahmen von Museumsqualität fertiggestellt. Die endgültige Rahmengröße beträgt 147.32 cm x 83.82 cm und zeigt die Unterschriften der größten aller Zeiten, Gretzky, Jordan und Woods. Gretzky erhielt den Spitznamen 'The Great One' nach einer bemerkenswerten NHL-Karriere, die vier Stanley-Cup-Meisterschaften umfasste. Jordan gewann insgesamt sechs NBA-Meisterschaften und war auch zweimaliger Olympiasieger. Woods hat 14 Major-Meisterschaften gewonnen und ist der einzige Profi-Golfer, der vier Majors in Folge gewonnen hat. Mit ihren authentifizierten Unterschriften besteht hier die Möglichkeit, ein seltenes Stück Sportgeschichte zu besitzen. Gretzky, Jordan und Woods haben dieses auffällige 147.32 cm x 83.82 cm Display mit dickem schwarzen Lackstift unterschrieben. Ihre Unterschriften gelten als authentisch im Rahmen des Fünf-Schritte-Prozesses von Upper Deck Authenticated.

Wer ist David Hockney?

Geboren am 9. Juli 1937 in Bradford, Yorkshire, England. Er ist einer der einflussreichsten britischen Künstler des 20. und 21. Jahrhunderts und bekannt für seine Vielseitigkeit in verschiedenen Medien wie Malerei, Druckgrafik, Fotografie und Bühnenbild. Er studierte am Bradford College of Art (1953–57) und am Royal College of Art, London (1959–62), wo er eine Goldmedaille im Abschlusswettbewerb erhielt und in den 1960er Jahren als führende Figur in der britischen Pop-Art-Bewegung bekannt wurde.

Erkundung
Ein Grossteil von Hockneys Motiven war autobiografisch, darunter Porträts und Selbstporträts sowie ruhige, beiläufige Szenen seiner Freunde und seiner Räume. Die lässige Eleganz und die ruhige Leuchtkraft dieser Stücke dominierten auch seine Stillleben. Hockneys Erkundung der Fotografie in den 1970er Jahren führte zur Schaffung von Fotocollagen, bekannt als "Joiners" oder "Fotomontagen". Diese Werke, aus mehreren zusammengefügten Fotografien bestehend, boten eine einzigartige Perspektive auf den Lauf von Zeit und Raum. Er veröffentlichte mehrere Serien grafischer Arbeiten in Buchform, darunter Illustrationen für Sechs Märchen der Brüder Grimm (1970) und Die blaue Gitarre (1977). Hockney erlangte auch internationalen Ruhm als Bühnenbildner für Oper und Ballett.

Interesse an neuen Technologien
Im Jahr 2010 besuchte David Hockney den Yosemite-Nationalpark mit einer neuen Erfindung von Apple: dem iPad. Er war einer der Ersten, die das Potenzial des Geräts als künstlerisches Werkzeug erkannten, und nutzte es, um die 26-teilige Yosemite Suite während seines Aufenthalts im Park zu erstellen. Dies zeigte Hockneys Status als Künstler der Moderne und etablierte eine einzigartige und wegweisende Ästhetik im Yosemite-Tal. Bis heute bleibt er ein entschiedener Verfechter von Technologie als Werkzeug in der Kunst.

Beliebtheit bei Auktionen
Hockneys Auktionsmarkt ist der drittgrösste unter den Gründern der Pop-Art, wie die Auktion von Phillips im Jahr 2022 in London zeigte, bei der 12 seiner Werke verkauft wurden, wobei 11 von ihnen ihre Höchstschätzungen um durchschnittlich beeindruckende 30% übertrafen. Ein weiteres Stück aus der Serie "The Yosemite Suite" erzielte aussergewöhnliche Ergebnisse und wurde für 182% über seiner niedrigen Schätzung verkauft, womit es als das fünft teuerste Hockney-Druckwerk bis heute gilt. Die diesjährige Auktivität spiegelt Hockneys anhaltende Beliebtheit wider, mit beeindruckenden 68,5% seiner angebotenen Kunstwerke, die ihre Schätzungen bei Auktionen übertreffen. In seiner langen Karriere hat David seit 1964 360 Einzelausstellungen, seit 1960 1.163 Gruppenausstellungen und ist in 72 Museumssammlungen vertreten. Am 15. November 2018 wurde Hockneys Werk Porträt eines Künstlers (Pool mit zwei Figuren) von 1972 im Auktionshaus Christie's in New York City für 90 Millionen US-Dollar verkauft. Damit wurde der bisherige Rekord gebrochen und das teuerste Kunstwerk eines lebenden Künstlers bei einer Auktion verkauft.

Über "16th March 2021, Tulips in Cut Glass"
Erstellt im Jahr 2021, entstanden während einer Zeit globaler Unsicherheit und Isolation, spiegelt Hockneys eigene Erfahrung wider, Trost und Schönheit in den alltäglichen Gegenständen und Momenten des häuslichen Lebens zu finden.
Das Werk zeigt eine lebendige Stillleben-Szene von Tulpen, arrangiert in einer geschliffenen Glasvase. Hockneys Einsatz von kräftigen, lebendigen Farben und lockeren, gestischen Pinselstrichen verleiht dem Gemälde einen Hauch von Lebendigkeit und Spontaneität. Die Tulpen, mit energetischen Strichen dargestellt, scheinen aus der Vase hervorzubrechen und die Komposition mit einem Gefühl von Vitalität und Freude zu erfüllen.

"Platin als optimales und ergänzendes Edelmetall, das sowohl Stabilität als auch ein gewisses Mass an Risikobereitschaft für das Portfolio bietet" - Head of Trading, philoro SCHWEIZ AG


Warum in Platin investieren?

Vielseitigkeit und Diversifikation
Platin, ein Edelmetall, das in verschiedenen Sektoren eingesetzt wird, wird oft neben Gold und Silber gruppiert. Sein Einsatz in der Schmuckherstellung und als Methode zur Diversifizierung von Anlageportfolios macht es zu einer attraktiven Option für Investoren.

Schlüsselrolle in wichtigen Industrien
Platin spielt eine entscheidende Rolle in Katalysatoren, die in Dieselmotoren eingesetzt werden, und ist daher für die Emissionskontrolle unverzichtbar. Darüber hinaus ist es das bevorzugte Metall im expandierenden Sektor grünen Wasserstoffs und fungiert als Katalysator in wichtigen Anwendungen wie Elektrolyseuren und Wasserstoff-Brennstoffzellen.

Angebots- und Nachfrage-Dynamik
Der Preis von Platin wird massgeblich von der Wechselwirkung zwischen Angebot und Nachfrage beeinflusst. In den letzten Jahren kam es aufgrund der steigenden Nachfrage und Arbeitsniederlegungen in wichtigen Bergbauregionen zu Marktengpässen.

Positive Aussichten und starke Fundamentaldaten
Trotz Herausforderungen hat Platin aufgrund seiner robusten Fundamentaldaten vielversprechende Aussichten. Seine Kosteneffizienz im Vergleich zu Palladium in Katalysatoren erhöht seine Attraktivität für Investoren weiter. Darüber hinaus besteht trotz des globalen Wandels hin zu Elektrofahrzeugen und technologischen Fortschritten weiterhin eine hohe Attraktivität für Platin.

Widerstandsfähigkeit in wirtschaftlicher Unsicherheit
Ähnlich wie andere Edelmetalle wird Platin während Phasen wirtschaftlicher Instabilität oft als sichere Anlage betrachtet. Sein Wert bleibt tendenziell stabil oder steigt sogar, wenn andere Anlagemöglichkeiten schwächeln könnten.

Potenzial für Wachstum im medizinischen Sektor
Platin findet auch Anwendungen im medizinischen Bereich, einschliesslich seiner Verwendung in Herzschrittmachern, Stents und Krebstherapien. Mit den laufenden Fortschritten in der medizinischen Technologie könnte die Nachfrage nach Platin in diesem Sektor zunehmen.

Dominanz auf dem Markt für Hybridfahrzeuge
Obwohl vollelektrische Fahrzeuge kein Platin benötigen, bleibt es für Hybridfahrzeuge unerlässlich. Die Hybridfahrzeugindustrie repräsentiert einen bedeutenden Markt, auf dem Platin voraussichtlich seine Dominanz behalten wird.

"Entdecke die faszinierende Welt der zum Verkauf stehenden Kunstwerke der talentierten Künstlerin Ksenia Pasyura. Geboren 1986 in der Ukraine, ist die in London ansässige Künstlerin bekannt für ihre lebendigen Gemälde, die die menschliche Form erforschen. Ihre Arbeit verbindet traditionelle Porträtmalerei mit abstrakten Elementen und verwandelt Körper in surreale Kompositionen. Sie taucht ein in die Beziehung zwischen Geist und Körper und verwendet Humor und verspielte Motive, um Schönheits- und Identitätsvorstellungen herauszufordern." - James Kerbey, Experte bei Maddox Advisory.


Wer ist Ksenia Pasyura und warum in sie investieren?

Ksenia Pasyura, geboren 1986, ist eine in London ansässige bildende Künstlerin und Malerin. Ihre künstlerischen Bestrebungen zeichnen sich durch eine tiefgreifende Erkundung des menschlichen Körpers in verschiedenen Erscheinungsformen aus. Pasyuras lebendige und dynamische Kunstwerke vereinen Elemente der traditionellen Porträtmalerei mit abstraktem Expressionismus und bieten eine surreale Interpretation der menschlichen Form.

Künstlerischer Ansatz
Indem sie sich in die komplexe Beziehung zwischen Geist und Körper vertieft, stellt Ksenia Pasyura menschliche Figuren in ihren Gemälden mit einzigartigen Merkmalen wie unnatürlich breiten Lächeln, überproportional grossen Füssen und verdrehten Anatomien dar und verzichtet bewusst auf traditionelle Geschlechternormen. Dieser bewusste Bruch mit konventioneller Darstellung unterstreicht ihren Glauben daran, dass der Körper als Leinwand dient, die die Komplexitäten der menschlichen Psyche und Emotionen reflektiert.
Durch den Einsatz von Humor und karnevalhaften Bildern strahlen Pasyuras Kreationen Schichten von Komplexität und Ironie aus und fordern die Betrachter heraus, konventionelle Standards von Schönheit und Identität neu zu überdenken. Durch ihre Darstellung von Figuren mit verzerrten Gliedmassen und vergrößerten Augen regt sie zur Betrachtung der Natur von Verkörperung und Selbstwahrnehmung an. Diese Figuren erscheinen als starke Symbole, die die Widersprüche der menschlichen Erfahrung verkörpern.

Erkundung des Grotesken
Pasyura konfrontiert das kontroverse Thema des Grotesken, das die zeitgenössische Kultur oft marginalisiert, indem sie Körper feiert, die als unattraktiv oder unkonventionell gelten. Ihre grossformatigen Kompositionen, gekennzeichnet durch lebhafte Farben, trotzen gesellschaftlichen Normen, indem sie diese vermeintlich unangenehmen Formen erheben. Über ihre visuelle Wirkung hinaus vermitteln Pasyuras Gemälde nuancierte Erzählungen, in denen ihre Subjekte eine Leichtigkeit und Freude ausstrahlen und etablierte Ideale von Schönheit in Frage stellen und zur Reflexion über die subjektive Natur von Ästhetik anregen.

Hingabe von Nahmad Projects an aufstrebende Talente
Gegründet im Jahr 2016 konzentrierte sich Nahmad Projects zunächst auf konzeptuelle und zeitgenössische Kunst, wie durch seine Eröffnungsausstellung unter der Leitung von Francesco Bonami, inspiriert von Tino Sehgals Arbeit, dokumentiert. Joseph Nahmad, der Gründer der Galerie, stammt aus der angesehenen Nahmad-Kunstdynastie, die für ihre umfangreiche Kunstsammlung im Wert von etwa 3 Milliarden US-Dollar und zahlreiche Picasso-Werke bekannt ist.
Während Nahmad Projects etablierte Künstler wie Raghav Babbar und Jan Frank präsentiert hat, hat es auch ein Engagement für die Identifizierung und Förderung aufstrebender Talente gezeigt. Die Expertise der Nahmad-Familie erstreckt sich auf moderne Meister wie Alexander Calder, Jean Dubuffet, Pierre-Auguste Renoir und andere. Darüber hinaus pflegt Nahmad Projects Verbindungen zu Nahmad Contemporary, einer Galerie für den Sekundärmarkt, die eine vielfältige Auswahl etablierter Künstler von Odilon Redon und Joan Miró bis hin zu Richard Prince und John Chamberlain präsentiert.

„Eine Investition in das Bundle ist sicherlich eine einzigartige Chance. Mit den seltenen Größen US 4, US 7 und US 11,5 bietet dieses Set eine unschlagbare Kombination. Die begehrte US 4-Größe verleiht diesem Bundle zusätzlichen Sammlerwert und verspricht eine herausragende Wertentwicklung. Eine gute Gelegenheit, um in die Zukunft der Sneaker-Kultur zu investieren.“ - Constantin Philippi - Sneaker Experte

Warum investierst du in den Nike Off-White Air Jordan 1 Chicago?
Iconic Collaboration and Design
Im September 2017 lancierten Nike und Virgil Abloh's Off-White eine monumentale Kollektion namens "The Ten". In dieser einzigartigen Zusammenstellung erhielten zehn der renommiertesten Nike-Schuhe ein erfrischendes Off-White-Design. Das amerikanische Sneaker-Magazin Footwear News krönte den Nike Air Jordan 1 Off-White 'Chicago' zum Sneaker des Jahres 2017, und diese Auszeichnung war wohlverdient. Kaum ein anderer Schuh-Release konnte im gleichen Jahr einen vergleichbaren Hype erzeugen. Für Sneaker-Enthusiasten wurde er zum neuen Heiligen Gral, und für Virgil Abloh, dem damaligen CEO von Off-White, sowie für Nike markierte er den Beginn einer langjährigen Partnerschaft. Zuerst fällt natürlich der ikonische 'Chicago'-Colorway in Rot, Weiss und Schwarz ins Auge. Darüber hinaus ist der "halb fertige" Look bemerkenswert, insbesondere der Nike Swoosh, der mit auffälligen blauen Nähten angebracht ist. Das berühmte rote Off-White-Tag am Schuh sorgte tatsächlich erstmals im Jahr 2017 für Diskussionen unter Sneaker-Enthusiasten: Sollte man es abschneiden oder daran lassen? Die charakteristischen Anführungszeichen von Off-White sind auf der Mittelsohle zu finden. Passend zum Air Jordan ist dort ein minimalistisches "AIR" zu sehen. Auch die Box ist bemerkenswert: Die Kartonoptik wurde nach aussen verlegt und mit dem Wort "Jumpman" bedruckt, während im Inneren ein goldenes Jumpman-Logo auf einem schwarzen Finish leuchtet.

Kulturelles Phänomen und Wiederverkaufswert
Jenseits seines Designs ist der Off-White Air Jordan 1 Chicago zu einem kulturellen Phänomen geworden und verkörpert die Verschmelzung von Streetwear, High Fashion und Sneaker-Kultur. Seine begrenzte Verfügbarkeit und die sprunghaft steigende Nachfrage haben ihn in den Bereich begehrter Sammlerstücke katapultiert. Als Folge steigen die Wiederverkaufspreise oft weit über den Einzelhandelswert, was ihn zu einer attraktiven Investitionsmöglichkeit für Sneaker-Enthusiasten und Investoren macht. Die Wertentwicklung und das Potenzial für die Zukunft ist besonders spannend bei diesem Bundle. Zum Release 2017 kostete ein Paar des Sneakers 179€. Natürlich hatten nur wenige Personen die Chance überhaupt ein Paar zu ergattern. Die hier angebotenen Grössen, sind sogenannte Money-Sizes - heisst: Sie sind besonders wertvoll. Die US 4 gilt als die seltenste Grösse der Off-White Air Jordan 1 Modelle.

Die Grössen
Kleine Grössen sind bei limitierten Air Jordan 1 Versionen generell die wertvollsten. Eine US 4 des Off-White Chicagos wird im auf Plattformen wie StockX für 14.000€ angeboten, eine US 7 für 12.000€. Auch wenn diese nicht unmittelbar für diese Preise verkauft werden - es wird immer jemanden geben, der die Schuhe in genau dieser Größe benötigt. Gerade der asiatische Markt ist hier ein potenzieller Abnehmer für einen zukünftigen Exit.

Limitierte Verfügbarkeit
Wie bei vielen begehrten Sneaker-Modellen ist auch der Nike Off-White Air Jordan 1 "Chicago" in limitierter Stückzahl produziert worden. Diese begrenzte Verfügbarkeit trägt dazu bei, dass die Nachfrage hoch bleibt.

Steigende Wertschätzung
Seit seiner Veröffentlichung 2017 hat der Nike Off-White Air Jordan 1 "Chicago" eine kontinuierliche Wertsteigerung erfahren. Damals kostete der Schuh 179€. Sammler und Investoren erkennen das Potenzial dieses Schuhs als langfristige Anlage, da er nicht nur ein Modeaccessoire ist, sondern auch eine kulturelle Bedeutung trägt.

"Der 997 Porsche Turbo ist eine herausragende Wahl für diejenigen, die über ein investierbares klassisches Auto nachdenken. Seine fortschrittlicheren Funktionen und historische Bedeutung als einer der Höhepunkte der wassergekühlten Turbos, kombiniert mit Merkmalen wie einem seltenen Schaltgetriebe und einem gut erhaltenen Zustand, machen diesen 997 Turbo zu einem vielversprechenden Kandidaten für eine Wertsteigerung." - David Spickett, CEO von TheCarCrowd


Warum der Porsche 911, 997 Turbo?

Cutting-Edge Engineering
Der Porsche 997 Turbo verkörpert den Höhepunkt der Ingenieurskunst des renommierten deutschen Automobilherstellers Porsche.

Exceptional Performance
Angetrieben von einem raffinierten 3,6-Liter-Flachsechszylinder-Motor der zweiten Generation mit Wasserkühlung und Doppelturboaufladung liefert der 997 Turbo bemerkenswerte Leistung und Drehmoment und hebt damit seine dynamischen Fähigkeiten hervor.

Superior Handling
Mit einer Beschleunigung von 0 auf 60 mph in unter 3,7 Sekunden und einer Höchstgeschwindigkeit von über 193 mph demonstriert der 997 Turbo eine herausragende Leistung, unterstützt durch sein Allradantriebssystem und die ausgeklügelte Aufhängung für unvergleichliche Handhabung und Stabilität.

Distinctive Design
Das optisch auffällige Design des 997 Turbo, gekennzeichnet durch seine breiten hinteren Kotflügel, den einzigartigen Heckspoiler und die verbesserten vorderen Lufteinlässe, verbessert nicht nur seinen sportlichen Charme, sondern optimiert auch die aerodynamische Effizienz und Kühlung.

Luxurious Interior
Im Innenraum bietet der 997 Turbo ein luxuriöses Erlebnis mit hochwertigen Materialien und modernster Technologie, das Komfort und Spannung in jeder Fahrsituation gewährleistet.

Proven Legacy
Der Porsche 997 Turbo bleibt aufgrund seiner hervorragenden Leistung, präzisen Handhabung und Praktikabilität im täglichen Gebrauch ein Favorit unter Autoenthusiasten und Sammlern.

Compelling Investment
Nach dem Trend der Wertsteigerung früherer Porsche-Turbo-Modelle wie dem 993, 964 und sogar dem 996, stellt der 997 Turbo eine überzeugende Investitionsmöglichkeit dar. Seine Entwicklung innerhalb der wassergekühlten Porsche-Linie trägt zu seiner Attraktivität bei, und als letzter der berühmten Mezger-Motoren hat er eine bedeutende historische Bedeutung im Porsche-Erbe.

Warum dieser 997 Turbo?

Makellose Wartungsaufzeichnungen
Dieses spezielle Modell des 997 Turbo verfügt über eine elegante Außenfarbe in Meteor Grey Metallic und ein luxuriöses Interieur in Schwarzem Leder. Es hat eine akribische Wartung durchlaufen und weist eine vollständig dokumentierte Historie auf, die die Originalrechnung, die Service-Rechnungen des Hauptagenten und das Handbuch des Eigentümers umfasst.

Umfassende Detailarbeit
Darüber hinaus hat dieser 997 Turbo kürzlich eine gründliche Detailarbeit erhalten, einschließlich einer umfassenden Überholung der Räder, um seinen makellosen Zustand zu gewährleisten.

Ausrichtung mit der Anlagestrategie
Der 997 Turbo passt perfekt zur Anlagestrategie von TheCarCrowd. Als ikonisches Poster-Auto der späten 2000er Jahre bietet es eine beeindruckende Leistung, ein ikonisches Design und die Ingenieurskunst eines wassergekühlten Porsche Turbo, was auf eine starke Wertsteigerung hindeutet. Seine bisherige Wertsteigerung seit 2018, gepaart mit dem signifikanten Wertzuwachs früherer Porsche-Turbo-Modelle wie dem 993, legt einen überzeugenden Fall für eine Investition nahe.

Gut dokumentierte Geschichte
Dieser spezielle 997 Turbo hat ein geliebtes und gut dokumentiertes Leben geführt, mit regelmässiger Wartung in allen wichtigen Intervallen, was seine Langlebigkeit und Werterhaltung sicherstellt.

Ideale Laufleistung
Mit einer durchschnittlichen Laufleistung von etwa 4.000 Kilometer pro Jahr in seinen 16 Jahren Existenz bietet dieses spezielle Beispiel eine echte Investitionslaufleistung. Seine umfassende Geschichte, vollständig dokumentiert zu Schlüsselintervallen, festigt weiter sein Investitionspotenzial.

Starke Leistung
Die Vergangenheitsdaten zeigen, dass der Porsche 911 997 Turbo ein beeindruckendes Wachstum verzeichnet hat, mit einem Anstieg um 49,11% seit 2018, was zu einem jährlichen Rückgang von 9,82% führt. Das Wachstum war in den letzten Jahren besonders bemerkenswert, mit einem bemerkenswerten jährlichen Wachstum von 13% zwischen 2020 und 2023.

"Albert Willem ist ein belgischer Künstler, der im Alter von 36 Jahren mit dem Malen begann und sich schnell auf Instagram etablierte. Seine Arbeiten starteten im Mai 2022 auf dem Auktionsmarkt durch und erreichte bis zum Ende des Frühlings rapide einen Höchststand von 213.955 US-Dollar. Im Januar 2023 trieb ein Bieter den Rekord des Künstlers bei Sotheby's auf 295.219 US-Dollar." - James Kerbey, Experte bei Maddox Advisory


Warum Albert Willem?
Belgien (1979)
Albert Willem, geboren in Brüssel, ist ein zeitgenössischer figurativer Künstler, der für seine verspielten und humorvollen Gemälde im naiven Stil gefeiert wird. Trotz fehlender formaler Kunstausbildung tauchte er in Galerien, Museen ein und beschäftigte sich über soziale Medien mit Kunst. Obwohl er als Kind ein Talent zum Zeichnen hatte, griff er erst im Alter von 36 Jahren wieder zum Stift, da Universität und familiäre Verpflichtungen Vorrang hatten. Vor etwa vier Jahren entfachte Willem seine Leidenschaft für die Kunst wieder, als er beschloss, sein Zuhause mit seinen eigenen Gemälden zu schmücken. Die Freude am Prozess wiederentdeckend, hat er seitdem all seine freie Zeit seinen künstlerischen Bestrebungen gewidmet und beschreibt diese Wiederauferstehung in der Kunst als eine "Midlife-Krise".

Künstlerischer Stil
Im Laufe der Jahre hat Willem mit verschiedenen Medien und Techniken experimentiert, von Nagellack über Sprühfarbe bis hin zur Textilkunst. Derzeit verwendet er hauptsächlich Acrylfarbe, die mit einem Hochglanzlack für lebendige Farben überzogen ist. Während die meisten seiner Werke auf Leinwand sind, nutzt er auch Karton von Online-Käufen als alternative Leinwand. Sein künstlerischer Prozess ist schnell, oft werden Kunstwerke innerhalb von 48 Stunden fertiggestellt.

Über seine Kunstwerke
Willem's Gemälde zeichnen sich durch ihre Einfachheit, Rohheit und manchmal absichtlich unfertige Qualität aus. Sie zeigen kühn sein technisches Können auf grundlegender Ebene und erfassen gleichzeitig die ungehemmte Energie eines Amateurs, der frei von traditionellen Einschränkungen ist. Seine Werke stellen das tägliche Leben auf eine humorvolle, aber ironische Weise dar und vermeiden oft komplexe Themen. Mit Humor adressiert er sowohl vergangene als auch gegenwärtige Ängste, wie seine Angst vor Tanzflächen. Beeinflusst von Künstlern wie LS Lowry, James Ensor und Bruegel dem Älteren, fügt Willem einen zeitgenössischen Twist hinzu, während er Elemente der Normalität und des Primitivismus bewahrt. Seine Kunstwerke wurden in Deutschland, Russland und Belgien ausgestellt.

Die Unendliche Conga
Im Januar 2021 initiierte Willem ein Projekt namens "nie endende Conga-Linie". Er erschafft eine ununterbrochene Linie von tanzenden Figuren auf mehreren Kartonstücken und verlängert die Linie kontinuierlich, indem er auf nachfolgende Stücke weitere Tänzer hinzufügt. Dieses Kunstwerk kann zum Kauf aufgeteilt werden, wodurch Käufer gemeinsam Segmente des Tanzes besitzen und das Kunsterlebnis teilen können.

Aufstrebender Star
Willem verdankt einen Grossteil seiner künstlerischen Entwicklung den sozialen Medien, wo er täglich mindestens zwei Stunden damit verbringt, von anderen Künstlern zu lernen. Seine Kunst entwickelt sich kontinuierlich weiter, während er mit verschiedenen Stilen, Themen und Techniken experimentiert. Sein schneller Aufstieg zu Ruhm hat sogar ihn selbst überrascht, da seine Kunstwerke konsequent die Schätzungen bei Auktionen um das Zehnfache oder mehr übertreffen. Besonders bemerkenswert ist sein Werk Schneeverweht (2021), das für erstaunliche 225.000 $ bei Sotheby’s Hongkong verkauft wurde, weit über der Schätzung von 13.000 bis 19.000 $. Von den 14 bei Auktionen im Jahr 2022 verkauften Werken erzielte die Hälfte trotz konservativer Schätzungen über 150.000 $.

"Erlebe die Welt der LEGO City Züge, in der seltene und detailreiche Modelle das Herz eines jeden Eisenbahnfans höher schlagen lassen. Diese breit gefächerte Auswahl an aktuellen und bereits nicht mehr produzierten LEGO City Zügen bieten nicht nur eine realistische Nachbildung des Eisenbahnverkehrs, sondern auch eine beeindruckende Vielfalt an Funktionen, die sie zu einem Must-have vieler LEGO-Sammlungen machen.“ - André Schulze, GOLDSTEIN.SHOP


Warum in LEGO-Zugsets investieren?
Vielfältige Auswahl
LEGO-Zugsets umfassen eine breite Palette von Optionen und sprechen Baumeister jeden Alters und Interesses an. Von einfachen Starter-Sets über aufwendige motorisierte Züge bis hin zu detailreichen Bahnhöfen gibt es in der LEGO-Zugkollektion für jeden etwas.

Unendliche Kreativität
LEGO-Zugsets bieten unbegrenzte Möglichkeiten für Kreativität und Anpassung. Baumeister können ihre eigenen einzigartigen Zuglayouts entwerfen und konstruieren, indem sie zusätzliche Schienen, Brücken und Gebäude einbeziehen, um eine personalisierte Miniaturwelt zu schaffen.

Spannendes Spielen
LEGO-Zugsets bieten stundenlanges spannendes Spiel für Kinder und Erwachsene gleichermassen. Der Bau und Betrieb eines LEGO-Zugsystems fördert die imaginative Geschichtenerzählung und Problemlösungsfähigkeiten und macht es sowohl unterhaltsam als auch lehrreich.

Sammelwert
LEGO-Zugsets sind sammelbar, und viele Sets steigen im Laufe der Zeit im Wert. Sammler suchen oft nach seltenen und nicht mehr hergestellten Sets, was LEGO-Züge zu einer potenziell lukrativen Investition für Enthusiasten macht.

Gemeinschaft und Zusammenarbeit
Die LEGO-Zug-Community ist lebendig und aktiv, und Enthusiasten teilen ihre Kreationen, Ideen und Tipps online und auf LEGO-Fan-Conventions. Der Beitritt zu dieser Community bietet Möglichkeiten zur Zusammenarbeit, Inspiration und Kameradschaft unter gleichgesinnten LEGO-Zugfans.

Historische Bedeutung
LEGO-Zugsets haben eine lange Geschichte, die mehrere Jahrzehnte zurückreicht. Die Investition in LEGO-Züge ermöglicht es Enthusiasten, dieses kulturelle Erbe zu schätzen und zu bewahren, während sie gleichzeitig an der fortlaufenden Entwicklung der LEGO-Zugtechnologie und des Designs teilnehmen.

Unser LEGO-Zug-Release enthält die folgenden Sets:
LEGO® City Güterzug (60198)
LEGO® City Personen-Schnellzug (60337)
LEGO® City Güterzug (60336)
LEGO® City Güterzug (60052)
LEGO® City Hochgeschwindigkeitszug (60051))
LEGO® City Schwerlastzug (60098)
LEGO® City Passagierzug (7938)
LEGO® City Passagierzug (7939)
LEGO® City Güterzug mit Diesellokomotive (3677)

Gründe für die Auswahl dieser Sets:
Der LEGO-City Güterzug
Ein Stadtset mit 1.226 Teilen und 6 Minifiguren wurde 2018 eingeführt. Seine Produktion wurde im Juni 2022 eingestellt, nachdem es 46 Monate lang verfügbar war.

Der LEGO-City Personen-Schnellzug
Dies ist ein Stadtset mit 764 Teilen und 6 Minifiguren. Es wurde 2022 veröffentlicht und wird voraussichtlich zwischen Anfang und Mitte 2026 aus dem Sortiment genommen.

Der LEGO-City Güterzug
Dieses Stadtset, das 2022 veröffentlicht wurde, umfasst 1.153 Teile und enthält 6 Minifiguren. Es zeigt einen zeitgenössischen Zugmotor zusammen mit drei Zugwagen, die einen Frachtgut von Obstbäumen, zwei Elektrofahrzeugen, eine solarbetriebene Ladestation für Elektrofahrzeuge und einen voll funktionsfähigen Gabelstapler transportieren.

Der LEGO-Güterzug
Dieses Set, das 2014 veröffentlicht wurde, ist ein LEGO-Stadtset mit 888 Teilen und 6 Minifiguren. Das Set enthält einen motorisierten Güterzug, eine Infrarot-Fernbedienung und verschiedene Fracht- und Tierfiguren für Transportzwecke. Die Minifiguren repräsentieren verschiedene Rollen wie einen Zugführer, einen Bauern, einen Lastwagenfahrer und einen Gabelstaplerbediener. Nach einer Lebensdauer von 48 Monaten wurde es im Mai 2018 eingestellt.

Der LEGO-City Hochgeschwindigkeitszug
Das Zugset, Teil des Stadtthemas, bestand aus 610 Teilen und wurde 2014 veröffentlicht. Es zeigte drei Minifiguren: einen Zugführer, einen Reisenden und einen Radfahrer. Das Set wurde im April 2018 nach 47 Monaten Marktzugehörigkeit eingestellt.

Der LEGO-City Schwerlastzug
Dieses Set war ein LEGO-Stadtset mit 984 Teilen und 5 Minifiguren. Es wurde 2015 eingeführt und im November 2017 nach 27 Monaten vom Markt genommen.

Der LEGO-Passagierzug
Im Jahr 2010 wurde ein Stadtset mit 669 Teilen und 3 Minifiguren veröffentlicht. In den Vereinigten Staaten wurde es als Special Edition Set im LEGO Store und bei Toys R Us vermarktet. Das Set enthält einen Motor, zwei Personenwagen, einen Bahnhof und 32 Schienenteile mit einem Infrarot-Fernbediensystem. Es wurde im Juni 2014 nach 48 Monaten Betriebszeit ausser Betrieb genommen.

Der LEGO-Passagierzug
Im Jahr 2010 wurde ein Stadtset mit 839 Teilen und 5 Minifiguren eingeführt. Dieses Set enthielt einen Kran, einen motorisierten Motor, drei Wagen, ein Schienenset und vier Minifiguren (einen Zugführer und drei Frachthofarbeiter). Es zeichnete sich besonders durch eine funktionierende Winde und die Verwendung des Power Functions-Infrarot-Fernbediensystems aus. Das Set wurde im Juni 2014 nach 48 Monaten vom Markt genommen.

Der LEGO-Güterzug mit Diesellokomotive
Im Jahr 2011 wurde ein Stadtset mit 831 Teilen und 4 Minifiguren veröffentlicht. Es wurde im November 2012 nach 15 Monaten vom Markt genommen.

"Diamanten mit einem Gewicht von über 1 Karat und mit der höchsten Graduierung, wie der vorliegende Brillant, sind äusserst selten. Die Natur produziert seit Millionen von Jahren keine Diamanten mehr und sind deshalb ein endliches Gut. Diese Faktoren führen dazu, dass natürliche Diamanten sehr wertstabil sind und somit einen Schutz vor Inflation bilden. Diamanten sind physische Vermögenswerte, welche auf der ganzen Welt als sehr wertvoll angesehen werden." - Patrick Zeunert, Gründer von The BrandZ GmbH

Warum in Diamanten investieren?
Physische Anlage
Diamanten symbolisieren eine konkrete Investition, die physisch besessen werden kann, im Gegensatz zu Aktien oder Anleihen, und bieten ein Gefühl von Besitz und Freude. Erfahre mehr über die Welt der Diamanten.

Werterhaltung
Seit Jahrhunderten werden Diamanten aufgrund ihrer beständigen Natur und ihrer Fähigkeit, Korrosion zu widerstehen, als Mittel zur Wertsicherung anerkannt, was sie zu einer verlässlichen Wahl für langfristige Investitionen macht.

Schutz vor Inflation
Wie Immobilien und Gold können Diamanten als Schutz gegen Inflation dienen und sich im Laufe der Zeit im Wert steigern, um mit oder sogar die Inflationsraten zu übertreffen.

Transportleichtigkeit
Diamanten sind leicht transportierbar, was eine internationale Diversifikation ermöglicht und ihren Wert als mobile Anlage erhöht.

Diversifikationsvorteile
Diamanten bieten Diversifikationsvorteile aufgrund ihrer potenziell geringen Korrelation mit herkömmlichen Finanzmärkten. Dies bedeutet, dass ihr Wert möglicherweise nicht immer mit Aktien, Anleihen oder anderen Anlageinstrumenten übereinstimmt und somit das Gesamtportfoliorisiko mindert.

Stabilität
In den letzten fünf Jahren haben Diamanten im Gewicht von 1 bis 2 Karat eine jährliche Schwankung von weniger als 2% gezeigt, was darauf hindeutet, dass sie eine relativ konsistente Anlageoption darstellen.

Innate Wert
Die Knappheit von Diamanten sowie die erheblichen Ressourcen, die für ihre Förderung und Veredelung benötigt werden, verleihen ihnen einen inneren Wert, der den Anlegern ein Gefühl der Sicherheit gibt.

Warum dieser Diamant?

Schwerpunkt auf Liquidität je nach Grösse und Qualität Im Schmucksektor gelten Diamanten zwischen 1 und 2 Karat und mit der Bewertung D-IF oder D-Fl als erstklassig und leicht handelbar. Weit verbreitet in Verlobungsringen und hochwertigen Schmuckstücken, werden diese Diamanten aufgrund ihrer Seltenheit und ihres Werts geschätzt. Der Bereich von 1 bis 2 Karat ist besonders begehrt für Verlobungsringe, weil er eine Mischung aus Grösse und Kostenwirksamkeit bietet.

Höchste Qualität: D-IF
Die Note D-IF steht für die Farbe und Reinheit des Diamanten, wobei D die höchste Farbnote (völlig farblos) kennzeichnet und Internally Flawless (IF) bedeutet, dass der Diamant frei von inneren Mängeln ist, wenn er unter 10-facher Vergrösserung untersucht wird. IF-Diamanten können jedoch geringfügige Oberflächenfehler aufweisen, obwohl sie unter 10-facher Vergrösserung unmerklich bleiben.

„Der Nike SB Dunk Low 'Freddy Krueger' ist eine seltene Gelegenheit, in eine Legende zu investieren. Mit nur 30 existierenden Paaren weltweit, kultureller Relevanz und makellosem Zustand ist dieser Sneaker eine unverzichtbare Investition für jeden Sammler und Kenner.“ - Constantin Philippi - Sneaker Experte

Warum in Nike investieren?
Nike, ein Titan im Bereich Sportschuhe, verkörpert Innovation und Stil in der Sneaker-Welt. Von seinen Anfängen 1964 als Blue Ribbon Sports bis zu seiner heutigen globalen Statur hat Nike das Sneaker-Spiel neu definiert.

Zentral für den Erfolg von Nike ist sein unermüdliches Streben nach Grenzen. Die Air Jordan-Linie, entstanden aus der Zusammenarbeit mit Michael Jordan, hat den Sport überschritten und ist zu einem globalen Modeikone geworden. Die technologischen Fortschritte von Nike, von der Air-Dämpfung bis zum selbstschnürenden Adapt BB, zeigen ihr Engagement für Innovation.

Inmitten dessen hat sich der Nike Dunk als kulturelles Phänomen herausgestellt. Ursprünglich ein Basketballschuh, hat das vielseitige Design und die Farbvarianten des Dunks ihn zu einem Grundnahrungsmittel der Streetwear gemacht. Seine Wiederbelebung in den letzten Jahren mit Kollaborationen und limitierten Veröffentlichungen unterstreicht seine anhaltende Attraktivität.

Nikes Marketing ist ebenso ikonisch, mit Slogans wie "Just Do It", die Generationen inspirieren. Kollaborationen mit Kanye West und Travis Scott festigen seinen Platz im Zentrum von Sport und Kultur.

Heute blüht Nikes Sneaker-Reich und bietet Klassiker wie den Air Force 1 neben innovativen Veröffentlichungen wie dem React Infinity Run an. Nike verkauft nicht nur Schuhe; es verkauft ein Stück Geschichte, ein Stück Kultur und ein Symbol für Exzellenz.

Warum in den Nike SB Dunk Low Freddy Krueger investieren?
Der Nike SB Dunk Low Pro 'Freddy Krueger' steht als legendäres, aber noch unveröffentlichtes Juwel unter den Nike SB Dunk-Kollektionen. Ursprünglich für eine Veröffentlichung im Jahr 2007 als Teil des 'Horror Packs' vorgesehen, zu dem auch der 'Jason Voorhees' Nike Dunk High und der 'Dawn of the Dead' Nike Air Trainer One gehörten, gelangte er nie in die offiziellen Verkaufskanäle.

Dieser Sneaker war eine Hommage an den berüchtigten Antagonisten aus der Nightmare on Elm Street-Serie. Sein Design zeigte das ikonische rot-grüne gestreifte Muster von Freddy Kruegers Pullover über die Basis des Schuhs, ergänzt durch beige Lederüberzüge, die mit Blutspritzern versehen waren. Das Design des Swoosh imitierte die scharfen Klingen von Freddys berüchtigtem Lederhandschuh.

Aufgrund spekulativer rechtlicher Herausforderungen gelangte dieser Sneaker nie in die Regale und markiert eines der faszinierendsten Kapitel in der Nike SB-Geschichte. Gerüchten zufolge hat Nike die produzierten Paare zerstört und nur bis zu 30 Paare in die Welt entlassen, die von Sneaker-Sammlern weltweit begehrt sind.

Dieser Sneaker gilt als einer der schwer fassbaren Nike Dunk SBs, die je konzipiert wurden.

Die Preisspanne von 33.000 $ bis über 100.000 $ spiegelt die extreme Knappheit und die Nachfrage nach diesen Sneakern wider. Faktoren wie der Gesamtzustand und die Größe können ihren Marktwert erheblich beeinflussen. Ein "Deadstock"-Zustand, was bedeutet, dass die Sneaker brandneu und ungetragen sind, kann auf dem Wiederverkaufsmarkt aufgrund ihres makellosen Zustands die höchsten Preise erzielen.

Einige Muster des Nike SB Dunk Low "Freddy Krueger" wurden absichtlich beschädigt, zum Beispiel durch Löcher in den Sohlen, um den Wiederverkauf zu verhindern. Diese Muster sind oft Prototypen oder Versionen, die nicht für den Einzelhandelsverkauf vorgesehen sind, was sie noch einzigartiger macht, obwohl sie aufgrund ihres beschädigten Zustands nicht so hohe Preise erzielen wie die in Deadstock-Zustand.

Sammler und Enthusiasten schätzen diese Sneaker nicht nur wegen ihrer Seltenheit, sondern auch wegen ihres einzigartigen Designs, das von Freddy Kruegers ikonischem Pullover, Blutspritzern und verbrannter Haut inspiriert ist, was sie zu einem bemerkenswerten Stück Sneaker- und Popkulturgeschichte macht.


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"Entdecke die faszinierende Welt der zum Verkauf stehenden Kunstwerke der talentierten Künstlerin Ksenia Pasyura. Geboren 1986 in der Ukraine, ist die in London ansässige Künstlerin bekannt für ihre lebendigen Gemälde, die die menschliche Form erforschen. Ihre Arbeit verbindet traditionelle Porträtmalerei mit abstrakten Elementen und verwandelt Körper in surreale Kompositionen. Sie taucht ein in die Beziehung zwischen Geist und Körper und verwendet Humor und verspielte Motive, um Schönheits- und Identitätsvorstellungen herauszufordern." - James Kerbey, Experte bei Maddox Advisory

Wer ist Ksenia Pasyura und warum in sie investieren?

Geboren im Jahr 1986, ist Ksenia Pasyura eine bildende Künstlerin und Malerin mit Sitz in London. Ihre künstlerischen Unternehmungen sind gekennzeichnet durch eine tiefe Betrachtung des menschlichen Körpers in seinen verschiedenen Erscheinungsformen. Pasuryas dynamische und farbenfrohe Kreationen zeigen eine surreale Verschmelzung von traditioneller Porträtmalerei und abstraktem Expressionismus und verwandeln die menschliche Form in etwas Unbekanntes und Faszinierendes.

Künstlerische Praxis
Beim Erforschen der komplexen Beziehung zwischen Psyche und Körper trotzen Ksenia Pasayuras gemalte Figuren, gekennzeichnet durch übertriebene Lächeln, überproportional grosse Füsse und verdrehte Anatomien, bewusst konventionellen Geschlechtsnormen. Diese bewusste Wahl legt nahe, dass der Körper seine Physis überwindet und als lebendige Leinwand dient, die die Komplexität menschlicher Emotionen und innerer Landschaften widerspiegelt. Durch den Einsatz von Humor und karnevalistischen Motiven strahlen Pasayuras Werke eine komplexe und ironische Note aus, die die Betrachter dazu anregt, etablierte Vorstellungen von Schönheit und Identität neu zu überdenken. Mit ihren verdrehten Gliedmaßen und vergrößerten Augen erwecken ihre gemalten Figuren ein Gefühl der Unruhe und laden zur Betrachtung unserer Beziehung zu unserem eigenen Körper und den in der menschlichen Verfassung inhärenten Widersprüchen ein.

Grotesk
Mit dem kontroversen Thema des Grotesken setzt sich Pasyura mit gesellschaftlichen Normen auseinander, die oft Körper marginalisieren, die als unattraktiv oder entstellt angesehen werden. Ihre künstlerischen Kompositionen, gekennzeichnet durch kräftige Farben und grossformatige Darstellungen, trotzen der Tendenz der Gesellschaft, diese unkonventionellen Formen zu übersehen. Trotz ihrer visuellen Wirkung vermitteln Pasayuras Gemälde nuancierte Erzählungen, in denen ihre Figuren eine Leichtigkeit und Freude ausstrahlen und traditionelle Vorstellungen von Schönheit umkehren und zur Reflexion über die subjektive Natur der ästhetischen Wahrnehmung anregen.

Die Reise von Nahmad Projects zur Identifizierung aufstrebender Talente
Nahmad Projects wurde 2016 gegründet und konzentrierte sich zunächst auf zeitgenössische und konzeptuelle Kunst, wie durch seine Eröffnungsausstellung unter der Leitung von Francesco Bonami demonstriert. Die Galerie, angeführt von Joseph Nahmad aus der renommierten Nahmad-Kunstdynastie, verfügt über eine umfangreiche Sammlung im Wert von etwa 3 Milliarden US-Dollar, zu der eine bedeutende Anzahl von Picassos Werken gehört. Trotz ihres Schwerpunkts auf etablierten Meistern hat Nahmad Projects Soloausstellungen für aufstrebende Talente wie Raghav Babbar und Jan Frank präsentiert, was ihr Engagement für die Identifizierung und Förderung vielversprechender Künstler unterstreicht. Neben ihrem Hauptfokus pflegt Nahmad Projects Verbindungen zu Nahamad Contemporary, einer Galerie des Sekundärmarktes, die eine vielfältige Auswahl etablierter Künstler von Odilon Redon und Joan Miró bis hin zu Richard Prince und John Chamberlain präsentiert.


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"Entdecke die faszinierende Welt der zum Verkauf stehenden Kunstwerke der talentierten Künstlerin Ksenia Pasyura. Geboren 1986 in der Ukraine, ist die in London ansässige Künstlerin bekannt für ihre lebendigen Gemälde, die die menschliche Form erforschen. Ihre Arbeit verbindet traditionelle Porträtmalerei mit abstrakten Elementen und verwandelt Körper in surreale Kompositionen. Sie taucht ein in die Beziehung zwischen Geist und Körper und verwendet Humor und verspielte Motive, um Schönheits- und Identitätsvorstellungen herauszufordern." - James Kerbey, Experte bei Maddox Advisory

Wer ist Ksenia Pasyura und warum in sie investieren?

Geboren im Jahr 1986, ist sie eine bildende Künstlerin und Malerin mit Sitz in London. Ihre kreative Arbeit zeichnet sich durch ihre Betrachtung des menschlichen Körpers in all seinen Formen aus. Pasjuras bunte und dynamische Werke zeichnen sich durch eine surreale Mischung aus traditioneller Porträtmalerei und abstraktem Expressionismus aus und verwandeln den Körper in ein ungewohntes Fleisch.

Künstlerische Praxis
Ksenia Pasyura taucht in die komplexe Interaktion zwischen Psyche und Körper ein. Ihre gemalten menschlichen Figuren, gekennzeichnet durch unheimlich breite Lächeln, unverhältnismässig grosse Füsse und verdrehte Anatomien, fehlen auffallend an konventionellen Geschlechtern. Diese bewusste Auslassung legt nahe, dass der Körper seine Körperlichkeit überwindet und zu einer Leinwand wird, die die Prozesse der menschlichen Psyche und das komplexe Geflecht emotionaler Innenräume lebhaft manifestiert.
Durch ihren Einsatz von Humor und karnevalistischen Motiven strahlen Pasjuras Werke ein Gefühl von Komplexität und Ironie aus und fordern die Zuschauer heraus, konventionelle Vorstellungen von Schönheit und Identität zu hinterfragen. Ihre gemalten Figuren, mit gebogenen Gliedmassen und verstärkten Augen, erzeugen ein Gefühl der Unruhe und laden das Publikum ein, darüber nachzudenken, wie wir unsere Körper bewohnen. Diese Figuren werden zu mächtigen Symbolen, die die Widersprüche innerhalb der menschlichen Existenz verkörpern.

Grotesk
Die Künstlerin behandelt das kontroverse Thema des Grotesken. Die zeitgenössische Populärkultur marginalisiert oft Körper, die als unattraktiv oder entstellt gelten. Pasjuras künstlerische Kompositionen, gekennzeichnet durch ihre Grossformatigkeit und lebendige Farbpalette, trotzen jedoch der Tendenz der Gesellschaft, diese scheinbar unangenehmen Formen zu übersehen. Obwohl visuell in ihrer Anwendung, offenbaren Pasjuras Gemälde eine nuancierte Erzählung, in der ihre Protagonisten einen Untertext von Leichtigkeit und Jubel ausstrahlen, konventionelle Vorstellungen von Schönheit umkehren und zur Betrachtung der subjektiven Natur ästhetischer Wahrnehmung einladen.

Die Reise von Nahmad Projects zur Identifizierung aufstrebender Talente
Gegründet im Jahr 2016, debütierte die Galerie mit einer von Francesco Bonami kuratierten Ausstellung, die Künstler präsentierte, die von Tino Sehgals Werk inspiriert waren. Dies markierte Nahmad Projects' Fokus auf zeitgenössischer und konzeptueller Kunst.
Ihr Gründer Joseph Nahmad ist Teil der Nahmad-Kunstdynastie und ist bekannt für seine umfangreiche Kunstsammlung, die auf rund 3 Milliarden Dollar geschätzt wird und eine bedeutende Anzahl von Picassos Werken umfasst.
Obwohl Nahmad Projects Einzelausstellungen für Künstler wie Raghav Babbar und Jan Frank veranstaltet hat, was seine Fähigkeit zeigt, aufstrebende Talente zu identifizieren und zu fördern. Die Familie Nahmad ist bekannt für ihre Expertise in modernen Meistern wie Alexander Calder, Jean Dubuffet, Pierre-Auguste Renoir, Edgar Degas, Henri Rousseau, Francis Bacon, Joan Miró.
Nahmad Projects hat auch Verbindungen zu Nahmad Contemporary, einer Galerie für den Sekundärmarkt, die eine vielfältige Auswahl etablierter Künstler von Odilon Redon und Joan Miró bis hin zu Richard Prince und John Chamberlain präsentiert.


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"Banksys „Laugh Now“-Affen veranschaulichen einen Übergangsmoment in der Maltechnik des Künstlers, von freihändiger Malerei zu Schablonenarbeiten. Diese Schimpansenbilder wurden erstmals in den frühen 2000er Jahren auf den Straßen und in Personenzügen ausgeführt. Zusammen mit Ratten gehören Affen weiterhin zu den am häufigsten verwendeten Tierfiguren von Banksy. Obwohl keine Straßenwandgemälde mehr mit dieser ikonischen Schablone existieren, freuen wir uns, dieses hochbegehrte signierte Künstlerproof (AP) dieses Werks aus dem Jahr 2003 anbieten zu können, das dieses klassische Banksy-Bild verkörpert. TGB betrachtet diesen Druck als perfekte Investmentmöglichkeit in Banksy." - Bradley Ridge, Experte bei TGB Contemporary

Warum in Banksy investieren?
Banksys urbane Interventionen
Banksy, vielleicht die bekannteste Figur in der Straßenkunst, die heute arbeitet, ist bekannt für urbane Interventionen, die respektlosen Witz und eine beißende politische Schärfe zeigen. Er verstärkt sein Mysterium, indem er eine anonyme Identität beibehält. Der Künstler hat Straßenschilder modifiziert, seine eigene Währung illegal gedruckt und seine eigenen Werke illegal im Louvre und im Museum of Modern Art aufgehängt. Er verwendet oft Sprühfarbe und Schablonen in seiner Kritik am Konsumismus, der politischen Autorität, dem Terrorismus und dem Status der Kunst und ihrer Ausstellung. Seine Straßenkunst, Installationen und im Studio produzierten Werke wurden in Los Angeles, New York, London, Bethlehem und darüber hinaus gezeigt. Seine Kunst hat auf dem Sekundärmarkt weit verbreitetes Interesse gefunden und bei Auktionen achtstellige Summen erzielt.

Warum in Laugh Now investieren?
Das ikonische "Laugh Now"
Ein wiederkehrendes Schlüsselthema im Werk des Künstlers ist der niedergeschlagene, gesprayte Affe, der in "Laugh Now" (2003) dargestellt ist und zu einem Symbol für Banksy geworden ist. Ursprünglich von dem mittlerweile geschlossenen Nachtclub Ocean Rooms in der Morley Street in Brighton in Auftrag gegeben, wurde "Laugh Now" als sechs Meter langes, gespraytes Wandgemälde hinter der Bar des Veranstaltungsortes enthüllt, das die Figur des Affen zehnfach hintereinander zeigt.

Das Erbe von "Laugh Now"
Im Jahr 2003 veröffentlichte Banksy 150 signierte und 600 unsignierte Drucke von "Laugh Now", zusammen mit 69 Künstlerproben. Anschließend wurde im Jahr 2008 das Original von "Laugh Now" von den Ocean Rooms im Auktionshaus Bonhams versteigert und erzielte einen Verkaufspreis von fast einer halben Million US-Dollar. Heutzutage wird "Laugh Now" weltweit als ein ikonisches Werk von Banksy anerkannt und zählt zu den meistgesuchten Drucken des Künstlers. Dieser Druck zeigt ein beeindruckendes Gesamtwachstum von 236% über 7 Jahre oder eine durchschnittliche jährliche Wachstumsrate von 33,7%.

Symbolik in "Laugh Now"
Im charakteristischen monochromen Stil von Banksy gefangen, ist der melancholische Affe in "Laugh Now" nur mit einem Sandwichschild versehen, auf dem die Inschrift "Lache jetzt, aber eines Tages werden wir das Sagen haben" steht. Das Gewicht des Schildes, zusammen mit der schlaffen Haltung und dem niedergeschlagenen Blick des Affen, vermittelt ein Gefühl der Unterdrückung oder Unterwerfung.

Das Affenmotiv
Neben der Ratte sticht der Affe als eines der häufig verwendeten Tiermotive von Banksy heraus. Der Künstler verwendet Tiere als didaktische Symbole in seiner scharfen sozialen Kritik und setzt oft Satire ein, um menschliches Verhalten zu kritisieren. Der auf dem Sandwichschild abgedruckte Satz "Lache jetzt, aber eines Tages werden wir das Sagen haben" veranschaulicht die Fähigkeit des Künstlers, Texte einzusetzen, um seinen Zuschauern starke Botschaften zu vermitteln.

Interpretation von "Laugh Now"
"Laugh Now" kann als satirische Auseinandersetzung mit der zeitgenössischen Politik oder als Kritik an der Behandlung von Tieren durch die Menschheit, insbesondere unserer Primatenverwandten, interpretiert werden. Indem er die Bereitschaft des Affen zum Aufstand andeutet, trägt Banksys beißender Text sowohl einen spöttischen als auch bedrohlichen Ton, der als Warnung an sein Publikum vor einem bevorstehenden Umbruch dient.


Frühzeitiger Verkauf deiner Splints: Wir bieten dir die Möglichkeit, deine Splints jederzeit zum Marktwert zurückzukaufen. Jedoch ist zu beachten, dass eine zusätzliche Bearbeitungsgebühr anfällt. Die Bearbeitungsgebühr ist abhängig vom Volumen, der Anlage und deiner Haltedauer. Benutze das Kontaktformular, um den Prozess zu starten.

"Bordeaux ist vielleicht die angesehenste Weinregion weltweit und galt viele Jahre lang als einzige Region, die wirklich erstklassige Weine produziert. Trotz eines Booms auf den Weinmärkten in den letzten dreißig Jahren macht Bordeaux immer noch etwa 40% des gehandelten Weins auf dem Sekundärmarkt aus, was bedeutet, dass diese Region das Rückgrat eines jeden Anlageportfolios bilden sollte.

Oft als "überteuert" angesehen, bedeutet ein Rückgang auf den Weinmärkten im Jahr 2023, dass Bordeaux jetzt aussergewöhnlichen Wert darstellt. Diese Kollektion "Bordeaux Royalty" ermöglicht es Investoren, Zugang zu einer breit gefächerten Auswahl an ikonischen Bordeaux-Produzenten wie Châteaux Lafite, Latour, Le Pin und Petrus zu erhalten, zu einem Bruchteil der Kosten für den direkten Besitz der Weine." - Callum Woodcock, Experte bei WineFi

Warum in das Bordeaux-Royalty-Portfolio investieren?
Über Bordeaux
Bordeaux ist die angesehenste Weinregion überhaupt. Bis vor relativ kurzer Zeit war sie die einzige Region, die als wirklich "investmentwürdig" galt.
Obwohl sich der Weinmarkt in den letzten dreißig Jahren dramatisch ausgedehnt hat, machen Bordeaux-Weine immer noch etwa 40% des Handelsvolumens auf dem Sekundärmarkt aus, was bedeutet, dass sie immer den Grundstein eines jeden Weinportfolios bilden sollten.
Informell als "Claret" bekannt, sind Rotweine aus Bordeaux für ihre Qualität und Langlebigkeit bekannt - wesentliche Merkmale für jeden investitionswürdigen Wein. Darüber hinaus haben die in dieser Sammlung enthaltenen Chateaux eine zeitlose "Markenstärke".
Diese Faktoren führten dazu, dass Bordeaux den "asiatischen Weinboom" auslöste, der seit 2005 zu einem explosionsartigen Interesse am edlen Weinmarkt in China führte.
Im Jahr 2023 fielen die Liv-ex Bordeaux 500 Märkte um fast 15%. Dadurch bietet diese Region außergewöhnlichen Wert für Investoren, die in den Weinmarkt einsteigen möchten. Die Weine dieser Kollektion sind bei Sammlern hoch begehrt und bieten in einem schwachen Markt außergewöhnlichen Wert.

Château Lafite-Rothschild
Château Lafite-Rothschild ist vielleicht der angesehenste Weinproduzent überhaupt, ein Titel, der nur von den bekanntesten Namen in Champagne und Burgund erreicht wird.
Als eines von nur fünf "Ersten Wachstümern" nach der Bordeaux-Klassifikation von 1855, neben Chateaux Latour, Haut-Brion, Margaux und, neuerdings, Mouton, war Lafite-Rothschild lange Zeit Synonym für Luxus und der Favorit des französischen Königshofs.
Die in dieser Sammlung enthaltenen Jahrgänge 2015 und 2016 gelten als "ausgezeichnet" und grenzen an "legendär", und diese Weine haben Jahrzehnte lang steigende Preise vor sich.

Château Petrus
Château Petrus ist ein kleines Weingut in der legendären AOC Pomerol, das nur 11,4 Hektar umfasst. Das Ansehen dieses Weinguts resultiert nicht nur aus der Qualität des produzierten Weins, sondern auch daraus, dass es keinen "zweiten" Wein produziert.
Dieses Ansehen ist so groß, dass Château Petrus den zweifelhaften Titel trägt, der am häufigsten gefälschte Wein der Welt zu sein. Während die Vermögenswerte in dieser Kollektion eine einwandfreie Herkunft haben, spricht die Tatsache, dass er so oft gefälscht wird, Bände über seinen Status und sein Ansehen.
Wir freuen uns, eine Großflasche des Jahrgangs 2007 anbieten zu können, die aufgrund ihrer "massentauglichen" Eigenschaften oft einen Aufschlag beim Verkauf erzielt. Diese Kollektion enthält auch zwei Flaschen des ausgezeichneten Jahrgangs 2018, der von Wine Advocate seltene 100/100 Punkte erhielt.

Château Angelus
Château Angelus war eines der ersten Weingüter, die von dem steigenden Interesse an Bordeaux in China und anderen Teilen Asiens profitierten. Ein Teil ihres Erfolgs in China war ihrem Logo zu verdanken, das eine goldene Glocke zeigt - in China als "Kin Chung" bezeichnet.
Der Jahrgang 2015 war hervorragend, und wir freuen uns, diesen Wein im Magnum-Format anbieten zu können. Der Jahrgang 2021, ebenfalls in dieser Kollektion enthalten, erzielte starke Kritikerbewertungen und hat viel Alterungspotenzial.

Château Canon
Château Canon stammt aus der Saint-Emilion Grand Cru-Appellation, die Weine unter etwas strengeren Einschränkungen als andere Appellationen produziert, um die Qualität sicherzustellen.
Der Jahrgang 2020 gilt als ausgezeichnet, grenzt an legendär, und dieser Wein erhielt seltene 100/100 Kritikerbewertungen von Wine Advocate.
Dieser Wein ist auch zu einem niedrigen Preis erhältlich, sodass er häufiger konsumiert wird als einige andere Weine in diesem Portfolio. Dies führt zu einem beschleunigten Rückgang des Angebots und einem entsprechenden Anstieg des Preises.
Ein junger Bordeaux-Wein, dieser hat viel Alterungspotenzial vor sich.

Château Cheval Blanc
Das "Château des Weißen Pferdes" in St-Emilion ist eines der berühmtesten Weingüter von Bordeaux und hat seine erste Medaille auf der Weltausstellung 1862 in London erhalten.
Seitdem hat es einen Ruf und einen Preis erreicht, der mit den "Ersten Wachstums"-Weingütern vergleichbar ist.
Der Jahrgang 2015 war hervorragend, und dieser Wein erzielte seltene 100/100 Kritikerbewertungen im Wine Advocate.

Château Figeac
Château Figeac ist ein hoch angesehenes Weingut in Saint-Emilion, am sogenannten rechten Ufer der Dordogne gelegen.
Der Jahrgang 2016 in Saint-Emilion war ausgezeichnet, und dieser Wein erhielt Kritikerbewertungen von 97+ Punkten von Wine Advocate.

Château Latour
Zusammen mit den Châteaux Lafite, Mouton, Haut-Brion und Margaux ist Château Latour ein ikonischer Produzent von "Ersten Wachstums"-Weinen und einer der bekanntesten Weingüter überhaupt.
Das Anwesen im Südosten von Pauillac hat sich kürzlich unter Weininvestoren einen zweifelhaften Ruf erworben, weil es seine eigenen Weine ein Jahrzehnt lang vor der Freigabe einlagert.
Der Jahrgang 2005, den wir gerne in dieser Kollektion anbieten, gilt als "legendär". Oft als "Jahrhundertjahrgang" bekannt, war 2005 der Original-Bordeaux-Jahrgang, der die chinesische Leidenschaft für edlen Wein entfachte. Obwohl er noch viel Potenzial zum Altern hat, hat er sein Trinkfenster erreicht, was bedeutet, dass wir einen Beschleunigung beim Rückgang des Angebots erwarten können. Er erzielte ausgezeichnete Kritikerbewertungen von 98+ Punkten im Wine Advocate.

Château Leoville Las Cases
Château Leoville-Las Cases in der Appellation Saint-Julien von Bordeaux ist als "Zweitwachstum" in der Klassifizierung von 1855 eingestuft - ein Rang von hoher Prestige.
Wie Château Canon ist auch dieser Wein zu einem attraktiven Preis erhältlich, sodass er häufiger konsumiert wird als einige der "sammelwürdigen" Weine in diesem Portfolio. Das bedeutet einen beschleunigten Rückgang des Angebots und einen entsprechenden Preisanstieg.
Der Jahrgang 2020 war ausgezeichnet, und dieser Wein hat Kritikerbewertungen von 97+ Punkten von Wine Advocate erhalten.

Château Pichon Baron
Château Pichon-Longueville Baron, im Volksmund einfach "Pichon Baron" genannt, ist ein renommiertes Weingut in Pauillac, Bordeaux.
Es hat eine faszinierende Geschichte, die zusammen mit seinem Schwesterweingut, Château Pichon-Longueville Comtesse de Lalande ("Pichon Lalande"), 1850 entstand, nachdem Baron Joseph de Pichon Longueville einen Teil seines Besitzes seiner Tochter und einen Teil seinem Sohn gegeben hatte. Neben 2005 wird der Jahrgang 2009 als "legendär" angesehen, da er hervorragende Weine hervorgebracht hat. Dieser Wein erhielt Kritikerbewertungen von 96+ Punkten von Wine Advocate.

Château Ducru-Beaucaillou
Ducro-Beaucaillou, in Saint-Julien am sogenannten "linken Ufer" der Gironde-Estruary gelegen, ist ein hoch bewertetes "Zweitwachstum" nach der Klassifizierung von 1855.
Der Jahrgang 2005 gilt als "legendär". Bekannt als der "Jahrhundertjahrgang", war 2005 der Original-Bordeaux-Jahrgang, der die chinesische Leidenschaft für edlen Wein entfachte.
Dieser Wein erzielte 97/100 Punkte vom Wine Advocate.

Chateau Le Pin
Le Pin ist ein winziges Anwesen (2,7 Hektar) im Bezirk Pomerol von Bordeaux. Es ist nach Bordeauxer Maßstäben relativ jung und wurde erst 1979 gegründet. Seitdem ist es aufgrund seiner Qualität, aber besonders seines sehr knappen Angebots zu einem ikonischen Wein geworden.
Der Jahrgang 2018 war ausgezeichnet, und dieser Wein zeigt außergewöhnliches Alterungspotenzial. Er erzielte auch Kritikerbewertungen von 99/100 Punkten von Wine Advocate.

Chateau La Mission Haut-Brion
Nicht zu verwechseln mit seinem Schwesterweingut, Château Haut-Brion, ist Château La Mission Haut-Brion ein hoch angesehener Produzent für sich.
Dieser Wein stammt aus einem ausgezeichneten Jahrgang und erzielte hohe Kritikerbewertungen von 94+ Punkten vom Wine Advocate.

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"Als einer der relevantesten und zukunftsweisendsten Künstler seiner Generation gilt KAWS, der für seine multidisziplinäre Praxis gelobt wird, die auf vorhandene Bildsprache zurückgreift, um auf humorvolle Weise die Konsumkultur zu kommentieren. Mit seiner Vorliebe für Zusammenarbeiten mit Branchengrößen verwischt KAWS die Grenzen zwischen feiner und kommerzieller Kunst, indem er sich mit einem Publikum auseinandersetzt, das über die renommierten globalen Museen und Galerien hinausgeht, in denen er häufig ausstellt." - James Kerbey, Experte bei Maddox Advisory

Warum in KAWS-Kunst investieren?
Frühe Einflüsse und Karriereanfänge
Geboren als Brian Donnelly in Jersey City, NJ, entwickelte KAWS bereits in seiner Kindheit ein Interesse an Graffiti, inspiriert von Nachbarskindern und traditionellen Lebensmalern. Als Graffiti-Künstler in New York City in den frühen 1990er Jahren begonnen, verfolgte er später eine freiberufliche Karriere bei Disney und erlangte Anerkennung für seine Beiträge zu animierten Produktionen.

Diversifizierung in limitierte Spielzeuge
Ende der 1990er Jahre wagte KAWS sich in die Gestaltung und Produktion von limitierten Spielzeugen, die internationalen Ruhm erlangten, insbesondere in Japan. Zusammenarbeiten mit renommierten Marken und Neugestaltungen ikonischer Figuren erweiterten seinen Einfluss und seine Popularität sowohl in der Kunst- als auch in der Popkultur.

Marktleistung und Promi-Unterstützung
In den letzten Jahren haben KAWS-Kunstwerke konsistent die Schätzungen übertroffen (26% in den letzten 3 Jahren) und eine hohe Verkaufsrate (80%) erzielt. Die Unterstützung von Prominenten wie Justin Bieber und Pharrell Williams sowie eine massive Instagram-Followerschaft unterstreichen seine weitreichende Anziehungskraft und kulturelle Bedeutung.

Kreative Zusammenarbeit und Partnerschaften
KAWS hat Partnerschaften mit verschiedenen Marken geschlossen, die durch innovative Zusammenarbeiten die Interaktionen mit der Kunstwelt neu gestalten. Sein umfangreiches Portfolio umfasst Zusammenarbeiten mit MTV, Dior, Nike und sogar dem Macy's Thanksgiving Parade, die seinen Einfluss über traditionelle Kunstbereiche hinaus erweitern.

Ikone künstlerischer Figuren und öffentliche Anerkennung
Companion, eine der bekanntesten Figuren von KAWS, ist zu einem Synonym für seine Arbeit geworden und wurde in verschiedenen Medien und Ausstellungen weltweit gezeigt. Durch groß angelegte öffentliche Skulpturen und umfangreiche kuratorische Entwicklungen überbrückt KAWS die Kluft zwischen hoher Kunst und Massenkultur und erlangt Anerkennung in öffentlichen Sammlungen und der zeitgenössischen Gesellschaft.

Warum in den Companion Chair investieren?
Kollaborative Innovation
Der Companion Chair bietet eine einzigartige Investitionsmöglichkeit aufgrund seiner Zusammenarbeit zwischen KAWS und den renommierten brasilianischen Designern Humberto und Fernando Campana. Bekannt für ihre unkonventionellen Designmethoden, haben die Brüder Campana weltweite Anerkennung erlangt, und ihre Werke sind in renommierten öffentlichen Sammlungen weltweit zu finden.

Exklusive Auflage
Auf nur 25 Exemplare begrenzt, verkörpert dieser Stuhl Exklusivität und ist daher äußerst begehrt bei Sammlern. Seine Seltenheit erhöht seinen Investitionswert und bietet eine einzigartige Gelegenheit, ein Kunstwerk mit begrenzter Verfügbarkeit zu erwerben.

Ikonische Designelemente
Der Stuhl zeigt die ikonischen Plüschfiguren von KAWS, sorgfältig gefertigt mit den markanten durchgestrichenen Augen des Künstlers und der Signaturnaht. Dieses unverwechselbare Design verbindet das Stück sofort mit KAWS' künstlerischem Stil und trägt zu seiner Anziehungskraft und seinem Investitionspotenzial bei.

Zukunftsweisende Zusammenarbeit
Die Zusammenarbeit zwischen KAWS und Estudio Campana zeigt zukunftsweisende Kreativität, die traditionelle Handwerkskunst mit zeitgenössischen Designansätzen verbindet. Dieser innovative Ansatz spiegelt die progressive Natur der Praktiken beider Partner wider und spricht Sammler an, die nach wegweisenden und kulturell bedeutsamen Kunstwerken suchen.

Provenienz und Anerkennung
Mit Werken der Brüder Campana in renommierten Institutionen wie dem Museum of Modern Art in New York und dem Centre Georges Pompidou in Paris profitiert der Companion Chair von einer starken Provenienz. Seine Verbindung mit angesehenen Designern trägt zu seinem Investitionswert und seiner Anerkennung innerhalb der globalen Kunst- und Designgemeinschaft bei.


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"Britt wird seit ihrer ersten Ausstellung in Paris im Jahr 1962 weltweit ausgestellt und befindet sich in vielen öffentlichen und privaten Sammlungen. Im Jahr 1996 erhielt sie den prestigeträchtigen St. Olav's Order, Norwegens höchste künstlerische Auszeichnung, von König Harald für ihre kulturellen und kreativen Beiträge. Im Jahr 2023 nahm sie einen Lebenswerkpreis vom ägyptischen Nationalrat für Frauen entgegen, eine bedeutende Anerkennung in ihrer Adoptivheimat." - Asher Edelman, Experte bei M&A Arts

Wer ist Britt Boutros-Ghal?
Britt Boutros-Ghal ist eine erstklassige Künstlerin, die in der Tradition der abstrakten Expressionisten-Giganten wie Helen Frankenthaler, Joan Mitchell und Franz Kline steht.
Britt wurde 1937 in Svolvaer im nördlichen Teil Norwegens geboren, wo die Lichtsättigung im Sommer dem Mangel im Winter gegenüberstand. Sie ertrug das raue Wetter und den bedrohlichen Druck des Zweiten Weltkriegs. Dieser emotionale Hintergrund bot eine fruchtbare Landschaft für ihre ausbrechenden, farbenfrohen und emotionalen Arbeiten.

Britt hat die letzten fünf Jahrzehnte in Ägypten verbracht, wo sie ein integraler Bestandteil der künstlerischen Gemeinschaft des Landes ist. Ihre Kunst, gekennzeichnet durch lebhafte Farben und grossformatige energetische Gemälde, schöpft Inspiration aus der reichen und exotischen Kultur Ägyptens. Durch die Anwendung von "Action Painting" verkörpert ihre Arbeit ein Gefühl von Spontaneität und Kreativität.

Die Körperlichkeit von Britts Arbeit zeigt sich in ihrem erfahrenen und kompetenten Umgang mit Materialien – das Thema und das Ergebnis werden durch eine methodische Struktur bestimmt, sind jedoch im Ergebnis spontan, was es den Materialien und ihrer Verwendung ermöglicht, sich zu entfalten und ihre Geheimnisse zu erzählen.

Heute teilt Britt ihre Zeit zwischen Kairo und Agami auf und unterhält Studios an beiden Orten. Ihr Wohnsitz und Studio in Agami, westlich von Alexandria an der nordägyptischen Küste, spiegeln ihre tiefe Zuneigung zur Region wider. Das Künstlerkomplex ist ein lebendiges Kunstwerk, durchdrungen von aufwendig gefertigten Mosaiken und Wandmalereien. Lokale Künstler, Sammler und Personen mit einer Vorliebe für das Einzigartige versammeln sich häufig in ihrem Zuhause, während Kunstliebhaber aus der ganzen Welt die Reise antreten, um sie zu treffen und ihre Arbeit zu erwerben.

Ausstellungen und Anerkennungen
Britt wurde seit ihrer ersten Ausstellung in Paris im Jahr 1962 weltweit ausgestellt und befindet sich in vielen öffentlichen und privaten Sammlungen. 1996 erhielt sie den renommierten St. Olav's Order, die höchste künstlerische Auszeichnung Norwegens, von König Haakon für ihre kulturellen und künstlerischen Beiträge. Im Jahr 2023 erhielt sie von der ägyptischen Regierung den Lifetime Achievement Award für Frauen in den Künsten, eine bedeutende Anerkennung in ihrer angenommenen Heimat, die zu einem kürzlichen Anstieg der Preise für ihre Arbeit beitrug. Britts Arbeit wurde in zahlreichen Sammlungen ausgestellt.

Öffentliche Sammlungen:
Coca Cola Collection
Mercedes Benz Collection
Museum für moderne und zeitgenössische arabische Kunst, Doha, Katar
Museum für moderne Kunst, Kairo, Ägypten
Königin Noor, Museum für moderne Kunst, Amman, Jordanien
Norsk Hydro Collection
Kirche von Norwegen, Alta, Norwegen
Katholische Kirche Bayerns, Deutschland
Kunst- und Industriemuseum, Trondheim, Norwegen
Saltstrømmen Kunstzentrum, Norwegen - Dauerhafte Installation
Hardanger und Voss Museum, Utne, Norwegen
Galleri Nord Norge, Harstad, Norwegen - Dauerhafte Installation
Slowakisches Nationalmuseum, Bratislava, Slowakei
Musée d'Art Contemporain, Marrakesch, Marokko
Galeri Kvale Hammerfest, Norwegen - Dauerhafte Installation
Kranes Galeri, Tromsø, Norwegen - Dauerhafte Installation
Galeri Vesterålen, Sortland, Norwegen - Dauerhafte Installation

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Wer ist Britt Boutros-Ghal?
Britt Boutros-Ghal ist eine erstklassige Künstlerin, die in der Tradition der abstrakten Expressionisten-Giganten wie Helen Frankenthaler, Joan Mitchell und Franz Kline steht.
Britt wurde 1937 in Svolvaer im nördlichen Teil Norwegens geboren, wo die Lichtsättigung im Sommer dem Mangel im Winter gegenüberstand. Sie ertrug das raue Wetter und den bedrohlichen Druck des Zweiten Weltkriegs. Dieser emotionale Hintergrund bot eine fruchtbare Landschaft für ihre ausbrechenden, farbenfrohen und emotionalen Arbeiten.

Britt hat die letzten fünf Jahrzehnte in Ägypten verbracht, wo sie ein integraler Bestandteil der künstlerischen Gemeinschaft des Landes ist. Ihre Kunst, gekennzeichnet durch lebhafte Farben und grossformatige energetische Gemälde, schöpft Inspiration aus der reichen und exotischen Kultur Ägyptens. Durch die Anwendung von "Action Painting" verkörpert ihre Arbeit ein Gefühl von Spontaneität und Kreativität.

Die Körperlichkeit von Britts Arbeit zeigt sich in ihrem erfahrenen und kompetenten Umgang mit Materialien – das Thema und das Ergebnis werden durch eine methodische Struktur bestimmt, sind jedoch im Ergebnis spontan, was es den Materialien und ihrer Verwendung ermöglicht, sich zu entfalten und ihre Geheimnisse zu erzählen.

Heute teilt Britt ihre Zeit zwischen Kairo und Agami auf und unterhält Studios an beiden Orten. Ihr Wohnsitz und Studio in Agami, westlich von Alexandria an der nordägyptischen Küste, spiegeln ihre tiefe Zuneigung zur Region wider. Das Künstlerkomplex ist ein lebendiges Kunstwerk, durchdrungen von aufwendig gefertigten Mosaiken und Wandmalereien. Lokale Künstler, Sammler und Personen mit einer Vorliebe für das Einzigartige versammeln sich häufig in ihrem Zuhause, während Kunstliebhaber aus der ganzen Welt die Reise antreten, um sie zu treffen und ihre Arbeit zu erwerben.

Ausstellungen und Anerkennungen
Britt wurde seit ihrer ersten Ausstellung in Paris im Jahr 1962 weltweit ausgestellt und befindet sich in vielen öffentlichen und privaten Sammlungen. 1996 erhielt sie den renommierten St. Olav's Order, die höchste künstlerische Auszeichnung Norwegens, von König Haakon für ihre kulturellen und künstlerischen Beiträge. Im Jahr 2023 erhielt sie von der ägyptischen Regierung den Lifetime Achievement Award für Frauen in den Künsten, eine bedeutende Anerkennung in ihrer angenommenen Heimat, die zu einem kürzlichen Anstieg der Preise für ihre Arbeit beitrug. Britts Arbeit wurde in zahlreichen Sammlungen ausgestellt.

Öffentliche Sammlungen:
Coca Cola Collection
Mercedes Benz Collection
Museum für moderne und zeitgenössische arabische Kunst, Doha, Katar
Museum für moderne Kunst, Kairo, Ägypten
Königin Noor, Museum für moderne Kunst, Amman, Jordanien
Norsk Hydro Collection
Kirche von Norwegen, Alta, Norwegen
Katholische Kirche Bayerns, Deutschland
Kunst- und Industriemuseum, Trondheim, Norwegen
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Slowakisches Nationalmuseum, Bratislava, Slowakei
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"Albert Willem ist ein belgischer Künstler, der im Alter von 36 Jahren mit dem Malen begann und sich schnell auf Instagram etablierte. Seine Arbeiten starteten im Mai 2022 auf dem Auktionsmarkt durch und erreichte bis zum Ende des Frühlings rapide einen Höchststand von 213.955 US-Dollar. Im Januar 2023 trieb ein Bieter den Rekord des Künstlers bei Sotheby's auf 295.219 US-Dollar." - James Kerbey, Experte bei Maddox Advisory

Warum in Albert Willem investieren?
Geboren in Belgien im Jahr 1979, ist ein zeitgenössischer Künstler, der für seine verspielten und cleveren Gemälde bekannt ist, die sich durch einen simplen Stil auszeichnen. Trotz fehlender formaler Kunstausbildung tauchte er tief in die Kunstwelt ein, indem er Galerien, Museen besuchte und sich mit Kunst auf Social-Media-Plattformen beschäftigte. Obwohl er bereits in seiner Kindheit ein frühes Zeichentalent zeigte, unterbrach er seine künstlerischen Aktivitäten zwischen dem 12. und 36. Lebensjahr aufgrund schulischer Verpflichtungen und familiärer Verpflichtungen. Vor etwa vier Jahren entfachte Willem jedoch seine Leidenschaft für die Kunst erneut und begann Gemälde zu erstellen, um seinen eigenen Wohnraum zu verschönern. Die Erfüllung im kreativen Prozess findend, hat er seitdem all seine freie Zeit dem Malen gewidmet und beschreibt seine Rückkehr zur Kunst als "Midlife-Crisis".

Künstlerischer Ansatz
Im Laufe der Zeit hat Willem mit verschiedenen Medien und Techniken experimentiert, darunter Nagellack, Sprühfarbe und Textilkunst. Derzeit verwendet er hauptsächlich Acrylfarbe mit einem Hochglanzlack, um lebendige Farben zu erzielen. Während die meisten seiner Werke auf Leinwand sind, verwendet er auch Karton aus Online-Einkäufen als unkonventionelle Leinwände. Sein künstlerischer Prozess ist schnell und er vollendet oft Gemälde innerhalb von 48 Stunden.

Gemälde-Themen
Willem's Gemälde zeichnen sich durch ihre Einfachheit und gelegentliche Mangel an Verfeinerung aus, und zeigen seine grundlegenden technischen Fähigkeiten, während sie die ungefilterte Energie eines Künstlers einfangen, der frei von traditionellen Einschränkungen ist. Seine Werke, die den Alltag auf eine humorvolle und ironische Weise darstellen, zeigen häufig humorvolle Szenen, wie Menschen, die auf Hochzeiten streiten oder endlose Conga-Linien bilden. Willem's Stil wird von Künstlern wie LS Lowry, James Ensor und Breugel the Elder beeinflusst und vereint Normalität und Primitivismus mit einem modernen Touch. Seine Kunstwerke wurden international ausgestellt, darunter in Deutschland, Russland und seinem Heimatland Belgien.

Steigende Anerkennung
Willem schreibt einen Grossteil seiner künstlerischen Entwicklung den sozialen Medien zu, wo er täglich Stunden damit verbringt, seine Kollegen zu beobachten und von ihnen zu lernen. Er glaubt, dass die Exposition gegenüber vielfältiger Kunst seinen eigenen Stil ständig formt und weiterentwickelt. Trotz bescheidener Anfänge ist Willem's Aufstieg zu Ruhm aussergewöhnlich, und seine Kunstwerke erzielen auf Auktionen regelmässig Preise, die weit über den anfänglichen Schätzungen liegen. Sein Rekordverkauf bei Sotheby's Hongkong zeigt die hohe Nachfrage nach seiner Kunst, wobei ein Werk für 225.000 Dollar verkauft wurde, weit über dem prognostizierten Wert. Von den 14 bei Auktionen im Jahr 2022 verkauften Werken erzielte die Hälfte jeweils über 150.000 Dollar, was die konservativen Schätzungen übertraf.


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"Albert Willem ist ein belgischer Künstler, der im Alter von 36 Jahren mit dem Malen begann und sich schnell auf Instagram etablierte. Seine Arbeiten starteten im Mai 2022 auf dem Auktionsmarkt durch und erreichte bis zum Ende des Frühlings rapide einen Höchststand von 213.955 US-Dollar. Im Januar 2023 trieb ein Bieter den Rekord des Künstlers bei Sotheby's auf 295.219 US-Dollar." - James Kerbey, Experte bei Maddox Advisory

Warum in Albert Willem investieren?
Geboren in Belgien im Jahr 1979, ist ein zeitgenössischer Künstler, der für seine verspielten und cleveren Gemälde bekannt ist, die sich durch einen simplen Stil auszeichnen. Trotz fehlender formaler Kunstausbildung tauchte er tief in die Kunstwelt ein, indem er Galerien, Museen besuchte und sich mit Kunst auf Social-Media-Plattformen beschäftigte. Obwohl er bereits in seiner Kindheit ein frühes Zeichentalent zeigte, unterbrach er seine künstlerischen Aktivitäten zwischen dem 12. und 36. Lebensjahr aufgrund schulischer Verpflichtungen und familiärer Verpflichtungen. Vor etwa vier Jahren entfachte Willem jedoch seine Leidenschaft für die Kunst erneut und begann Gemälde zu erstellen, um seinen eigenen Wohnraum zu verschönern. Die Erfüllung im kreativen Prozess findend, hat er seitdem all seine freie Zeit dem Malen gewidmet und beschreibt seine Rückkehr zur Kunst als "Midlife-Crisis".

Künstlerischer Ansatz
Im Laufe der Zeit hat Willem mit verschiedenen Medien und Techniken experimentiert, darunter Nagellack, Sprühfarbe und Textilkunst. Derzeit verwendet er hauptsächlich Acrylfarbe mit einem Hochglanzlack, um lebendige Farben zu erzielen. Während die meisten seiner Werke auf Leinwand sind, verwendet er auch Karton aus Online-Einkäufen als unkonventionelle Leinwände. Sein künstlerischer Prozess ist schnell und er vollendet oft Gemälde innerhalb von 48 Stunden.

Gemälde-Themen
Willem's Gemälde zeichnen sich durch ihre Einfachheit und gelegentliche Mangel an Verfeinerung aus, und zeigen seine grundlegenden technischen Fähigkeiten, während sie die ungefilterte Energie eines Künstlers einfangen, der frei von traditionellen Einschränkungen ist. Seine Werke, die den Alltag auf eine humorvolle und ironische Weise darstellen, zeigen häufig humorvolle Szenen, wie Menschen, die auf Hochzeiten streiten oder endlose Conga-Linien bilden. Willem's Stil wird von Künstlern wie LS Lowry, James Ensor und Breugel the Elder beeinflusst und vereint Normalität und Primitivismus mit einem modernen Touch. Seine Kunstwerke wurden international ausgestellt, darunter in Deutschland, Russland und seinem Heimatland Belgien.

Steigende Anerkennung
Willem schreibt einen Grossteil seiner künstlerischen Entwicklung den sozialen Medien zu, wo er täglich Stunden damit verbringt, seine Kollegen zu beobachten und von ihnen zu lernen. Er glaubt, dass die Exposition gegenüber vielfältiger Kunst seinen eigenen Stil ständig formt und weiterentwickelt. Trotz bescheidener Anfänge ist Willem's Aufstieg zu Ruhm aussergewöhnlich, und seine Kunstwerke erzielen auf Auktionen regelmässig Preise, die weit über den anfänglichen Schätzungen liegen. Sein Rekordverkauf bei Sotheby's Hongkong zeigt die hohe Nachfrage nach seiner Kunst, wobei ein Werk für 225.000 Dollar verkauft wurde, weit über dem prognostizierten Wert. Von den 14 bei Auktionen im Jahr 2022 verkauften Werken erzielte die Hälfte jeweils über 150.000 Dollar, was die konservativen Schätzungen übertraf.


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Warum in Michael Jordan Memorabilia investieren?

Geboren am 17. Februar 1963 in Brooklyn, New York, ist ein amerikanischer Basketballspieler, der weithin als einer der grössten aller Zeiten angesehen wird, weshalb seine Figur in Memorabilia so begehrt ist. Er wuchs in Wilmington, North Carolina, auf und zeichnete sich an der University of North Carolina in Chapel Hill aus. 1982 erzielte er den spielentscheidenden Treffer im NCAA-Nationalmeisterschaftsspiel. 1984 wurde er im NBA-Draft von den Chicago Bulls ausgewählt. Jordan führte die Bulls in den 1990er Jahren zu sechs NBA-Meisterschaften. Seine Zusammenarbeit mit Nike führte zu den ikonischen Air Jordan Sneakers.

New Beginnings Pack Schuhe
Das Michael Jordan "New Beginnings Pack" bezieht sich auf eine spezielle Veröffentlichung von Nike, die Michael Jordans frühe Karriere und seine Einführung in die NBA würdigt und im Jahr 2020 veröffentlicht wurde. Es umfasst zwei ikonische Sneaker: den Air Jordan 1 Retro High 1985 und den Air Ship PE. Der Air Jordan 1 Retro High 1985 ist eine Neuauflage des originalen Air Jordan 1-Modells, das Michael Jordan während seiner Rookie-Saison 1984-1985 trug. Dieser Sneaker wird von Sneaker-Enthusiasten und Basketballfans gleichermaßen hoch geschätzt aufgrund seiner historischen Bedeutung und seines zeitlosen Designs.
Der Air Ship PE ist ein weiterer klassischer Sneaker, den Michael Jordan während seiner frühen NBA-Spiele trug. Obwohl weniger bekannt als der Air Jordan 1, spielte der Air Ship eine wichtige Rolle in Jordans Karriere und gilt als äußerst begehrtes Sammlerstück unter Sneaker-Sammlern.
Beide Sneaker im New Beginnings Pack werden in ihren originalen Farbgebungen präsentiert und sind persönlich von Michael Jordan signiert, was ihren Wert und ihre Begehrlichkeit unter Sammlern erhöht. Die Veröffentlichung dieses Packs bietet Fans die Möglichkeit, ein Stück Basketballgeschichte zu besitzen und Michael Jordans legendäre Karriere zu feiern.

Schaffung eines Icons
Peter Moore, der erste Creative Director für Nike, der den Jordan entworfen hat. Wie die Legende besagt, schlug David Falk (Jordans Agent) bei einem Treffen in Washington mit Nike-Executives den Namen Air Jordan vor, wegen Michaels Fähigkeit, elegant durch die Luft zu gleiten, während er seine berühmten Dunk-Shots machte.
Der Rest ist Geschichte. Abgesehen von der innovativen Konstruktion - den festen Riemen am Vorfuss und Knöchel für mehr Stabilität, einer Fersenmulde für zusätzliche Unterstützung, gepolsterten Knöchelkragen für eine bequemere Passform, Luftkissen und dem geflügelten Logo auf der Oberseite der High-Tops - war die bemerkenswerteste Innovation des Jordan 1-Designs (und die störendste) die Farbe. 1984 waren die meisten NBA-regulierten Basketballsneakers einfach nur schwarz oder ganz weiss. Gelegentlich waren die Turnschuhe weiss mit der Akzentfarbe des Teams. Moore trieb diese Idee voran, indem er Jordan 1 in Rot, Schwarz und Weiß kreierte - den Farben der Chicago Bulls. Aufgrund dieses Farbschemas wurde der Jordan 1 Spitzname "BRED". Kühn und prahlerisch erhielt der Jordan 1, wie der Spieler, der sie trug, viel Aufmerksamkeit.

Verboten
Jedes Mal, wenn Jordan seine Jordan 1 schnürte, wurde er tatsächlich mit 5.000,00 $ pro Spiel bestraft. Die Schuhe wurden anschliessend als "VERBOTEN" bekannt - und Nike beschloss klugerweise, aus Zitronen Limonade zu machen.
Die NBA schickte im Februar 1985 einen Brief an Nike, in dem das Unternehmen informiert wurde, dass Jordans bunte Schuhe gegen die Einheitlichkeit der Ligakleidungsklausel verstossen und Jordan das Tragen untersagt wurde. Nike reagierte darauf mit einer Werbekampagne um Jordans verbotene Schuhe herum und bemerkte, dass "die NBA sie aus dem Spiel geworfen hat, glücklicherweise kann die NBA dich nicht daran hindern, sie zu tragen." Die Air Jordan 1s wurden im Gefolge der berühmten verbotenen Nike-Werbekampagne erstellt und etablierten MJ als den Führer der Liga in Sachen Schuhstil.

Gehen in die Geschichte ein
Am Ende der Saison wurde Jordan zum NBA-Rookie des Jahres ernannt - und die Verkaufszahlen der Jordan 1 erreichten insgesamt 126 Millionen US-Dollar.
Der Sneaker wurde so beliebt und erfolgreich, dass Nike weiterhin neue Signature Air Jordans für jede Saison herstellte. Von Anfang an waren Air Jordans stets die Spitze der Sneaker, unübertroffen in ihrer Qualität, Handwerkskunst, Innovation, Leistung und Stil.
Es war ein Mode- und Marketing-Alley-Oop - der Höhepunkt für ein Athleten-Markenprodukt und eine Leistung, die von niemand anderem übertroffen wurde. Das Ergebnis ist, dass die Jordan 1s heute einige der begehrtesten Schuhe sind. 2020 verkaufte das Auktionshaus Sotheby's ein Paar Jordan 1s für 560.000 $.


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"Nach der bemerkenswerten Leistung des ersten Picasso-Angebots freuen wir uns, ein weiteres Meisterwerk des seit Jahrzehnten bestplatzierten Künstlers anzubieten, gekennzeichnet durch kontinuierliches Preiswachstum und Widerstandsfähigkeit auch in widrigen Marktbedingungen." - Javier Lumbreras, CEO bei Artemundi

Hier der Link zum Exit, welchen wir mit Artemundi erzielt haben: Chagall +15,4% Netto-Wertsteigerung in 1,5 Monaten

Wer ist Pablo Picasso?
Ohne Zweifel der einflussreichste Künstler des 20. Jahrhunderts, spiegelt sich die Bedeutung von Pablo Picasso für das kulturelle Erbe der Welt in den ständig steigenden Preisen und der Wertschätzung seiner künstlerischen Schöpfung wider. Er ist derzeit der meistverkaufte Künstler nach Volumen und Wert und hat seine dominierende Stellung auf dem globalen Kunstmarkt seit Jahrzehnten verteidigt. Sein Name taucht konsequent unter den Top 10 der meistverkauften Lose der wichtigsten Auktionsmarathons jedes Jahr auf. Seine Werke erscheinen in allen grossen Museen und Institutionen und stellen oft den Höhepunkt ihrer Sammlung dar. Im Jahr 2023 feierte die Kunstwelt den 50. Todestag von Picasso mit zahlreichen Ausstellungen, die dem Künstler und seinem fortwährenden Einfluss auf die folgenden Generationen von Künstlern gewidmet waren. Dies hatte auch positive Auswirkungen auf den Markt, und der Gesamtumsatz des Picasso-Marktes im letzten Jahr überstieg 502 Millionen US-Dollar, einschliesslich des Verkaufs von Picassos "Femme à la Montre“, der für 139.363.500 US-Dollar verkauft wurde, was es zum zweitbesten Picasso-Verkauf bei einer Auktion überhaupt und zum meistverkauften Kunstwerk des Jahres machte. Während Picasso eine grosse Anzahl von Kunstwerken schuf, darunter Gemälde, Zeichnungen, Skulpturen und Keramiken, bestimmen seine Gemälde und Zeichnungen seine Bedeutung als Künstler, die es wert sind, erworben zu werden. Es ist jedoch interessant festzustellen, dass die Anzahl der seit 2000 bei Auktionen angebotenen Werke auf Papier und Gemälde weniger als 10% aller angebotenen Lose ausmacht. Dennoch trugen allein Werke auf Papier seit 2000 11% des Umsatzes bei, was ihre wirtschaftliche Bedeutung für die Performance des Picasso-Marktes unterstreicht. Da das Angebot wichtiger Leinwände langsam versiegt, erwarten wir einen signifikanten Anstieg bei schönen, gut und vollständig ausgeführten Zeichnungen wie „The Painter II“ und „The Painter III“. Im Jahr 2023 generierten Picassos Werke auf Papier über 32,5 Millionen US-Dollar, mehr als viele andere Künstlermärkte aller Kategorien zusammen.

Warum The Painter III?
The Painter III ist eine Zeichnung aus Picassos späteren Jahren. Sie zeigt eine präzise, aber freie Komposition, die mit farbigen Kreiden gezeichnet und mit roten, gelben und blauen Details gefüllt ist. Ein Selbstporträt, der Künstler verjüngte sich in diesem Werk und präsentiert sich mit einem klaren und fokussierten Geist, der seiner Kunst gewidmet ist, der unbestreitbaren treibenden Kraft seines Lebens und seiner Karriere. Es ist ein Motiv, zu dem er in den letzten Jahren seines Lebens mehrmals griff. Dennoch ist es eine spontane Schöpfung, die Picassos Interesse auf eine Weise entfachte, dass er sie immer wieder neu erfand. Die Komposition ist in den drei Primärfarben Rot, Blau und Gelb gezeichnet, mit wenigen Details in Weiss und Schwarz. Sie nimmt grosszügig das gesamte Papier ein, wie es oft in Picassos Werken zu sehen ist, und eliminiert fast die Grenzen zwischen dem Papier, dem Träger seiner Schöpfung, und der Welt um sie herum.

Das vorliegende Kunstwerk ist das Pendant zu Picassos „The Painter II“, das ebenfalls am 20. Juli 1970 entstanden ist. Mit weniger Detail und grösserem Fokus auf den Arbeitsutensilien des Künstlers verschiebt Picasso leicht die Erzählung der Wiederholung und visualisiert die vielen Aspekte, die er aus demselben Motiv extrahieren konnte. Beide Werke werden über den Kunstinvestmentexperten Artemundi angeboten, und ein zukünftiger Verkauf der Werke zusammen wird nicht nur das Interesse privater Sammler wecken, sondern auch Kunstinstitutionen anziehen und damit die Preise weiter steigern.

Kunstwerke aus den letzten Jahren (1970-1973) machen 3,5% aller seit 2014 bei Auktionen verkauften Kunstwerke aus, was dem durchschnittlichen jährlichen Output des Künstlers entspricht und Picassos ewigen Impuls zeigt, bis zum Ende Kunst zu schaffen. Der Umsatz von Gemälden und Werken auf Papier aus den letzten Jahren, die seit 2014 bei Auktionen verkauft wurden, trägt jedoch fast 7% des Gesamtumsatzes von Gemälden und Werken auf Papier aus allen Perioden bei. Offensichtlich haben Gemälde und Werke auf Papier aus Picassos letzten Jahren einen festen Platz im Picasso-Markt, da ihr Marktwert ihren Marktvolumen übertrifft.


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"Der Markt von Saito wächst rapide und wird exklusiv von der James Fuentes Gallery in New York und Los Angeles vertreten. Pläne zur Expansion in grosse Galerien in Europa sind bereits in Arbeit, wobei die Händlerpreise eng mit den von der Estate festgelegten Galeriepreisen übereinstimmen und oft höhere Summen erzielen. Gemälde in Standardgrösse bewegen sich typischerweise im Bereich von 100.000 bis 175.000 US-Dollar und verzeichnen in den letzten drei Jahren einen signifikanten Anstieg von über 100 %. Bei aktuellen Auktionen zeigte sich ein stetiger Preisanstieg, mit einem bemerkenswerten Zuwachs von 296 % in den letzten fünf Jahren. Der Eintritt grosser Akteure wie Sotheby's, Christie's und Phillips verspricht eine erhöhte Liquidität bei Auktionen und weiteres Preiwachstum." - Asher Edelman, Experte bei M&A Arts

Warum in Kikuo Saito investieren?

Vorstellung des Künstlers
Kikuo Saito (1939-2016) war ein Künstler, der für seine Arbeit im Bereich der Farbfeldmalerei sowie für seine Rollen als Bühnenbildner und Theaterregisseur bekannt war. Geboren in Tokio im Jahr 1939, traf Saito im Alter von 27 Jahren im Jahr 1966 die wegweisende Entscheidung, nach New York City zu ziehen, eine Entscheidung, die eine bedeutende und transformative Phase seiner künstlerischen Karriere einleiten würde.

Die Reise eines Malers
Kikuo Saito, der Maler, wurde für seine Vielseitigkeit als Künstler gefeiert. Obwohl viel Aufmerksamkeit seiner Arbeit im Theater neben Figuren wie Robert Wilson, Peter Brook, Ellen Stuart und Jerome Robbins gewidmet wurde, blieb Saito zeitlebens grundlegend der Malerei verpflichtet. Trotz seiner Tätigkeiten als Assistent von Helen Frankenthaler, Kenneth Noland und Larry Poons sowie seiner Beiträge zur Bildung und seiner unerschütterlichen Hingabe war Kikuo Saitos Wesen das eines Malers, unerschütterlich so.
Karen Wilkin, eine renommierte Kritikerin und Kuratorin der Farbfeldmalerei, reflektierte über Saitos Reise und bemerkte: "Auch wenn er sich allmählich von Theaterunternehmungen entfernte, konzentrierte er sich zunehmend auf die Malerei und entwickelte seine eigene Interpretation der abstrakten Farbfeldabstraktion. Saitos spätere Werke zeichnen sich durch erfindungsreichen, manchmal unerwarteten Einsatz von Farbe aus, die von kühn atemberaubenden, mit reichen und vielfältigen Intensitäten versehenen Arbeiten bis hin zu subtil gedämpften, nahezu monochromen Arbeiten reicht, sowie durch expressive Zeichnung..."

Die Entwicklung des Farbfeldes
Saito, der Farbfeldmaler, zunächst von Frankenthaler beeinflusst, stieg schnell zu seinem eigenen Bereich der Malerei auf und übertraf sogar Frankenthalers Flüssigkeit der Farbe. Ähnlich wie Basquiat, der die abstrakte expressionistische Kunst in den Bereich der figurativen und konzeptuellen Darstellung brachte, erhob Saito die Farbfeldmalerei auf ein höheres Niveau, indem er sie mit strukturierten Erzählungen und Emotionen versah, durchsetzt mit Elementen wie Objekten, Wolken und römischen Buchstaben.

Anerkennung und Lob
"In ihren Schriften beschreibt Wilkin, wie Erinnerungen oder Reste von Bewegung sich auf der Leinwand zu unabhängigen Gesten entwickeln, sich in Kritzeleien und Fragmenten entfalten... sinnliche Verwicklungen und Striche, die sich fast von jeder Referenz lösen. In den letzten Jahren haben Sammler, Kritiker, Händler und Institutionen Saitos charakteristische Interpretation des Farbfeldes und die Schönheit ihrer Werke zunehmend anerkannt. Saitos Werke sind in den Sammlungen prominenter Museen vertreten und wurden in zahlreichen Einzelausstellungen präsentiert."

Begrenztes Angebot und wachsendes Interesse
Nach Saitos Tod im Jahr 2016 wurden keine neuen Kunstwerke produziert, was zu einer begrenzten Verfügbarkeit seiner Werke führte. Es hat jedoch ein wachsendes Interesse an Saitos Kunst gegeben, insbesondere seit renommierte Auktionshäuser wie Sotheby's, Christie's und Phillips kürzlich auf den Markt gekommen sind. Diese Zunahme des Interesses soll die Auktionsaktivität ankurbeln und den Wert von Saitos Arbeit weiter steigern.

Museum Kollektionen
The Museum of Modern Art, New York, New York Whitney Museum of Art, New York, New York
The Aldrich Contemporary Art Museum, Ridgefield, Connecticut Nasher Museum of Art, Duke University, Durham, North Carolina
Museum of Art, Fort Lauderdale, Fort Lauderdale, Florida Queens University, Ontario, Canada
Ringling Museum of Art, Sarasota, Florida
Peter Stuyvesant Foundation, Amsterdam, Netherlands Ulster Museum, Belfast, Northern Ireland

Solo Ausstellungen
2024 James Fuentes Gallery, New York, NY: Kikuo Saito: Color Codes,(Ongoing)
2024 KinoSaito, Verplanck, NY: Kikuo Saito: Unraveling, (Ongoing)
2023 KinoSaito, Verplanck, NY: Kikuo Saito: Pictorial Clay
2022 KinoSaito, Verplanck, NY: Kikuo Saito: Hatching Color
2022 Galerie Rüdiger Schöttle, Munich: Kikuo Saito
2022 KinoSaito, Verplanck, NY: Kikuo Saito: The Alphabet Paintings
2022 Altman Siegel Gallery, San Francisco, CA: Ouray
2021 Art Dealers Association of America, James Fuentes Gallery, New York, NY: Kikuo Saito
2021 KinoSaito, Verplanck, NY: Painting as Performance / Performance as Painting
2021 KinoSaito, Verplanck, NY: Kikuo Saito: Cloud Paintings
2021 James Fuentes Gallery, New York, NY: Kikuo Saito
2019 Loretta Howard, New York, NY: Kikuo Saito: To Paint with Drawing
2019 Lori Bookstein Projects, New York, NY: Lyrical Abstraction: Small Scale
2018 Lori Bookstein Projects, New York, NY: Saito: Works on Paper
2018 Loretta Howard, New York, NY: Kikuo Saito: Resonant Tension
2018 Octavia Art Gallery, Houston, TX: 40 Years
2018 Jonathan Novak Contemporary Art, Los Angeles, CA: Never Before Seen Paintings from the Estate


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