"Frühzeitiger Investorenvorteil: David Yarrows Verkaufsstrategie basiert auf einer gestaffelten Preisgestaltung. Bei limitierten Auflagen bedeutet gestaffelte Preisgestaltung, dass der Preis eines Bildes steigt, je näher die Auflage dem Ausverkauf kommt. Dies ist ein entscheidendes Element beim Investieren in David Yarrow, da Investoren höhere Renditen erzielen, je früher sie ein Kunstwerk erwerben." - James Kerbey, Experte bei Maddox Advisory

Warum in Fine Art Photography von David Yarrow investieren?

Frühe Triumphe und Ikonische Momente
David Yarrow, geboren in Glasgow, Schottland im Jahr 1966, startete seine fotografische Reise schon in jungen Jahren. Mit 20 Jahren befand er sich als Fotograf für The London Times beim Finale der Fußball-Weltmeisterschaft in Mexiko-Stadt. Sein berühmtes Bild von Diego Maradona, der den Weltcup hält, katapultierte ihn ins Rampenlicht und öffnete Türen, um die Olympischen Spiele und verschiedene Sportveranstaltungen zu dokumentieren.

Entwicklung zur Fine Art Fotografie
In den späteren Jahren entwickelte sich David Yarrow zu einem angesehenen Fine Art Fotografen und prägte seine Karriere durch das Dokumentieren der Natur aus einzigartigen Perspektiven. Die letzten neun Jahre waren entscheidend für die Definition seiner künstlerischen Laufbahn und markierten eine signifikante Veränderung in seiner Herangehensweise an die Fotografie. Hier findest du den Link zu seiner Homepage mit viele imposanten Einblicke in seinen einzigartigen Arbeitsplatz.

Künstlerische Unterscheidung und Globale Anerkennung
Davids eindrucksvolle und fesselnde Fotografie, insbesondere konzentriert auf das Leben auf der Erde, hat eine eigene Identität geschaffen. Mit einer bedeutenden Präsenz in führenden Galerien und Museen in Europa und Nordamerika wird er als einer der meistverkauften Fine Art Fotografen der Welt anerkannt. Seine limitierten Editionen erzielen konstant hohe Preise bei renommierten Auktionshäusern, darunter Sotheby’s.

Einfluss in der Branche und Philanthropische Engagements
In Anerkennung seiner Position in der Branche hat David Yarrow eine Vielzahl von beratenden und Botschafter-Rollen erlangt. Von Botschaftern für Naturschutzorganisationen wie WildArk und der Kevin Richardson Foundation bis hin zum europäischen Botschafter für Nikon spielte er eine entscheidende Rolle bei bedeutenden Branchenveranstaltungen. Seine Beteiligung an bekannten Kampagnen und Botschafter-Rollen für Berenberg Bank, Best Buddies und die African Community and Conservation Foundation spiegelt sein Engagement für Philanthropie wider.

Künstlerische Komfortzone und Kreative Zusammenarbeit
Die Anerkennung von David Yarrow als einer der meistverkauften Fotografen der Welt basiert auf seiner Fähigkeit, die Tier- und Menschenwelt auf frische und kreative Weise einzufangen. Ein Schlüssel zu seinem Erfolg ist die Verschmelzung von Kunst mit Philanthropie, was zu Zusammenarbeiten mit prominenten Persönlichkeiten aus Sport, Mode und Hollywood geführt hat. Partnerschaften mit Cindy Crawford, Cara Delevingne, Ciara und Russell Wilson sowie Alessandra Ambrosio zeigen die vielfältige und wirkungsvolle Natur seiner Arbeit.

Wohltätige Wirkung und Finanzielle Meilensteine
Über künstlerische Erfolge hinaus haben David Yarrows philanthropische Bemühungen eine bedeutende Wirkung gezeigt. Die Spenden aus dem Verkauf seiner Bilder haben seit 2019 die Marke von 10 Millionen US-Dollar überschritten. Sein Erfolg in der Verbindung von Kunst und Philanthropie spricht nicht nur Kunstliebhaber an, sondern trägt auch zu bedeutungsvollen Zwecken bei. Dieser einzigartige Ansatz hat seine Position in der Kunstwelt gefestigt.

Fortgesetztes Künstlerisches Wachstum und Globale Vertretung
Die unverwechselbare Arbeit von David Yarrow in den letzten Jahren hat nicht nur seine Anhängerschaft unter Kunstliebhabern erweitert, sondern auch eine Vertretung durch führende zeitgenössische Galerien weltweit gesichert. Die Veröffentlichung seines dritten Buches, "Storytelling", durch Rizzoli im Herbst 2022, markiert eine fortgesetzte Reise des künstlerischen Wachstums und des Geschichtenerzählens durch seine Linse.

Über Mohan
David Yarrow sagte, dass das Fotografieren eines Porträts dieses weissen Tigers einer Reise in ein mythologisches Märchenbuch gleicht und eine visuelle Erfahrung bietet, die sich von allem unterscheidet, was du zuvor erlebt hast.

Er wollte dem Tier gerecht werden und insbesondere die hellblauen Augen hervorheben. Da diese Tiger extrem gefährlich sind, wusste er, dass er die beste Kamera- und Objektivausrüstung benötigte, um Distanzen zu überbrücken und keine Details zu verlieren.

David war sich bewusst, dass er mehrere Tage benötigen würde, um den richtigen Moment für eine direkte Begegnung zu finden. Als es schliesslich passierte, hatte er Glück mit dem diffusen Licht. Er erkennt auch an, dass dieses Bild vor 10 Jahren nicht möglich gewesen wäre; Kameras haben sich seitdem erheblich weiterentwickelt.

Er erwähnte auch, dass weissen Tigern aufgrund eines Mutationsgens das Pheomelanin fehlt, das normalerweise ihr Fell orange färbt. Das erste weisse Tigerjunge wurde 1951 in Indien gefangen und in den Palast des Maharadschas zurückgebracht. Es wurde Mohan genannt und zeugte viele Nachkommen. Alle heute noch existierenden weißen Tiger sind Nachkommen von Mohan und leben unter menschlicher Obhut.

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Warum ein Ferrari F355 Spider?

Ferraris Übergang zur Moderne
Bis zum F355 hatte Ferrari handgefertigte, reine Fahrmaschinen produziert, doch mit der zukünftigen Technologie des modernen Autofahrens am Horizont und Herstellern, die gezwungen waren, sich zu ändern, um Emissionsvorschriften zu entsprechen, war der F355 Ferraris Abschiedslied an ihr klassisches Fahrerbe, während er auch moderne Technologien annahm.

Innovatives Design und Leistung
Der F355 Spider brachte den Geist von Ferrari auf ein ganz neues Niveau, indem er die anerkannte Leistung des Berlinetta und des GTS mit einem hervorragend effizienten, elektronisch betriebenen, halbautomatischen Softtop verband.

Ingenieursexzellenz
Geschärft durch 1.800 Stunden im Windkanal war der Ferrari 355 seiner Zeit voraus mit dem ikonischen Design von Pininfarina, das Eleganz und Aerodynamik vereinte, um ein Auto zu schaffen, das nicht nur Blicke auf sich zog, sondern auch so gut performte, wie es aussah.

Kraft und Präzision
Mit einem mittig/hinten montierten 3,5-Liter-V8-Motor, der 380 PS leistete und mit einem hervorragenden 6-Gang-Schaltgetriebe verbunden war, war der F355 Spider alles andere als träge. Wie Ferraris zeitgenössische F1-Rennwagen der Ära war der F355 mit fünf Ventilen pro Zylinder ausgestattet; drei Einlass- und zwei Auslassventile. Diese Ventile werden von zwei obenliegenden Nockenwellen betätigt, was eine variable Ventilsteuerung ermöglicht und die Leistung des Motors erheblich verbessert.

Warum dieser F355 Spider?
Gewünscht von Sammlern
Dieser Ferrari 355 Spider verfügt über das sehr begehrte und unglaublich seltene manuelle Schaltgetriebe. Er ist in Nero-Leder und auffälliger Rosso-Corsa-Lackierung gehalten, kombiniert mit originalen 19-Zoll-5-Speichen-Rädern. Diese manuellen 355 Spider sind eines der begehrtesten und seltensten Modelle. Nachdem sie im Mai 1994 weltweit in Ausstellungsräumen erschienen waren, endete die Produktion des 355 im Jahr 1999 mit insgesamt 11.373 Einheiten. Es gab nur 1.384 Rechtslenker-Varianten, von denen nur 315 Rechtslenker-Spider und weniger als 240 Rechtslenker-Manual-Spider-Varianten hergestellt wurden, was sie damals ziemlich selten machte und heute noch seltener ist, da im Laufe der Jahre viele 355er ihr Schicksal erlitten haben.

Wahrer Investitionskilometerstand
Dieses bestimmte Exemplar hat in seinen über 25 Jahren Lebensdauer weniger als 2000 Meilen pro Jahr zurückgelegt, mit einer atemberaubenden Historie, die vollständig dokumentiert ist.

Vergangene Leistung
Der Ferrari 355 Spider verzeichnete zwischen 2020 und 2023 einen durchschnittlichen Preiszuwachs von über 14,5 % p.a., inklusive einer Korrektur im letzten Jahr. Gemäß Daten von The Classic Valuer.

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Warum LEGO Jahrmarkt Sets?
LEGO Jahrmarktssets sind eine beliebte Serie von Bausätzen, die darauf ausgelegt sind, den Spaß und die Aufregung eines echten Jahrmarkts oder Freizeitparks nachzubilden.

Nachbildung von Jahrmarkts-Attraktionen
Diese Sets umfassen typischerweise verschiedene Attraktionen, die auf Jahr- oder Kirmesfesten üblich sind, wie Achterbahnen, Karussells, Riesenräder, Autoscooter und Verkaufsstände.

Vielfalt und Details
Sie zeichnen sich oft durch komplexe Details, bunte Designs und interaktive Elemente aus, die es den Baumeistern ermöglichen, eindrucksvolle und realistische Jahrmarkterlebnisse zu schaffen.

Beliebtheit und besondere Merkmale
LEGO Jahrmarktssets erfreuen sich sowohl bei LEGO-Enthusiasten als auch bei Fans von Freizeitparks großer Beliebtheit, da sie die Möglichkeit bieten, die Magie dieser unterhaltsamen Attraktionen in Miniaturform nachzuerleben.

Spirit und Tradition
Sie umfassen oft Minifiguren, Zubehör und besondere Merkmale wie funktionierende Lichter oder bewegliche Teile, um das Spielerlebnis zu verbessern.

Kulturelle Bedeutung
Obwohl die LEGO Jahrmarktssets selbst möglicherweise keine direkte historische Bedeutung haben, spiegeln sie das breitere kulturelle Phänomen von Freizeitparks und Jahrmarktsfesten wider, die eine reiche Geschichte über Jahrhunderte hinweg haben.

Lernpotenzial
Die Design- und Ingenieursaspekte der LEGO Jahrmarktssets bieten wertvolle Einblicke in die Prinzipien der Mechanik, Physik und Architektur. Baumeister können dabei Konzepte wie Gleichgewicht, Bewegung und strukturelle Stabilität kennenlernen, und LEGO Jahrmarktssets fordern sie oft dazu heraus, kreativ zu denken und Probleme zu lösen, während sie die Sets zusammenbauen.

Insgesamt bieten LEGO Jahrmarktssets eine tiefere Wertschätzung für die Geschichte von Freizeitparks sowie Möglichkeiten zum Lernen und zur Kreativität durch Spielen.

Unsere Jahrmarkts Kollektion umfasst die folgenden Sets:
LEGO® Creator Expert Achterbahn 10261
LEGO® Creator Expert Karussell 10257
LEGO® Creator Expert Riesenrad 10247

Gründe für die Auswahl dieser LEGO-Sets:
LEGO Creator Expert Achterbahn 10261
Das LEGO 10261 Achterbahn war ein exklusives Set der Icons-Serie mit 4.124 Teilen und 11 Minifiguren, das im Jahr 2018 veröffentlicht wurde. Es besteht aus einer funktionsfähigen Achterbahn mit 2 Zügen, einem Kettenaufzug-Mechanismus, einem Fahrkartenschalter, einem Zuckerwattewagen, einem Verkaufsstand und einer Strecke, die aus 44 Teilen mit 7 verschiedenen Schienelementen besteht. Über die letzten 90 Tage hat das Set eine Wertsteigerung von 9,3% hingelegt.

LEGO Creator Expert Karussell 10257
Das LEGO 10257 Karussell war ein exklusives Set der Icons-Serie mit 2.670 Teilen und 7 Minifiguren, das im Jahr 2017 veröffentlicht wurde. Es wurde im Dezember 2019 aus dem Sortiment genommen und hatte eine Lebensdauer von 30 Monaten. Derzeitige durchschnittliche jährliche Wertsteigerung liegt bei 8,2%.

LEGO Creator Expert Riesenrad 10247
Das 10247 Riesenrad ist ein Expert Creator Set, das vom erfahrenen LEGO-Moduldesigner Jamie Berard entworfen wurde und beeindruckende 60 cm hoch ist. Das Riesenrad enthält ein gut gebundenes Einzelanweisungsheft. Es nutzt auch das neue System, um Teile hervorzuheben, die in Schritten platziert werden müssen, wo es möglicherweise nicht so offensichtlich ist. Es enthält insgesamt 10 einzigartige LEGO City Minifiguren, die exklusiv für dieses Set sind. Das Haupt-Riesenrad wird von zwei kleinen Rädern mit Gummireifen angetrieben, die Reibung gegen den äußeren Ring des großen Rades bieten. Es gibt zwei Hauptfunktionen bei diesem Set: Die zentrale Plattform unter dem Rad kann auf und ab bewegt werden, und das Hauptrad kann manuell über den Kurbelgriff auf der Rückseite des Sets gedreht werden, oder das fertige Modell kann optional mit Power Functions motorisiert werden. Ein herausragendes Merkmal des Jahrmarktmixers war die Verwendung von leuchtenden Teilen im Dunkeln. Es wurde im Dezember 2018 aus dem Sortiment genommen und hatte eine Lebensdauer von 42 Monaten. Derzeitige durchschnittliche jährliche Wertsteigerung liegt bei 11,9%.

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"Sesame wurde im Herbst/Winter 2021 als Alternative zu Gold bei Hermes eingeführt und ist seitdem sehr gefragt. Die Vielseitigkeit der Kelly Danse und Danse Anate bedeutet, dass die Tasche auf 5 verschiedene Arten getragen werden kann - als Rucksack, Schultertasche, Gürteltasche, Umhängetasche oder Clutch." - Melissa Afonso, Expertin bei Threads Styling

Warum eine Kelly-Bag?
Die ikonische Kelly-Tasche - zeitlose Eleganz und Anziehungskraft
Die Kelly-Tasche, eine ikonische Handtasche, die 1935 von der renommierten französischen Luxusmarke Hermès entworfen wurde und ursprünglich als Sac-à-Depêche bekannt war, wurde später nach der angesehenen amerikanischen Schauspielerin und Fürstin von Monaco, Grace Kelly, benannt. Grace Kellys Verbindung zur Tasche, indem sie ihre Schwangerschaft vor den Paparazzi verbarg, trug zu ihrer Anziehungskraft und ihrem mystischen Charakter bei. Seitdem ist die Kelly-Tasche ein Symbol für zeitlosen Stil, exquisite Handwerkskunst und unvergleichliche Eleganz geworden. Sie bleibt eine der begehrtesten Luxushandtaschen weltweit.

Exklusivität und Seltenheit auf dem Hermès-Markt
Hermès ist bekannt für seine strengen Kaufrichtlinien, die die Anzahl der Taschen, die eine Person pro Jahr kaufen kann, begrenzen. Die Produktion bleibt absichtlich begrenzt, was zu Wartezeiten von mehreren Jahren für potenzielle Käufer führt. Als Ergebnis wird der Sekundärmarkt zur bevorzugten Option für diejenigen, die Wartelisten vermeiden möchten. Selbst gebrauchte Kelly-Taschen in stark gebrauchtem Zustand erzielen Preise von über 10.000 Euro, was die aussergewöhnliche Knappheit und Nachfrage betont.

Warum eine Kelly Danse Anate?
Ikonisches Design-Erbe
Die Kelly Danse Anate repräsentiert eine Wiederbelebung eines zeitlosen Symbols in der Hermes-Objets-Kollektion von 2023. Abgeleitet von der ursprünglichen Kelly Danse, konzipiert von Jean Paul Gauthier im Jahr 2008, eingestellt im Jahr 2013 und als Kelly Danse II im Jahr 2019 wieder eingeführt.

Einzigartige Merkmale und Vielseitigkeit
Mit Sesam-Swift-Leder mit goldener Hardware, tonaler Naht und verlängerten Fransen-Details präsentiert die Kelly Danse Anate eine unverwechselbare Ästhetik. Sie bietet Vielseitigkeit mit ihren zwei Riemen und dem verstellbaren flachen Riemen, der die Verwendung als Umhänge-, Rucksack- oder Gürtelriemen ermöglicht.

Exklusive Limited Edition-Anziehungskraf
Diese besondere Ausgabe ist als limitierte Auflage gefertigt, was zu ihrer Anziehungskraft und Exklusivität beiträgt. Mit akribischer Aufmerksamkeit für Details und hochwertiger Handwerkskunst verkörpert jedes Stück ein Gefühl von Luxus und Raffinesse.

Investitionspotenzial und Seltenheit
Als limitiertes Stück mit einem Erbe, das mit einem ikonischen Design verbunden ist, bietet die Kelly Danse Anate Investitionspotenzial. Ihre Seltenheit und ihre Beliebtheit bei Sammlern und Enthusiasten tragen zu ihrer Wertsteigerung im Laufe der Zeit bei.

Begehrter Sammlerstatus
Mit ihrer historischen Bedeutung und ihrer begrenzten Verfügbarkeit ist die Kelly Danse Anate zu einem begehrten Sammlerstück geworden. Der Besitz einer solchen Tasche trägt nicht nur zum eigenen Stil bei, sondern auch zu einem wertvollen Stück Modegeschichte.

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Warum in Duncan McCormicks Kuns investieren?
Enthüllung von Duncan McCormicks Optimistischen Kreationen

Eine Vision der Positivität auf Leinwand:
Betritt die Welt von Duncan McCormicks Kunst, wo bewusste Positivität durch seine Pinselstriche Form annimmt. Mit jedem Strich haucht er Bildern Leben ein, die Erinnerungen an fröhliche Tagträume wecken. Von Kindheitserlebnissen entlang der Küste von Salcombe Bay in Devon, die an Kalifornien und das Mittelmeer erinnern, bis zur Neugestaltung von mit Schnee bedeckten schottischen Berglandschaften als alpine Wunder und der Verwandlung vergessener Straßen und verlassener Gärten in sonnengetränkte Oasen.

Expressiver Prozess und Leuchtendes Farbspektrum:
McCormicks künstlerischer Prozess beginnt mit sanften Farbschichten, die schnell mit Acrylfarbe überlagert werden, um die Spontaneität seiner Arbeit einzufangen. Sein Hauptaugenmerk liegt darauf, die Lebendigkeit der Farben auf der Leinwand festzuhalten. Das Ergebnis ist eine Sammlung, die mit lebendigen und leuchtenden Tönen durchdrungen ist und die traumhafte Qualität jedes Meisterwerks verstärkt.

Kunst als Reaktion auf Veränderung:
Diese Kunstwerke bieten eine bewusste Antwort auf die Ära von Covid-19 und die daraus resultierenden Lockdown-Maßnahmen. Nach der Feier seiner Hochzeit und der Geburt von Zwillingen tauschte McCormick die Vororte Londons gegen die ruhigen Landschaften von North Shropshire. Die Isolation der Pandemie führte zu einer Verschiebung von komplexen, symbolgeladenen Erzählungen hin zu einfacheren, bewusst fluchtartigen Szenen in Acrylmalerei.

Die Künstlerische Reise von Duncan McCormick:
Geboren 1977 in Birmingham, begann Duncan McCormicks künstlerische Reise an der Hallfield Preparatory School und setzte sich am Ellesmere College in Shropshire fort. Sein angeborenes künstlerisches Talent führte ihn zu einem Grundlagenjahr am Bournville College in Birmingham, das in einem Abschluss in Kunst und Drama am St. Martin's College in Lancaster gipfelte. Im Laufe seiner Karriere hat McCormick seine künstlerischen Bestrebungen stets mit seinem Lebensunterhalt in Einklang gebracht. Zunächst arbeitete er im Theater, bevor er sich als professioneller Grafiker etablierte und seine eigene Siebdruckpresse betrieb. Seine Werke schmücken mittlerweile renommierte private und Unternehmenssammlungen, darunter ein Auftrag von Morgan Stanley im Jahr 2018 für eine Serie von 11 Gemälden in deren Büros in Canary Wharf. Kürzlich erzielte seine Kunst bei Auktionen beeindruckende Preise und zog Bieter aus Taiwan, der Türkei, Hongkong, Europa und Amerika an.

Die Künstlerische Entwicklung setzt sich fort:
Stark beeinflusst von dem renommierten David Hockney, steht McCormicks Stil vor der Entwicklung in ähnlich ikonische Sphären, was seine Kunstwerke zu einer vielversprechenden Investitionsmöglichkeit macht. Während jeder Pinselstrich weiterhin Geschichten der Hoffnung und Schönheit webt, laden wir dich ein, uns auf dieser Reise der Kunst und des Potenzials zu begleiten. Entdecke den fesselnden Zauber von Duncan McCormicks Kunst und die darin liegenden Möglichkeiten.

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Wer ist Yayoi Kusama?
Yayoi Kusama ist eine zeitgenössische japanische Künstlerin, die am 22. März 1929 in Matsumoto, Japan, geboren wurde. Kürbisse und Blumen sind wichtige Motive in Yayoi Kusamas Werk, Faszinationen, die sich von der Jugend der Künstlerin erstrecken. Ihre Symbolik reflektiert viele der konzeptionellen Besorgnisse der Künstlerin sowie ihre Missachtung von Dichotomien: sie bedeuten Leben und Tod, Feier und Trauer, Männlichkeit und Weiblichkeit; während ihre komplexen, organischen und zerbrechlichen Formen Echos in Kusamas Praxis finden, nicht zuletzt in ihrer Feier der menschlichen Sinnlichkeit. Formal ist die Verwendung dieser Motive konsistent mit der Verschmelzung des Hergestellten und des Organischen in ihrem Druck- und Skulpturenwerk. Ihr zufälliges, fast mutiertes Erscheinungsbild unterstreicht den Grad, in dem die natürliche Welt in der modernen Kultur seltsam und unheimlich erscheint, während sie gleichzeitig Konnotationen von Fruchtbarkeit und Wachstum bewahrt.

Kürbisse und Blumen tauchten erstmals in Kusamas Gemälden und Zeichnungen auf, die während ihres Studiums der Nihonga (traditionelle japanische Malerei) an der Kyoto Municipal School of Arts and Crafts ausgeführt wurden. Ihre unvorhersehbaren, organischen Formen erinnern an die automatische Zeichentechnik des Nachkriegssurrealismus, dessen Einfluss sich in Kusamas Frühwerk findet, und tatsächlich in der gesamten japanischen avantgardistischen Kunst der frühen 1950er Jahre. In den letzten fünf Jahren hat Yayoi Kusama einige der höchsten Preise auf dem Kunstmarkt erzielt. Als meistverkaufte lebende Künstlerin bricht Kusama konsequent Auktionsrekorde mit ihren Skulpturen, Drucken und Gemälden. Ihre Drucke, die dafür bekannt sind, einen beträchtlichen Wert zu behalten, bewahren ihre zeitlose Anziehungskraft sowohl für Sammler als auch für Kunstliebhaber. Im Jahr 1959 führte Kusama ihre bahnbrechenden Infinity Net-Gemälde in New York ein, eine revolutionäre Antwort auf die emotional aufgeladenen Pinselstriche von Künstlern wie Pollock und de Kooning. Trotz ihrer vergleichsweise neuen Erfahrung mit der Ölmalerei definierte sie das Medium neu, indem sie die kühnen Pinselstriche der gestischen Abstraktion in zarte Wiederholungen verwandelte und eine feminine Ästhetik schuf, die auf Obsession basiert. Diese Technik, die aus ihrem persönlichen Kampf mit zwanghafter Neurose entstanden ist, wurde zu ihrer therapeutischen Flucht, die es ihr ermöglichte, ihre bedrückenden Visionen zu konfrontieren und zu transkribieren.

Es ist wichtig zu erwähnen, dass Kusama offen über ihre psychische Gesundheit gesprochen hat und seit den 1970er Jahren in einer psychiatrischen Einrichtung lebt, von der sie täglich zu ihrem nahe gelegenen Studio geht, um zu arbeiten. Sie sagt, dass Kunst zu ihrer Möglichkeit geworden ist, ihre mentalen Probleme auszudrücken.

Louis Vuitton Collab
In einer wegweisenden Partnerschaft arbeitete Kusama sowohl mit Louis Vuitton als auch mit Marc Jacobs zusammen. Kusama würde ein Jahrzehnt später die ikonischen Schaufenster der Marke in London, New York und Tokio übernehmen und dabei einen Roboter an der Fifth Avenue und eine hyperrealistische anamorphe Werbetafel in Tokio präsentieren. Seit Kusamas erster Zusammenarbeit mit Louis Vuitton im Jahr 2013 hat sich der durchschnittliche Verkaufspreis für ihre Drucke auf Auktionen vervierfacht.

Pumpkin 1992
Es ist eine lebendige Darstellung ihres geliebten und prägenden Themas. Zeigt Kusamas akribischen Einsatz von schwarzen Punkten auf einer goldenen orangefarbenen Oberfläche und einem Hintergrund aus komplexen Linienarbeiten, die mit ihren gefeierten "Netz" -Gemälden verbunden sind. Der unprätentiöse Kürbis taucht schon lange in Kusamas Kunstpraxis auf und bietet ein beruhigendes, bodenständiges Motiv und Symbol der Fruchtbarkeit unter den Lichtblitzen, Punkten und Blumen, die sie während der halluzinatorischen Episoden ihrer Jugend belästigten.

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„Platin als optimales und ergänzendes Edelmetall, das sowohl Stabilität als auch ein gewisses Mass an Risikobereitschaft für das Portfolio bietet“ - Head of Trading, philoro SCHWEIZ AG

Warum in Platin investieren?
Vielseitigkeit und Diversifizierung
Platin, ein wertvolles Metall, das in verschiedenen Branchen verwendet wird, wird oft mit Gold und Silber gruppiert. Seine Anwendungen in der Schmuckherstellung und als Mittel zur Diversifizierung von Anlageportfolios machen es zu einer attraktiven Wahl für Investoren.

Schlüsselrolle in wichtigen Branchen
Platin spielt eine entscheidende Rolle in Katalysatoren, die in Dieselmotoren verwendet werden, was es für die Emissionskontrolle unverzichtbar macht. Darüber hinaus ist es das bevorzugte Metall im expandierenden Sektor grüner Wasserstoff, da es als Katalysator in wichtigen Anwendungen wie Elektrolyseuren und Wasserstoffbrennstoffzellen dient.

Angebots- und Nachfragedynamik
Der Preis von Platin wird stark von der Wechselwirkung von Angebot und Nachfrage beeinflusst. In den letzten Jahren kam es aufgrund der steigenden Nachfrage und Arbeitskämpfe in wichtigen Bergbauregionen zu Marktengpässen.

Positive Aussichten und starke Fundamentaldaten
Trotz Herausforderungen behält Platin aufgrund seiner soliden Fundamentaldaten einen positiven Ausblick bei. Seine Kosteneffizienz im Vergleich zu Palladium in Katalysatoren trägt zu seiner Attraktivität für Investoren bei. Darüber hinaus hält die anhaltende Anziehungskraft von Platin trotz des globalen Trends zu Elektrofahrzeugen und technologischen Fortschritten an.

Widerstandsfähigkeit in Zeiten wirtschaftlicher Unsicherheit
Wie andere Edelmetalle wird Platin in Zeiten wirtschaftlicher Unsicherheit oft als sichere Anlage betrachtet. Sein Wert bleibt in der Regel stabil oder steigt sogar, wenn andere Anlageformen möglicherweise rückläufig sind.

Wachstumspotenzial im medizinischen Sektor
Platin hat auch Anwendungen im medizinischen Sektor, einschliesslich seiner Verwendung in Herzschrittmachern, Stents und Krebstherapien. Mit dem Fortschreiten der medizinischen Technologie könnte die Nachfrage nach Platin in diesem Sektor steigen.

Dominanz auf dem Markt für Hybridfahrzeuge
Obwohl vollelektrische Fahrzeuge kein Platin benötigen, bleibt es integraler Bestandteil von Hybridfahrzeugen. Die Hybridfahrzeugindustrie stellt einen bedeutenden Markt dar, auf dem Platin voraussichtlich seine Dominanz behalten wird.

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"Diamanten mit einem Gewicht von über 1 Karat und mit der höchsten Graduierung, wie der vorliegende Brillant, sind äusserst selten. Die Natur produziert seit Millionen von Jahren keine Diamanten mehr und sind deshalb ein endliches Gut. Diese Faktoren führen dazu, dass natürliche Diamanten sehr wertstabil sind und somit einen Schutz vor Inflation bilden. Diamanten sind physische Vermögenswerte, welche auf der ganzen Welt als sehr wertvoll angesehen werden." - Patrick Zeunert, Gründer von The BrandZ GmbH

Warum in Diamanten investieren?
Physisches Gut
Diamanten sind ein greifbares Gut, das im Gegensatz zu Aktien oder Anleihen physisch gehalten werden kann und somit ein Gefühl von Besitz und Genuss vermittelt.

Werterhalt
Seit Jahrhunderten gelten Diamanten als Mittel zur Werterhaltung aufgrund ihrer Langlebigkeit und Beständigkeit gegen Korrosion, was sie zu einer zuverlässigen langfristigen Anlagemöglichkeit macht.

Schutz vor Inflation
Ähnlich wie bei Immobilien und Gold können Diamanten als Absicherung gegen Inflation dienen und im Laufe der Zeit an Wert gewinnen, um mit oder sogar über den Inflationsraten Schritt zu halten.

Einfacher Transport
Diamanten sind äusserst tragbar, erleichtern die internationale Diversifizierung und machen sie zu einem wertvollen Gut in Bezug auf Mobilität.

Diversifikationsvorteile
Mit einer potenziell geringen Korrelation zu traditionellen Finanzmärkten bieten Diamanten Diversifikationsvorteile, was bedeutet, dass ihr Wert nicht immer im Einklang mit Aktien, Anleihen oder anderen Investitionen steht und somit das Gesamtportfoliorisiko verringert.

Stabilität
In den letzten fünf Jahren haben Diamanten mit einem Gewicht von 1 bis 2 Karat eine jährliche Volatilität von weniger als 2 % gezeigt, was auf eine relativ stabile Anlagemöglichkeit hinweist.

Innerer Wert
Die Seltenheit von Diamanten gepaart mit den für ihre Gewinnung und Verarbeitung erforderlichen Ressourcen verleiht ihnen einen inneren Wert und gibt den Anlegern ein Sicherheitsgefühl.

Warum dieser Diamant?

Betonung der Liquidität basierend auf Grösse und Qualität Diamanten im Bereich von 1 bis 2 Karat Grösse und mit der Bewertung D-IF oder D-Fl gelten als hochwertig und hochliquide innerhalb der Schmuckbranche. Diese Diamanten, die häufig in Verlobungsringen oder hochwertigem Schmuck verwendet werden, werden aufgrund ihrer Seltenheit und ihres Werts geschätzt. Die Grösse von 1 bis 2 Karat ist besonders beliebt für Verlobungsringe aufgrund des ausgewogenen Verhältnisses von Grösse und Erschwinglichkeit.

Höchste Qualität: D-IF
Der D-IF-Grad bezeichnet die Farbe und Klarheit des Diamanten, wobei D die höchste Farbklassifizierung (vollständig farblos) angibt und Internally Flawless (IF) darauf hinweist, dass der Diamant keine inneren Unreinheiten unter 10-facher Vergrösserung aufweist. Allerdings können IF-Diamanten leichte Oberflächenfehler aufweisen, obwohl unter 10-facher Vergrösserung keine Imperfektionen erkennbar sind.

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"Es handelt sich um Flaschen, die erst vor kurzem vom Weingut freigegeben wurden und von einer direkten Zuteilung stammen. Evtl. eine der letzten Chancen den Wein in diesem grossartigen Zustand zubekommen." - Henrik Maaß, Weinexperte bei Liquid Grape

Warum in Domaine Leroy investieren?
Das Domaine Leroy wurde 1868 von François Leroy unter dem Namen "Maison Leroy" gegründet und wurde schnell ein bedeutendes Handelsgut. Das Anwesen verfügte über einige der feinsten Grand Cru- und Premier Cru-Lagen. Im Jahr 1942 erwarb François' Enkel, Henri, die Hälfte des legendären Domaine de la Romannée-Conti (DRC). Heute besitzt die Familie Leroy formell 50 % der Anteile der DRC.
Lalou Bize-Leroy, die Grande Dame des Burgunds, verliess 1992 das Präsidentenamt der DRC, nachdem sie die Güter von Charles Noëllat und Philippe Remy erworben und zu dem fusioniert hatte, was heute "Domaine Leroy" ist. Das Weingut erstreckt sich über 23 Hektar, hauptsächlich klassifiziert als Premier Cru und Grand Cru. Domaine Leroy ist bekannt für seine burgundischen Rotweine, die für ihre Finesse und Reinheit geschätzt werden. Inspiriert von Nicolas Joly (Château de la Roche-aux-Moines) stellte Lalou schnell alle Weinberge auf biodynamischen Anbau um. Vision, konsistente Bewirtschaftung, kompromisslose Ertragsreduzierung und Streben nach höchster Qualität charakterisieren das Domaine Leroy, insbesondere unter der Leitung von Lalou Bize-Leroy.

Es ist erwähnenswert, dass die Grande Dame des Burgunds, Madame Lalou Bize-Leroy (geboren 1932), eine der wichtigsten Persönlichkeiten des Burgunds, ein fortgeschrittenes Alter erreicht hat. Wenn sie nicht mehr präsent ist, werden ihre magischen Weine aufhören zu existieren. Diese Knappheit wird zwangsläufig zu steigenden Preisen für Weine führen, die ihr Signum tragen.

Der Domaine Leroy Chambertin Grand Cru, 2013
Ist ein Wein, der die Harmonie zwischen Terroir und Weinerzeugung meisterhaft verkörpert. Er stammt aus der Region Cote de Nuits im Burgund, Frankreich, bekannt für ihre hochwertigen Rotweine. Der Chambertin Grand Cru von Domaine Leroy ist stets meisterhaft und tiefgründig. Der Jahrgang 2013 zeichnet sich durch fein gravierte Details aus und beginnt mit einer komplexen Nase von Wildblumen, herzhaften Gewürzen und Brombeerfrucht. Er dient als idyllische Darstellung der Harmonie zwischen Terroir und Weinerzeugung.

Der Domaine Leroy Romanee-Saint-Vivant Grand Cru, 2014
Als ein weiterer herausragender Wein von Domaine Leroy aus. Auch er stammt aus der Region Cote de Nuits im Burgund, Frankreich, und ist ein Zeugnis für die Widerstandsfähigkeit des Jahrgangs gegen Widrigkeiten, insbesondere in einem Jahr, das von klimatischer Unbeständigkeit in den Weinbergen des Burgunds geprägt ist. Auch er dient als idyllische Darstellung der Harmonie zwischen Terroir und Weinerzeugung.

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"Diese Sammlung sticht heraus, weil sie einige aussergewöhnlich alte und seltene Whiskys von Destillerien wie Karuizawa enthält, die geschlossen und abgerissen wurden, sowie von Destillerien wie Port Ellen und Rosebank, die historisch gesehen geschlossen waren, aber nun wiedereröffnet werden.
Die Wiedereröffnung von Destillerien wie Port Ellen und Rosebank geht mit erheblichen Marketinganstrengungen und öffentlicher Begeisterung einher. Dadurch werden diese Destillerien nicht nur einem breiteren Publikum vorgestellt, das bisher nur von engagierten Enthusiasten bekannt war, sondern es wird auch das Interesse an ihren legendären alten Flaschen geweckt.
Leider wird die Welt nie mehr Whisky aus der ursprünglichen Karuizawa-Brennerei sehen. Der Markt hat sich bereits angepasst (und sich korrigiert), um die Bedeutung von Karuizawa im Whisky-Kanon zu berücksichtigen, und diese Wahrnehmung wird sich wahrscheinlich nicht ändern.
Wie bei jeder Investition ist Geduld der Schlüssel, und im Laufe der Jahre, wenn diese Destillerien an Fahrt gewinnen, werden diese alten und seltenen Flaschen nur noch begehrter werden." - Mark Litter, Whisky-Spezialist bei MARK LITTLER LTD

Warum in die Japanische und Schottische Whisky Kollektion investieren?
Diese einzigartige Whisky-Sammlung umfasst sowohl japanische als auch schottische Whiskyflaschen. Insgesamt handelt es sich um 13 Flaschen aus den weltweit renommiertesten Destillerien, nämlich Karuizawa, Yamazaki, Port Ellen und Rosebank. Karuizawa und Port Ellen sind beide geschlossene Destillerien, was ihren Reiz für Sammler erhöht. Darüber hinaus sind die Flaschen stark limitiert. Der Karuizawa 1981 hat die größte Auflage mit 595 Flaschen, während nur 60 Flaschen des Port Ellen XOP 1982 produziert wurden. Die meisten Flaschen sind Whisky in Fassstärke, die tendenziell höhere Preise bei Auktionen erzielen.

Liste der Flaschen in dieser Kollektion:
Karuizawa 1981 / 33 Jahre / 1 von 595
Karuizawa 1980 / 34 Jahre / 1 von 370
Karuizawa 1978 / 35 Jahre / 1 von 405
Karuizawa 1973 / 39 Jahre / 1 von 138
Karuizawa 1972 / 39 Jahre / 1 von 523

Yamazaki 1993 / 19 Jahre / 1 von 480

Port Ellen COD / 40 Jahre / 1 von 78
Port Ellen XOP 1982 / 33 Jahre / 1 von 60
Port Ellen GM 1979 / 40 Jahre / 1 von 407

Rosebank 1990 #300 / 16 Jahre / 1 von 326
Rosebank 1990 #2 / 16 Jahre / 1 von 243
Rosebank 1991 / 18 Jahre / 1 von 258 (doppelt in der Kollektion)

Karuizawa
Das milde Klima und die fruchtbaren vulkanischen Böden am Fuße des Mount Asama zogen in den 1920er Jahren Winzer an, darunter eine Firma namens Daikoku-budoshu. Obwohl ihr Hauptgeschäft die Weinproduktion war, betrieb Daikoku auch eine kleine Whiskybrennerei in der Präfektur Yamanashi und brachte 1946 einen Blend namens Ocean auf den Markt. Dies war einer der ersten japanischen Whiskys nach dem Zweiten Weltkrieg, der zunächst auf amerikanische GIs in Japan abzielte, aber schnell bei lokalen Geschäftsgemeinschaften beliebt wurde. Als Whisky in Japan an Popularität gewann, beschloss Daikoku Mitte der 1950er Jahre, eine seiner Kellereien in Karuizawa in eine Malt-Whiskybrennerei umzuwandeln, um die Nachfrage nach seinen Blends zu decken. Im Jahr 1962 wurde Daikoku von der Mercian Corporation übernommen, bekannt für den Wein Chateau Mercian. Die Karuizawa-Brennerei lieferte weiterhin Malz für japanische Blends, bis sie 1976 begann, kleine Mengen als Single Malt zu veröffentlichen, jedoch wurde wenig exportiert. Mit dem wirtschaftlichen Abschwung in den 1980er und 1990er Jahren begannen japanische Whiskybrennereien zu schließen, darunter auch Karuizawa im Jahr 2001. Die Mercian Corporation wurde später von Kirin übernommen, aber sie belebten Karuizawa nicht wieder, was zur Stornierung ihrer Brennlizenz führte. Im Jahr 2016 wurde die Brennerei abgerissen und das Gelände zur Neuentwicklung verkauft. Im Jahr 2011 kaufte die Number One Drinks Company in Norfolk, England, nach jahrelangen Verhandlungen den verbleibenden Bestand von 364 Fässern und hat sie allmählich abgefüllt und verkauft, wobei viele bei Auktionen hohe Preise erzielten. Jetzt bleiben nur noch zwei Fässer übrig.

Yamazaki
Yamazakis Aufstieg zum globalen Whisky-Ruhm wurzelt in seiner reichen Geschichte und dem unerschütterlichen Engagement für Innovation. 1924 von Shinjiro Torii gegründet, ist es Japans älteste Brennerei und legt den Grundstein für die Whisky-Industrie des Landes. Trotz anfänglicher Herausforderungen beharrte Yamazaki darauf, 1929 seinen ersten Whisky unter dem Suntory-Label vorzustellen. Der Wendepunkt kam 1937 mit der Einführung von Kakubin, einem Blend, der auf den japanischen Gaumen zugeschnitten war und große Popularität erlangte. Die Veröffentlichung des Yamazaki 12 Jahre alten Single Malts im Jahr 1984 markierte einen bedeutenden Meilenstein und bereitete den Weg für weitere Anerkennung. Unter der Leitung von Keizo Saji erweiterte Yamazaki die Produktion und begrüßte Innovationen, was 2014 in seiner Übernahme durch Beam Inc. gipfelte und die globale Reichweite und Anerkennung erleichterte. Der Höhepunkt seines Erfolgs kam im Jahr 2015, als Jim Murray den Sherry Cask 2013 zum "World Whisky of the Year" ernannte und Yamazaki zu unerreichten Höhen verhalf. Heute bleibt Yamazaki an der Spitze der Whisky-Industrie, treibt Innovationen voran und verdient weltweit Anerkennung.

Port Ellen
Benannt zu Ehren der Frau des Besitzers von Islay, Walter Frederick Campbell, wurde 1826 nahe der Brennerei ein Pier errichtet, um den sich das Dorf entwickelte und schließlich zum wichtigsten Hafen der Insel wurde. Obwohl die Brennerei zwei Jahre vor dem Bau des Piers gegründet wurde, gedieh sie erst, als John Ramsay die Rolle des Managers übernahm. Obwohl erst achtzehn Jahre alt, zeigte Ramsay bemerkenswertes Geschick und wurde bald Geschäftspartner des Gutsbesitzers, führender Farmer auf Islay und Mitglied des Parlaments. Bis zu seinem Tod im Jahr 1892 besaß Ramsay die gesamte Pfarrei von Kildaton und hatte zahlreiche Häuser auf dem Anwesen errichtet. Die Brennerei wurde danach von seiner Witwe und später von ihrem Sohn, Captain Iain Ramsay von Kildalton, geführt. Die Port Ellen Distillery stellte 1983 die Produktion ein und wurde 1987 geschlossen. Ihr berühmter rauchiger Whisky wurde hauptsächlich für Blends verwendet, wobei nur einmal - im Jahr 1980 zur Feier eines Besuchs Ihrer Majestät der Königin - als Single Malt abgefüllt wurde. Die Brennerei wurde 1983 geschlossen, und der Besitzer, Diageo, plant, sie 2024 wieder zu eröffnen. Die Wiedereröffnung hatte historisch gesehen Preise älterer Abfüllungen in die Höhe getrieben.

Rosebank
Rosebank wurde als bester Lowland-Malt hoch geschätzt, bekannt für sein zartes Aroma. Professor MacDowell beschrieb es als "einen ausgezeichneten leicht aromatisierten Whisky", was seine Beliebtheit in England über den kräftigen Highland-Malts vor der Ära moderner Blends erklärt. Bis in die 1890er Jahre hinein war die Nachfrage nach Rosebank so groß, dass viele Kunden sich mit weniger begnügen mussten als sie bestellt hatten, was auf seine weit verbreitete Beliebtheit hindeutet. Seine Schließung wurde von Whisky-Enthusiasten betrauert, und Michael Jackson beklagte sie als "einen schweren Verlust". Im Jahr 2008 erhielt Diageo einen Vorschlag zur Wiederbelebung von Rosebank durch den Bau einer neuen Brennerei in der Nähe unter Verwendung der Originalbrennblasen und -anlagen, die vor Ort verblieben waren. Der Plan wurde jedoch vereitelt, als Kupferdiebe, die sich als legitime Handwerker ausgaben, einbrachen und die Ausrüstung entweder stahlen oder beschädigten, ohne gefasst zu werden.

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"Giacometti, der wichtigste Schweizer Künstler des 20. Jahrhunderts mit zeitlosem Stil, hat einen aussergewöhnlichen Nachfrage- und Wertzuwachs erlebt. In den letzten zehn Jahren hat sich der weltweite Giacometti-Markt mehr als verdoppelt, was ihn zu einem der zwölf bestverkauften Künstler nach Wert macht." - Javier Lumbreras, CEO bei Artemundi

Wer ist Alberto Giacometti?
(1901-1966) ist der bedeutendste Schweizer Künstler des 20. Jahrhunderts und eine führende Figur des Modernismus. Berühmt für seine einzigartige Interpretation der menschlichen Figur, zählt Giacometti zu den meistverkauften Künstlern weltweit, da sein Werk nachhaltig die Kunstgeschichte beeinflusst hat. Sehr geschätzt von Sammlern und Investoren hat sich der globale Giacometti-Markt in den letzten zehn Jahren mehr als verdoppelt und zeigt einen steilen Aufwärtstrend. Giacometti zählt zu den 12 meistverkauften Künstlern nach Wert, und sein Markt erreichte allein im Jahr 2023 einen Umsatz von über 64 Millionen US-Dollar. Sein Werk "L'homme au doigt" wurde 2015 bei Christie’s für 141 Millionen US-Dollar verkauft und ist selbst fast zehn Jahre später immer noch das siebtmeistverkaufte Stück impressionistischer, moderner und zeitgenössischer Kunst bei Auktionen.
Giacomettis Hauptwerk und Ruhm drehten sich um seine Skulpturen, doch es sind seine Zeichnungen und oft vorläufigen Skizzen, die es uns ermöglichen, den kreativen Prozess seines Geistes wahrzunehmen. Die meisten dieser Werke gehören zu renommierten Museumssammlungen der Kunst des 20. Jahrhunderts, während privat gehaltene Zeichnungen zunehmend selten sind: Nur etwa 24 Stück gelangen pro Jahr auf den Markt. Während das Marktvolumen für Giacomettis Arbeiten auf Papier stabil bleibt, stieg der Marktwert in den letzten zehn Jahren um über 40%, da die Preise kontinuierlich steigen.

Porträt von Soshana
Die 1958 von Giacometti angefertigte Zeichnung porträtiert seine liebe Freundin und Mitkünstlerin Soshana Afroyim, mit der Giacometti bis zu seinem Tod eine tiefe Freundschaft verband. Die Porträtierte erscheint sitzend, die Hände im Schoss gekreuzt, und blickt direkt auf den Betrachter. Giacometti zeichnete mit Bleistift die weichen Gesichtszüge von Soshana mit ihrem hochgesteckten Haar nach und wiederholte dabei die für Giacometti typischen Konturen. Doch seine Darstellung von Soshana entzieht sich der lebhaften Intensität, mit der Giacometti viele männliche Figuren zeichnete, und hier wandte er sich stattdessen sanften und anmutigen Linien zu, um die Sanftheit nachzueifern, die seine Freundin hervorrief. Auf seine übliche Weise konzentrierte sich Giacometti auf das Gesicht der Porträtierten, das den Mittelpunkt der Komposition markiert, und reduzierte allmählich die Details nach aussen hin. Die Silhouette von Soshana ist nur teilweise umrissen, doch die vorhandenen Linien genügen, um ihre Position zu verstehen, beispielhaft für Giacomettis Meisterschaft.

Geboren in Wien, war Soshana Afroyim (1927-2015) eine österreichische Künstlerin, die in Wien, London, Paris, New York, Kuba und Mexiko lebte und arbeitete. Als rastlose Seele reiste Soshana auch ausgiebig durch Afrika, wo sie Albert Schweitzer porträtierte, und durch Asien, wo sie Einflüsse der asiatischen Kalligrafie in ihren späteren Werken aufnahm. Als Soshana erst elf Jahre alt war, floh ihre Familie aus dem von Nazis besetzten Österreich und liess sich zunächst in Paris, dann in London und später in New York nieder, wo sie verschiedene Kunstschulen besuchte und zu malen begann. Sie wurde schnell eine talentierte Porträtkünstlerin und porträtierte bekannte Persönlichkeiten wie den Autor Thomas Mann, den Künstler Albert Gütersloh, die Frauenrechtlerin Anita Whitney, den Philosophen Isaku Yanahihara und viele andere. Soshana lernte auch die Künstler Pablo Picasso, Mark Rothko, Yves Klein und Marc Chagall kennen. Eine besondere Verbindung verband sie mit Alberto Giacometti, den sie als einen ihrer besten Freunde betrachtete und den sie mehrmals porträtierte, einschliesslich postmortem in liebevoller Erinnerung an den Schweizer Künstler.

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"Ostrich Birkins werden in der Regel etwa doppelt so häufig wie Ostrich Kelly-Taschen bei Auktionen verkauft. Darüber hinaus wird diese bestimmte Farbkombination von Hermès als Limited Edition klassifiziert." - Melissa Afonso, Expertin bei Threads Styling

Warum eine Birkin?
Die Ursprungsgeschichte der Birkin Bag
Die Designidee für die Birkin Bag entstand während eines Fluges im Jahr 1983. Louis Dumas, der ehemalige Leiter des familiengeführten Unternehmens Hermès, traf während seiner Reise auf die britische Schauspielerin Jane Birkin. Sie benutzte eine Strohtasche als Handtasche. Auf die Frage, warum sie eine Tasche aus Bast benutzte, antwortete die Schauspielerin, dass herkömmliche Handtaschen einfach zu klein seien. Louis Dumas begann sofort, eine trapezförmige Tasche zu skizzieren.

Exklusivität und Seltenheit auf dem Hermes-Markt
Investition in die exklusive Welt von Hermès
Eine Hermès-Tasche ist nicht einfach um die Ecke erhältlich. Der Hersteller bestimmt, wer überhaupt eine dieser begehrten Handtaschen erwerben darf. Die Produktion ist absichtlich begrenzt. Ähnlich wie bei einer Rolex-Uhr müssen Käufer Wartezeiten von mehreren Jahren in Kauf nehmen. Um diese Wartezeiten zu umgehen, wenden sich Kunden oft an den Sekundärmarkt. Selbst Taschen mit Gebrauchsspuren nach mehreren Jahren erzielen immer noch Preise von über 10.000 Euro. Dies unterstreicht die immense Knappheit und hohe Nachfrage.

Birkin Bags
Eine luxuriöse Investition, die herkömmliche Vermögenswerte übertrifft Das Online-Portal "Welt" verglich die Kursentwicklung von Birkin Bags mit der von US-Aktien und Gold und erzielte ein überraschendes Ergebnis. Diese Luxushandtaschen übertreffen traditionelle Investitionen in Bezug auf Renditen. Die jährliche Wertsteigerung von Birkin Bags liegt um 5% höher als die von Aktien.

Die Frühgeschichte der Birkin Bag
Es ist schwer zu glauben, aber die frühe Reaktion der Öffentlichkeit auf die Birkin Bag war ernüchternd. In den 80ern dominierten Chanel-Taschen den Markt, und die Jane Birkin-Tasche änderte daran nichts. Die legendäre Qualität von Hermès und die bezaubernde Entstehungsgeschichte konnten sich nicht durchsetzen. Erst in den 1990ern wurde die von It-Girl Jane Birkin inspirierte Tasche zur It-Bag.

Die Hermès Birkin Ostrich
25 cm in Rose Tyrien ist eine Luxushandtasche aus Straussenleder in einem lebendigen Rosa. Sie ist eine der exklusivsten und teuersten Taschen der französischen Marke Hermès. Die Tasche verfügt über ein klassisches Design mit zwei Henkeln, einer Klappe mit Riemen und einem Schloss sowie Palladium-Hardware. Das Innere ist mit Ziegenleder in derselben Farbe ausgekleidet. Die Tasche misst 25 x 20 x 13 cm.

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Warum in Fine Art Photography von David Yarrow investieren?

Frühe Triumphe und Ikonische Momente
David Yarrow, geboren in Glasgow, Schottland im Jahr 1966, startete seine fotografische Reise schon in jungen Jahren. Mit 20 Jahren befand er sich als Fotograf für The London Times beim Finale der Fußball-Weltmeisterschaft in Mexiko-Stadt. Sein berühmtes Bild von Diego Maradona, der den Weltcup hält, katapultierte ihn ins Rampenlicht und öffnete Türen, um die Olympischen Spiele und verschiedene Sportveranstaltungen zu dokumentieren.

Entwicklung zur Fine Art Fotografie
In den späteren Jahren entwickelte sich David Yarrow zu einem angesehenen Fine Art Fotografen und prägte seine Karriere durch das Dokumentieren der Natur aus einzigartigen Perspektiven. Die letzten neun Jahre waren entscheidend für die Definition seiner künstlerischen Laufbahn und markierten eine signifikante Veränderung in seiner Herangehensweise an die Fotografie.

Künstlerische Unterscheidung und Globale Anerkennung
Davids eindrucksvolle und fesselnde Fotografie, insbesondere konzentriert auf das Leben auf der Erde, hat eine eigene Identität geschaffen. Mit einer bedeutenden Präsenz in führenden Galerien und Museen in Europa und Nordamerika wird er als einer der meistverkauften Fine Art Fotografen der Welt anerkannt. Seine limitierten Editionen erzielen konstant hohe Preise bei renommierten Auktionshäusern, darunter Sotheby’s.

Einfluss in der Branche und Philanthropische Engagements
In Anerkennung seiner Position in der Branche hat David Yarrow eine Vielzahl von beratenden und Botschafter-Rollen erlangt. Von Botschaftern für Naturschutzorganisationen wie WildArk und der Kevin Richardson Foundation bis hin zum europäischen Botschafter für Nikon spielte er eine entscheidende Rolle bei bedeutenden Branchenveranstaltungen. Seine Beteiligung an bekannten Kampagnen und Botschafter-Rollen für Berenberg Bank, Best Buddies und die African Community and Conservation Foundation spiegelt sein Engagement für Philanthropie wider.

Künstlerische Komfortzone und Kreative Zusammenarbeit
Die Anerkennung von David Yarrow als einer der meistverkauften Fotografen der Welt basiert auf seiner Fähigkeit, die Tier- und Menschenwelt auf frische und kreative Weise einzufangen. Ein Schlüssel zu seinem Erfolg ist die Verschmelzung von Kunst mit Philanthropie, was zu Zusammenarbeiten mit prominenten Persönlichkeiten aus Sport, Mode und Hollywood geführt hat. Partnerschaften mit Cindy Crawford, Cara Delevingne, Ciara und Russell Wilson sowie Alessandra Ambrosio zeigen die vielfältige und wirkungsvolle Natur seiner Arbeit.

Wohltätige Wirkung und Finanzielle Meilensteine
Über künstlerische Erfolge hinaus haben David Yarrows philanthropische Bemühungen eine bedeutende Wirkung gezeigt. Die Spenden aus dem Verkauf seiner Bilder haben seit 2019 die Marke von 10 Millionen US-Dollar überschritten. Sein Erfolg in der Verbindung von Kunst und Philanthropie spricht nicht nur Kunstliebhaber an, sondern trägt auch zu bedeutungsvollen Zwecken bei. Dieser einzigartige Ansatz hat seine Position in der Kunstwelt gefestigt.

Fortgesetztes Künstlerisches Wachstum und Globale Vertretung
Die unverwechselbare Arbeit von David Yarrow in den letzten Jahren hat nicht nur seine Anhängerschaft unter Kunstliebhabern erweitert, sondern auch eine Vertretung durch führende zeitgenössische Galerien weltweit gesichert. Die Veröffentlichung seines dritten Buches, "Storytelling", durch Rizzoli im Herbst 2022, markiert eine fortgesetzte Reise des künstlerischen Wachstums und des Geschichtenerzählens durch seine Linse.

In "Marshlands II" hält der Fotograf eines seiner kraftvollsten Löwenfotos der letzten Dekade fest und würdigt dabei die bemerkenswerten Fähigkeiten von Kevin Richardson, bekannt als "The Lion Whisperer". Richardsons beispiellose Fähigkeit, mit diesen prächtigen Katzen zu arbeiten, wird in diesem Bild gefeiert.

In der Nacht vor der Aufnahme machten gewaltige Gewitter in Dinokeng, Südafrika, das Schlafen fast unmöglich. Die Aufregung des Fotografen, genährt von der Vorfreude auf das Hochwasser im Heiligtum von Kevin, wandelte das anspruchsvolle Wetter in eine Gelegenheit um. Die Entscheidung wurde getroffen, Kevins schweren Käfig in der neuen Marschlandschaft bei Morgendämmerung zu platzieren, eine herausfordernde Aufgabe aufgrund der wilden Natur der Löwen.

Da er erkannte, dass der einzige Weg, sich diesen wilden Löwen zu nähern, entweder über Fernbedienungen oder von einem schweren Käfig aus möglich war, entschied sich der Fotograf für Letzteres. Trotz widriger Wasserstände, die Fernbedienungsoptionen ausschlossen, nahm der Fotograf die Herausforderung an, um den Moment festzuhalten.

Das resultierende Foto, das einen erwachsenen männlichen Löwen in seiner ganzen Majestät zeigt, rechtfertigte den Aufwand und die Herausforderungen während der Aufnahme. Es steht als Zeugnis für die Hingabe des Fotografen, die Essenz dieser wilden und majestätischen Tiere einzufangen.

Ferrari II
In diesem Fotoshooting dient die ikonische Route 66 als Kulisse, die den amerikanischen Traum von Freiheit und Ehrgeiz symbolisiert, in der Nähe von Amboy in der kalifornischen Wüste. Der Filmemacher stand vor der Herausforderung, diesem gut fotografierten Ort eine frische Perspektive zu verleihen. Um dies zu überwinden, lieh ein Vintage-Auto-Enthusiast aus Hongkong großzügig seinen kostbaren Besitz aus, den seltenen 1953 Ferrari 250 MM Vignale Spider. Das Fotoshooting hatte das Ziel, den Geist von Route 66 metaphorisch darzustellen und die Reise von Freiheit und Ehrgeiz zu betonen. Im Stil der Mitte der 1950er Jahre inszeniert, strahlte das Model, Daniela Braga, Positivität und Abenteuerlust aus, und spiegelte so den Geist der berühmten amerikanischen Autobahn wider. Der ikonische Ferrari fügte der rauen Landschaft eine Note von Glamour und Eleganz hinzu, und schuf so eine fesselnde visuelle Erzählung.

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Warum in Saphire investieren?
Greifbares Gut
Saphire sind ein greifbares Gut, das Sie in Ihrem Besitz halten können. Im Gegensatz zu Aktien oder Anleihen können Sie sie physisch aufbewahren und genießen.

Schutz vor Inflation
Ähnlich wie andere greifbare Vermögenswerte wie Immobilien und Gold können Saphire als Schutz vor Inflation dienen. Ihr Wert kann im Laufe der Zeit steigen und mit oder über Inflationsraten Schritt halten.

Portabilität
Saphire sind äußerst portabel und können leicht transportiert werden, was sie zu einem potenziell wertvollen Vermögenswert für internationale Diversifikation macht.

Geringe Korrelation
Qualitativ hochwertige Edelsteine weisen eine geringe Korrelation mit traditionellen Finanzmärkten auf, was bedeutet, dass ihr Wert nicht immer im Einklang mit Aktien, Anleihen oder anderen Investitionen steht. Dies kann vorteilhaft für Diversifikationszwecke sein.

Tiefe Volatilität
Der Gemval Aggregate Index (GAV) hat seit 2006 eine jährliche Volatilität von knapp 4%.

Inneren Wert
Edelsteine haben einen inneren Wert aufgrund ihrer Seltenheit und der für ihre Gewinnung und Verarbeitung erforderlichen Ressourcen. Dieser Wert kann den Investoren ein gewisses Maß an Sicherheit bieten.

Warum dieser Edelstein?
Fokus auf Liquidität in Bezug auf Größe und Qualität
Saphire mit einer Größe von 4 bis 8 Karat , welche unbehandelt sind gelten als hochwertige Edelsteine, die in der Schmuckindustrie sehr wertvoll und daher liquide sind. Diese Edelsteine werden oft in hochwertigen Schmuckstücken verwendet, da sie als selten und wertvoll gelten.

Hohe Farbintensität und höchste Klarheit
Der Edelstein weist mit "medium blue" (mittleres blau) eine gute Farbintensitäten auf. Der Stein ist "eye clear" (klar für das Auge) was der höchste Güte entspricht.

Tiefer Einstandspreis
Durch die Annahme einer direkten Lieferkette eliminiert unser Experte die Zwischenhändler, was sich postiv auf die Rendite auswirken sollte.

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Warum in Coche-Dury Mersault investieren?
Prestigeträchtiger Ruf und sammelbare Weissweine
Coche-Dury, in Meursault, Burgund, ist ein hoch angesehener Produzent, bekannt für die Herstellung außergewöhnlicher Weißweine aus Chardonnay. Obwohl sie auch Rotweine aus Pinot Noir produzieren, hat ihr Corton-Charlemagne Grand Cru regelmäßig zu den 100 teuersten Weinen auf Wine-Searcher gehört, was sie zu einer begehrten Wahl für Sammler macht. Seit einigen Jahren erhalten die Weine des Weinguts immer mehr Aufmerksamkeit von führenden Weinkritikern. Die besten Jahrgänge konnten bereits 5-Jahres-Wertzuwächse von 150% bis 500% verzeichnen.

Familienerbe und erweiterte Weinbergsbesitztümer
Gegründet im Jahr 1973 durch die Vereinigung von Jean-François Coche und Odile Dury hat das Coche-Dury-Domaine eine reiche Familiengeschichte im Weinbau in Meursault. Das Weingut hat seinen Weinbergsbesitz über Meursault hinaus auf Puligny-Montrachet, Auxey-Duresses, Monthelie, Volnay und das Corton Grand Cru-Weinberg ausgedehnt. Derzeit bewirtschaften sie etwas mehr als neun Hektar, wobei Meursault etwa die Hälfte der Gesamtfläche ausmacht. Das Weingut produziert nur etwa 3.500 Kisten über sechs verschiedene Weine. Versiegelte Kisten sind daher äußerst selten und wertvoll.

Exklusive Grand Cru- und Premier Cru-Angebote
Die Prestige von Coche-Dury erstreckt sich auf sein exklusives Grand Cru-Angebot, den Corton-Charlemagne. Die Bedeutung des Domaines zeigt sich jedoch auch in seinen Premier Cru-Weinen aus den Weinbergen Les Charmes und Les Perrières in Meursault, die zu den teuersten Weinen der Côte de Beaune gehören. Der Coche-Dury Meursault nimmt einen Platz unter den begehrtesten Weinen der Region ein.

Traditionelle Vinifikationspraktiken
Im Bekenntnis zur Tradition setzt Coche-Dury traditionelle Vinifikationsmethoden ein. Die Weißweine reifen bis zu 22 Monate in Fässern, wobei nur eine geringe Menge neuer Eiche verwendet wird, außer bei ihren qualitativ hochwertigsten Weinen. Diese Herangehensweise trägt zum unverwechselbaren Charakter und zur Qualität der Coche-Dury-Weine bei.

Weitergabe des Erbes - Neue Führung seit 2010
In einem Generationswechsel übergab Jean-François Coche im Jahr 2010 die tägliche Leitung des Weinguts an seinen Sohn und seine Schwiegertochter, Raphaël und Charline. Diese Nachfolge sichert die Fortsetzung des Coche-Dury-Erbes und verbindet Fachkenntnisse mit einem frischen Blick, um die hohen Standards und den Ruf des Domaines aufrechtzuerhalten.

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Warum Glenrothes-Fässer?
Geschichte
Im Jahr 1878 begannen die Bauarbeiten auf dem Gelände, das zuvor eine Sägemühle beherbergte. James Stewart initiierte den Bau der Brennerei, aber aufgrund finanzieller Schwierigkeiten übernahmen Robert Dick und William Grant und beendeten den Bau, um im Dezember 1879 mit der Produktion zu beginnen. Mit einer wachsenden Nachfrage nach Whisky schlossen sich Glenrothes und Bunnahabhain 1887 zusammen, um Highland Distillers zu gründen. Bis 1898 erreichte die jährliche Produktion 1,36 Millionen Liter, angetrieben durch zusätzliche Brennblasen.
Brände in den Jahren 1897 und 1922 sowie eine beinahe Zerstörung durch eine Explosion im Jahr 1903 stellten Herausforderungen dar. Trotz Rückschlägen wurde die Brennerei jedes Mal repariert oder neu aufgebaut. Die Prohibition, der Erste Weltkrieg und der Börsenkrach von 1929 führten zu einer vorübergehenden Einstellung der Produktion, aber Glenrothes erholte sich bald. Zusätzliche Brennblasen in den Jahren 1963 und 1979 sowie Veränderungen in den Heizmethoden kennzeichneten Expansionsphasen. Der Verkauf des Glenrothes Vintage 1979 im Jahr 1994 markierte einen Wendepunkt. Im Jahr 1999 erwarb die Edrington Group Highland Distillers, einschließlich Glenrothes.

Einzigartiger Reifungsprozess
Glenrothes zeichnet sich durch die Vermeidung einfacher Altersangaben wie 10, 12 oder 18 Jahre aus. Stattdessen ist die Brennerei für ihre Jahrgangsabfüllungen bekannt. Der Whisky reift in spanischen Sherryfässern, mit einem kleineren Anteil in amerikanischer Eiche, um eine ideale Aromenbalance zu erreichen. Aus den hohen Brennblasen entwickelt sich der leichte, reine und fruchtige Rohbrand zu einem Whisky mit einem reifen Bouquet aus Beeren und gezuckerten Früchten, der gelegentlich würzige oder florale Noten zeigt. Jede Glenrothes Jahrgangsabfüllung hat ein einzigartiges aromatisches Profil und stammt ausschließlich aus Whiskys, die im gleichen Jahr destilliert wurden.

Über die Jahrgänge hinaus
Neben den Kern-Jahrgangsabfüllungen bieten weitere Ausdrücke unter dem Label "Reserve", wie zum Beispiel Glenrothes Sherry Cask Reserve und Glenrothes Alba Reserve, vielfältige Geschmackserlebnisse.

Natürliche Umgebung
Die Glenrothes Distillery liegt am Fuß der Mannoch Hills und bezieht Wasser aus natürlichen Quellen namens Ardcanny und Brauchhill, die den Burn of Rothes speisen. Während die Mälzung ausgelagert wird, übernimmt Glenrothes das Mahlen, Maischen und Destillieren vor Ort. Bemerkenswert ist die eigene Böttcherei der Brennerei, eine Seltenheit in der heutigen Zeit.

Der Maischprozess
Glenrothes verwendet einen großen Maischebottich mit einem Kupferdeckel und einer Kapazität von 5 Tonnen. Bei jedem Maischvorgang werden drei Mal heiße Wasser zugeführt, um den Zucker aus der Gerste zu extrahieren. Das resultierende Würz wird dann gekühlt und in die Gärbehälter transferiert. Der dritte Wasserzyklus extrahiert den verbleibenden Zucker und wird im nächsten Maischvorgang wiederverwendet.

Destillationskunst
Zehn Pot Stills, bestehend aus fünf Wash Stills und fünf Spirit Stills, arbeiten paarweise und produzieren aufgrund ihrer hohen Form einen leichten, fruchtigen und eleganten Rohbrand. Der Mittellauf macht etwa 20% des Destillats aus und hat eine Stärke von 68-72% vol.

Einzigartige Füllung der Fässer
Glenrothes füllt die Fässer mit Rohbrand mit 68,9% vol, eine höhere Stärke im Vergleich zum Branchenstandard. Hauptsächlich werden Sherryfässer verwendet, um das fruchtige, aromatische Profil zu betonen, aber auch Bourbonfässer kommen zum Einsatz, um eine ausgewogene Geschmacksbalance zu erreichen. Der reifende Whisky wird sorgfältig überwacht und zum Zeitpunkt optimaler Reife für die Abfüllung ausgewählt.

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Raghav Babbars Kunstfertigkeit: Eine überzeugende Investitionsmöglichkeit

Künstlerische Einzigartigkeit und persönlicher Ausdruck
Raghav Babbar's Kunst sticht als überzeugende Investitionsoption hervor, aufgrund seiner einzigartigen Mischung aus zutiefst persönlichen figurativen Gemälden, die ihre Inspiration aus seinem indischen Erbe und den malerischen Techniken der britischen Kunst des mittleren 20. Jahrhunderts beziehen. Sein großzügiger Auftrag von Ölfarbe schafft eine reiche Textur, ein Zeugnis seiner Geduld beim Aufbau dicker Schichten. Während seine Technik und seine Beziehungen zu seinen Modellen Vergleiche mit britischen Künstlern aus der Vergangenheit hervorrufen, gibt es noch mehr zu entdecken.

Sanfte Gespräche mit den Modellen
Neben dem Investitionspotenzial von Raghavs Kunst zeichnen sich seine Interaktionen mit den Modellen durch ihre Sanftheit und Anmut aus, die sein eigenes ruhiges und bescheidenes Wesen widerspiegeln. Seine Modelle stammen oft aus seinem Freundes- und Familienkreis sowie aus dem Leben gewöhnlicher Menschen in Indiens vielfältiger Gesellschaft. Er besitzt die einzigartige Fähigkeit, sie mit bemerkenswerter Empathie und Sensibilität zu erheben und zu würdigen, und er erfasst die reinste Ausdrucksform von Emotionen während ihrer alltäglichen Handlungen.

Meisterschaft in Licht und Schatten
Raghavs Entscheidung, die Modelle im Tageslicht darzustellen, ist von der Lebensweise in Indien beeinflusst, um der drückenden Hitze in Innenräumen und der brennenden Sonne im Freien zu entgehen. Das diffuse Sonnenlicht, unter dem seine Modelle oft Schutz finden, wirft starke Schatten, die seinen Kompositionen eine tiefere emotionale Dimension verleihen.

Künstlerische Weiterentwicklung und vielfältige Techniken
Als junger Künstler befindet sich Raghavs Stil ständig im Wandel. Er setzt weiterhin geduldig Schichten von Ölfarbe auf, ein Prozess, der bis zu 15 Tage dauern kann, bevor die nächste Schicht aufgetragen wird. Allerdings erfordern bestimmte Motive einen dringenderen, spontanen und fast rhythmischen Ansatz, wodurch er Kreide mit den Ölfarben mischt, um den Prozess zu beschleunigen. Sein Repertoire erstreckt sich nun über einzelne Figuren hinaus und umfasst mehrfigurige Kompositionen, bei denen Formen und Gestalten nahtlos ineinander übergehen. Auch in Einzelfigurenkompositionen verwandelt sich das Gesicht des Modells manchmal in die Falten der Kleidung und die Formen des Hintergrunds, wodurch sich ein leicht abstrahiertes Muster ergibt, das Vielfalt und Tiefe in sein Werk einbringt.

Beeindruckende Auktionsergebnisse
Einer der überzeugenden Gründe, Raghav Babbars Kunst als Investition in Betracht zu ziehen, ist seine konstante Erfolgsbilanz bei Auktionen, bei denen seine Kunstwerke regelmäßig Preise erzielen, die um das 15-fache höher liegen als die geschätzten Werte. Dies macht seine Werke zu einer potenziell lukrativen Investitionsmöglichkeit. Das Werk "The Coal Seller" wurde auf EUR 22.543 geschätzt und kam für EUR 541.033 unter den Hammer bei Sotheby's.

Die künstlerische Reise von Raghav Babbar, von seinen Anfängen in Rohtak bis zu seinem Studium in Singapur und London, ist ein Beweis für sein Engagement und sein Talent. Mit einem ständig sich verändernden Stil und der einzigartigen Fähigkeit, die Essenz seiner Modelle einzufangen, bietet seine Kunst eine aufregende Investitionsmöglichkeit in der Welt der zeitgenössischen Kunst.

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