"Albert Willem ist ein belgischer Künstler, der im Alter von 36 Jahren mit dem Malen begann und sich schnell auf Instagram etablierte. Seine Arbeiten starteten im Mai 2022 auf dem Auktionsmarkt durch und erreichte bis zum Ende des Frühlings rapide einen Höchststand von 213.955 US-Dollar. Im Januar 2023 trieb ein Bieter den Rekord des Künstlers bei Sotheby's auf 295.219 US-Dollar." - James Kerbey, Experte bei Maddox Advisory


Warum Albert Willem?

Belgien (1979)
Albert Willem, ein zeitgenössischer figurativer Künstler aus Brüssel, ist bekannt für seine skurrilen Gemälde, die sich durch einen naiven Stil auszeichnen, der mit Witz und Humor durchdrungen ist. Obwohl er keine formale Kunstausbildung hatte, tauchte er in Galerien, Museen und die Kunstszene auf Social-Media-Plattformen ein. Obwohl er als Kind Talent zum Zeichnen zeigte, legte er die Kunst von seinem 12. bis zum 36. Lebensjahr aufgrund von Universitäts- und Familienverpflichtungen beiseite. Vor etwa vier Jahren entfachte er seine Leidenschaft neu, indem er ein Gemälde für seine Wohnkultur schuf, was einen Wendepunkt markierte, den er humorvoll als "Midlife-Krise" bezeichnet.

Künstlerischer Stil
Im Laufe der Zeit hat Willem verschiedene Medien und Techniken erforscht, von Nagellack über Sprühfarbe bis hin zur Textilkunst. Gegenwärtig verwendet er hauptsächlich Acrylfarbe mit einem Hochglanzlack, um lebendige Farben zu erzielen. Während die Mehrheit seiner Werke auf Leinwand sind, verwendet er auch recycelten Karton als Malgrund. Sein künstlerischer Prozess ist schnell, oft werden die Stücke innerhalb von höchstens 48 Stunden fertiggestellt. Über seine Kunstwerke
Seine Gemälde sind unkompliziert, manchmal wirken sie unfertig und zeigen kühn seine rudimentären technischen Fähigkeiten, während sie die rohe Energie eines Anfängers einfangen, der nicht durch künstlerische Konventionen eingeschränkt ist. Seine Werke stellen den Alltag auf eine humorvolle, aber ironische Weise dar und lassen sich oft von Künstlern wie LS Lowry, James Ensor und Breugel dem Älteren inspirieren, jedoch mit einem zeitgenössischen Twist. Willem hat seine Werke international in Deutschland, Russland und Belgien ausgestellt.

Die unendliche Conga
Im Januar 2021 begann Willem ein Projekt, eine ""nie endende Conga-Linie"" zu malen, indem er kontinuierlich weitere Kartonstücke mit Tanzfiguren verzierte, um ihre Länge zu verlängern. Das Kunstwerk kann zum Verkauf aufgeteilt werden, sodass Käufer Segmente des Tanzes besitzen und gemeinsam an der Kunst teilnehmen können.

Aufstrebender Stern
Willem führt einen Grossteil seiner künstlerischen Reise auf soziale Medien zurück und verbringt täglich Stunden damit, Kollegenkünstler zu beobachten und von ihnen zu lernen. Er glaubt, dass die Exposition gegenüber neuer Kunst seinen eigenen Stil ständig weiterentwickelt und ihn dazu treibt, mit verschiedenen Themen und Techniken zu experimentieren.

Präsenz bei Auktionen
Willem's rascher Aufstieg zum Ruhm war bemerkenswert, wobei seine Werke ständig die geschätzten Werte deutlich überschritten. Sein Debütgemälde, Pilgrim Street 8 (2021), wurde für 69.000 US-Dollar verkauft, weit über seinem geschätzten Wert von 8.000 bis 12.000 US-Dollar. Sein Rekordverkauf, Snowbound (2021), erzielte bei Sotheby's Hongkong erstaunliche 225.000 US-Dollar, obwohl der Schätzpreis bei 13.000 bis 19.000 US-Dollar lag. Die Hälfte der 14 bei Auktionen im Jahr 2022 verkauften Werke erzielte über 150.000 US-Dollar, trotz bescheidener Schätzungen.

Warum in American-Football-Karten von Panini investieren?

NFL / American Football ist der beliebteste Sport in den USA. Zum Beispiel beträgt die durchschnittliche Zuschauerzahl beim Super Bowl 123,4 Millionen, während die NBA-Finals nur 11,64 Millionen und die MLB-Weltserie 9,1 Millionen Zuschauer hat. Auch in Europa ist American Football beliebt. Das Spiel der Chiefs von Mahomes gegen die Dolphins von Tua fand in der letzten Saison in Deutschland statt. Einer der Gründe ist die intrinsische Anziehung des Sports, sowohl in Bezug auf die körperliche Intensität und dynamischen Spielzüge als auch auf die Spielstrategien und Matchups. Ein Spiel pro Woche und nahezu feste Zeitfenster machen es zu einem Muss in vielen Haushalten in den USA. Im Durchschnitt verfolgen 17,9 Millionen Menschen die Spiele der regulären Saison, was alle anderen Sportarten bei weitem übertrifft.

Panini Group
Wurde 1961 gegründet und ist seit 2009 im US-Kartenmarkt durch Panini America tätig. Seit 2009 hat Panini die exklusive Lizenz zur Produktion von NBA-Karten und seit 2016 auch zur Produktion von NFL-Karten. Das bedeutet, dass alle bisher lizenzierten Karten von Mahomes Panini-Karten sind.

Immaculate CollectionDies ist eine der Top 3 Panini-Auto-Patch-Highend-Marken und gilt als die prestigeträchtigste in Bezug auf ihre Herkunft. Der ursprüngliche Schöpfer von Immaculate ist auch der Schöpfer der Exquisite-Marke von Upper Deck, und seine Vision und Set-Zusammensetzung wurden seit der ersten Veröffentlichung im Basketball im Jahr 2012-13 eng verfolgt.

Premium Patch Brand
Dies ist eine der besten Panini-Auto-Patch-Marken, die ein großes Patch (Stück Sport-Memorabilia des Athleten) und eine On-Card-Autogramm des Athleten enthält. Die 1 von 1-Parallelversion ist die exklusivste und begehrteste Version. Mahomes hat insgesamt nur zwei Jahre Premium Patch 1/1 in Pro-Uniform, 2 im Rookie-Jahr 2017 und 2 im Jahr 2019, dem ersten Super-Bowl-Siegerjahr. Seit Mitte 2020 gibt es kein On-Card-Autogramm von Mahomes mehr. Die aktuelle angebotene Karte ist die erste Auto-Patch 1 von 1 im Jahr des ersten Meisterschaftsgewinns mit On-Card-Autogramm in einer der bekanntesten Premium-Patch-Marken der Top 3 Panini-Auto-Patch-Produkte mit der historisch besten Linie für den besten aktiven NFL-Spieler.

Design
Dies ist die erste Mahomes-Premium-Patch-Karte mit Acetat-Oberfläche, der hochwertigsten Ausführung einer Karte mit einem modernen Kunstgefühl. Acetat ist eine Art Kunststoff, der klar ist und oft in verschiedenen Anwendungen aufgrund seiner optischen Klarheit und Haltbarkeit verwendet wird. Im Kontext von Sammelkarten ist es ein transparenter Kunststoff, der verwendet wird, um der Karte ein unverwechselbares Aussehen und Gefühl zu verleihen. Das Patch zeigt ein riesiges NFL-Schild und einen Nike-Swoosh. Das Autogramm (Auto) wird auf dieser glatten Acetat-Oberfläche, die schwierig ist, perfekt bewertet mit 10 von BGS.
 

Warum in diese Patrick Mahomes-Karte investieren?

Mahomes' beste Karte, eine Auto-Patch-1of1-Karte, wurde für 4,3 Millionen Dollar verkauft. In der Welt der modernen Football-Sammelkarten (nach 2009) sind die besten Karten die Quarterback (QB)-Karten, die auch mit dem höchsten Gehalt des Teams übereinstimmen. 2020 unterzeichnete Mahomes einen 10-Jahres-Vertrag über 477 Millionen Dollar.

Eine Dominante NFL-Kraft
Mahomes ist der beste Spieler in der NFL. Er hat in seiner 7-jährigen NFL-Karriere 3 Super Bowls in 4 Super Bowl-Auftritten gewonnen, ist auf dem Weg, Bradys 7 Ringe in 23 Jahren zu erreichen, und hat die Chance, diese Saison dreimal hintereinander zu gewinnen, was in der NFL noch nie erreicht wurde. Er gewann sowohl den Super Bowl MVP als auch den MVP im Jahr 2022, zum ersten Mal seit 1999. Er gewann 2023 (letzte Saison) den Super Bowl in Folge, zum ersten Mal seit 2003. Mahomes' Rookie-Saison ist 2017, und er spielte nur ein Spiel (was ausreicht, damit das Team sich von dem vorherigen guten Quarterback trennt), und er war bereits MVP (wertvollster Spieler) mit 5097 Yards und 50 Touchdowns in seinem zweiten Jahr 2018 (seinem ersten Jahr als Starter), und gewann die Super Bowl-Meisterschaft in seinem dritten Jahr, dem Veröffentlichungsjahr dieser Karte.

Mahomes' Meisterschaftsära
Das erste Jahr des Meisterschaftsgewinns, das die Mahomes-Ära in der NFL einläutete, wo er seit dem vollständigen Start in alle 6 aufeinander folgenden AFC-Meisterschaftsspiele gegangen ist, 4 Super-Bowl-Auftritte und 3 Siege in seiner jungen Karriere. Dies macht Mahomes zur sichersten und aufregendsten aktiven NFL-Person zum Sammeln. Er ist bereit, diese Saison dreimal hintereinander zu gewinnen, was noch nie zuvor erreicht wurde und einen massiven Preisimpuls darstellt.

Exklusive On-Card-Autogramme und Patches
On-Card-Autogramm mit einem ansprechenden Patch/Tag und der höchsten Stufe 1 von 1 Parallelversion. Mahomes hat nur vier Premium-Patch-Karten in Pro-Uniform, 2 im Rookie-Jahr (mit astronomischen Preisen, wenn überhaupt verfügbar) und 2 im Jahr 2019, trotz 7 Jahren Kartenherstellung. Und Mahomes hat seit Mitte 2020 keine On-Card-Autogramme mehr unterschrieben. Dies macht diese Karte in allen Jahren extrem exklusiv in der Seltenheit und schützt vor weiterer Verwässerung (kein Autogramm seit Mitte 2020 und Fanatics übernimmt die Lizenz 2026).

Mahomes' Rekordbrechende
Mahomes hat im Alter von 28 Jahren in der Saison 7 bereits die dritthöchste Anzahl an Playoff-Siegen in der NFL-Geschichte (1 Sieg weniger als Montana), wenn ein QB bis zum Alter von 43 Jahren für 23 Saisons spielen kann. Mahomes ist 5. in den Playoff-Passing-Touchdowns und die Plätze 2-4 haben 16-20 Saisons gespielt, und er ist nur 4 Touchdowns hinter Platz 2. Mahomes ist Zweiter bei den Comebacks im vierten Viertel mit 5 (gleichauf mit Montana) in 7 Saisons, während Brady und Montana 23 bzw. 16 Saisons gespielt haben. Er ist äusserst zuverlässig in entscheidenden Momenten, präzise mit starken Armen und kann aus der Pocket heraus ausweichen, um zu kreieren. Sein Trainer Andy Reid wird weithin als einer der besten Football-Trainer angesehen. Mahomes hat die gleiche Anzahl an Ringen wie alle anderen aktiven Starting-QBs in der NFL (Rodgers, Stafford, Wilson), wenn wir in die Saison 2024 starten.

"Albert Willem ist ein belgischer Künstler, der im Alter von 36 Jahren mit dem Malen begann und sich schnell auf Instagram etablierte. Seine Arbeiten starteten im Mai 2022 auf dem Auktionsmarkt durch und erreichte bis zum Ende des Frühlings rapide einen Höchststand von 213.955 US-Dollar. Im Januar 2023 trieb ein Bieter den Rekord des Künstlers bei Sotheby's auf 295.219 US-Dollar." - James Kerbey, Experte bei Maddox Advisory


Warum Albert Willem?

Belgien (1979)
Albert Willem, ein zeitgenössischer figurativer Künstler aus Brüssel, ist bekannt für seine skurrilen Gemälde, die sich durch einen naiven Stil auszeichnen, der mit Witz und Humor durchdrungen ist. Obwohl er keine formale Kunstausbildung hatte, tauchte er in Galerien, Museen und die Kunstszene auf Social-Media-Plattformen ein. Obwohl er als Kind Talent zum Zeichnen zeigte, legte er die Kunst von seinem 12. bis zum 36. Lebensjahr aufgrund von Universitäts- und Familienverpflichtungen beiseite. Vor etwa vier Jahren entfachte er seine Leidenschaft neu, indem er ein Gemälde für seine Wohnkultur schuf, was einen Wendepunkt markierte, den er humorvoll als "Midlife-Krise" bezeichnet.

Künstlerischer Stil
Im Laufe der Zeit hat Willem verschiedene Medien und Techniken erforscht, von Nagellack über Sprühfarbe bis hin zur Textilkunst. Gegenwärtig verwendet er hauptsächlich Acrylfarbe mit einem Hochglanzlack, um lebendige Farben zu erzielen. Während die Mehrheit seiner Werke auf Leinwand sind, verwendet er auch recycelten Karton als Malgrund. Sein künstlerischer Prozess ist schnell, oft werden die Stücke innerhalb von höchstens 48 Stunden fertiggestellt. Über seine Kunstwerke
Seine Gemälde sind unkompliziert, manchmal wirken sie unfertig und zeigen kühn seine rudimentären technischen Fähigkeiten, während sie die rohe Energie eines Anfängers einfangen, der nicht durch künstlerische Konventionen eingeschränkt ist. Seine Werke stellen den Alltag auf eine humorvolle, aber ironische Weise dar und lassen sich oft von Künstlern wie LS Lowry, James Ensor und Breugel dem Älteren inspirieren, jedoch mit einem zeitgenössischen Twist. Willem hat seine Werke international in Deutschland, Russland und Belgien ausgestellt.

Die unendliche Conga
Im Januar 2021 begann Willem ein Projekt, eine ""nie endende Conga-Linie"" zu malen, indem er kontinuierlich weitere Kartonstücke mit Tanzfiguren verzierte, um ihre Länge zu verlängern. Das Kunstwerk kann zum Verkauf aufgeteilt werden, sodass Käufer Segmente des Tanzes besitzen und gemeinsam an der Kunst teilnehmen können.

Aufstrebender Stern
Willem führt einen Grossteil seiner künstlerischen Reise auf soziale Medien zurück und verbringt täglich Stunden damit, Kollegenkünstler zu beobachten und von ihnen zu lernen. Er glaubt, dass die Exposition gegenüber neuer Kunst seinen eigenen Stil ständig weiterentwickelt und ihn dazu treibt, mit verschiedenen Themen und Techniken zu experimentieren.

Präsenz bei Auktionen
Willem's rascher Aufstieg zum Ruhm war bemerkenswert, wobei seine Werke ständig die geschätzten Werte deutlich überschritten. Sein Debütgemälde, Pilgrim Street 8 (2021), wurde für 69.000 US-Dollar verkauft, weit über seinem geschätzten Wert von 8.000 bis 12.000 US-Dollar. Sein Rekordverkauf, Snowbound (2021), erzielte bei Sotheby's Hongkong erstaunliche 225.000 US-Dollar, obwohl der Schätzpreis bei 13.000 bis 19.000 US-Dollar lag. Die Hälfte der 14 bei Auktionen im Jahr 2022 verkauften Werke erzielte über 150.000 US-Dollar, trotz bescheidener Schätzungen.

Die Künstlerische Reise von Elitsa Ristova
Elitsa Ristova, geboren 1991, ist nicht nur eine Malerin, sondern auch eine kürzlich promovierte Masterabsolventin mit Wohnsitz in London. Ihr künstlerischer Fokus liegt hauptsächlich auf der Porträtmalerei, die als Linse dient, durch die sie die vielfältige und facettenreiche Natur einer Stadt im 21. Jahrhundert nach der Pandemie enthüllt.

Wurzeln der Künstlerischen Leidenschaft
Aus einer ländlichen Stadt in Nordmazedonien stammend, blühte Elitsa Ristovas Leidenschaft für die Kunst schon früh auf. Ermutigt von ihrer Mutter begab sie sich auf eine Reise der künstlerischen Entdeckung durch private Kunstklassen. Dieser anfängliche Funke führte sie dazu, noch tiefer in die Welt der bildenden Künste an der Goce-Delčev-Universität von Štip einzutauchen. Auf der Suche danach, ihre künstlerischen Horizonte zu erweitern, traf sie schließlich die transformative Entscheidung, nach London zu ziehen, wo sie ihr Studium am London College of Contemporary Arts (LCCA) fortsetzte.

Eine Produktive Ausstellungsgeschichte
Elitsa Ristovas Ausstellungsgeschichte ist geprägt von bemerkenswerten Erfolgen. Im Jahr 2021 kuratierte sie ihre Soloausstellung mit dem Titel 'Equanimity of the Mind' als Künstlerin im Residence am LCCA. Darüber hinaus beteiligte sie sich aktiv an verschiedenen Gruppenausstellungen, wie 'In a New Light', kuratiert von Art City Works, 'Wounds', einer gemeinsamen Ausstellung und Musikveranstaltung mit BURST LDN, und 'A Sea of White Shirts + Communicating Ideas', einer Gruppenausstellung am LCCA.

Anerkennung in der Kunstwelt
Im Jahr 2021 erreichte Elitsa Ristova einen bedeutenden Meilenstein mit ihrer ersten Soloausstellung 'Equanimity of the Mind' am London College of Contemporary Arts als Künstlerin im Residence. Ihre Beiträge erstrecken sich über vielfältige Gruppenausstellungen, darunter die bemerkenswerte 'In A New Light' in London von August bis September 2021.

Repräsentation und Debüt bei Auktionen
Derzeit wird Elitsa Ristova von Waterhouse & Dodd in London und New York vertreten und hat ihre Präsenz in der Kunstwelt gefestigt. 'It’s just a thought' markiert Ristovas Debüt bei Auktionen und signalisiert ein neues Kapitel in ihrer künstlerischen Reise.

Kunst als Transformative Odyssee
Elitsa Ristova drückt ihre künstlerische Philosophie auf beeindruckende Weise aus: "Durch die Kunst begebe ich mich auf eine transformative Odyssee, entwirre die inneren und äußeren Dimensionen des Daseins, entdecke neue Facetten meiner selbst. Sie bietet mir eine Leinwand, um meine Gedanken und Emotionen frei auszudrücken, gewährt mir Trost und eine tiefe Verbindung zur Welt um mich herum."

Beeindruckende Auktionsergebnisse
Einer der überzeugenden Gründe, Elitsa Ristovas Kunst als Investition zu betrachten, ist ihre konsequente Erfolgsbilanz bei Auktionen, die weit über den ursprünglichen Schätzungen liegen. Im Durchschnitt erzielt ihre Kunstwerke Preise, die zehnmal höher sind als die geschätzten Werte, was ihre Werke zu einer potenziell lukrativen Investitionsmöglichkeit macht.

"Diese LEGO-Sammlung aus privater Hand bietet eine beeindruckende Auswahl an seltenen und begehrten Sets der vergangenen Dekade. Durch die sehr breit gefächerte Setauswahl aus verschiedenen beliebten Themenwelten, ist eine hervorragende Diversifikation sichergestellt. Ganz besondere Highlights dieser 134 Einzelsets umfassenden Sammlung sind LEGO Ideas Alter Angelladen (21310) von 2017 sowie zahlreiche Creator Expert Sets, z.B. LEGO Creator Expert Feuerwache (10197) und LEGO Creator Expert Rathaus (10224)." - André Schulze, GOLDSTEIN.SHOP


Eine Wertvolle Investition in LEGO-Sammlungen
Der Erwerb einer LEGO-Sammlung im neuwertigen Zustand, bestehend aus 134 Sets, zu einem Rabatt von über 5 % stellt eine außergewöhnliche Investitionsmöglichkeit dar. Diese vielfältige Sammlung umfasst eine breite Palette von Themen und ikonischen Sets, die sie nicht nur für Enthusiasten zu einem leidenschaftlichen Projekt machen, sondern auch zu einem strategischen Anlagevermögen mit erheblichem Wertsteigerungspotenzial. Die Sets sind gut ausbalanciert, wobei einige bereits aus dem Sortiment genommen wurden und andere voraussichtlich im kommenden Jahr diesen Status erreichen werden, was sowohl zum sofortigen Wert als auch zur zukünftigen Preisstabilität beiträgt.

Ikonische Creator Expert Sets
Die Creator Expert-Serie ist bekannt für ihre ausgeklügelten Designs und Detailgenauigkeit, die oft ikonische Gebäude und Fahrzeuge darstellen. Sets wie der 10255 Stadtleben, das 10246 Detektivbüro und die 10278 Polizeistation sind nicht nur visuell beeindruckend, sondern haben auch erheblichen Wert, da sie oft aus dem Sortiment genommen werden und ihre Seltenheit erhöhen. Diese Sets sprechen erwachsene Sammler an, die die Komplexität und Nostalgie dieser Modelle schätzen.

Themen-Sets aus beliebten Franchises
Die Einbeziehung von Themen-Sets aus beliebten Franchises wie Star Wars, Harry Potter und Marvel Super Heroes in Ihre Sammlung erhöht die Attraktivität erheblich. Diese Sets, wie der 75192 Millennium Falcon und das 71043 Schloss Hogwarts, sind bei Fans und Sammlern gleichermaßen gefragt. Die anhaltende Beliebtheit dieser Franchises stellt sicher, dass die Nachfrage nach diesen Sets hoch bleibt, insbesondere wenn sie schwerer zu finden sind.

Exklusive und saisonale Sets
Die Präsenz von exklusiven und saisonalen Sets wie 40274 Herr und Frau Weihnachtsmann, 75827 Ghostbusters Feuerwehrhauptquartier und 40410 Hommage an Charles Dickens verleiht der Sammlung einen einzigartigen Charakter. Diese Sets haben oft begrenzte Produktionsläufe, was sie auf dem Sekundärmarkt sehr begehrt macht.

Gut ausbalancierte Sammlung für Preisstabilität
Eine der Stärken dieser Sammlung ist ihre Balance zwischen Sets, die bereits aus dem Sortiment genommen wurden (EOL), und solchen, die diesen Status in naher Zukunft erreichen werden. Die Einbeziehung von EOL-Sets erhöht den sofortigen Wert aufgrund ihrer Knappheit, während Sets, die voraussichtlich bald EOL werden, exzellentes Wachstumspotenzial bieten. Diese Mischung bietet sowohl Preisstabilität als auch zukünftige Wertsteigerung und macht sie zu einer klugen Investition.

Investition in Innovation und Geschichte
LEGO's Zusammenarbeit mit renommierten Marken und kulturellen Ikonen, vertreten durch Sets wie 21309 NASA Apollo Saturn V und 40595 Hommage an Galileo Galilei, zeigt ihr Engagement für Innovation und historische Bedeutung. Diese Sets ziehen eine breite Palette von Sammlern an, von Weltraum-Enthusiasten bis hin zu Geschichtsinteressierten, und erweitern so den Markt für diese Sammlerstücke.

In dieser Sammlung enthaltene Sets
Hier ist die Liste der LEGO-Sets, die in diesem Anlageportfolio enthalten sind:

10197 Creator Expert - Feuerwache
10211 Creator Expert - Grosses Kaufhaus
10218 Creator Expert - Zoohandlung
10224 Creator Expert - Rathaus
10232 Creator Expert - Palace Cinema
10243 Creator Expert - Pariser Restaurant
10246 Creator Expert - Detektivbüro
10251 Creator Expert - Steine-Bank
10253 Creator Expert - Big Ben
10254 Creator Expert - Festlicher Weihnachtszug
10255 Creator Expert - Stadtleben
10259 Creator Expert - Winterlicher Bahnhof
10260 Creator Expert - Amerikanisches Diner
10262 Creator - James Bond Aston Martin DB5
10263 Creator Expert - Winterliche Feuerwache
10264 Creator Expert - Eckgarage
10265 Creator - Ford Mustang
10266 Creator - NASA Apollo 11 Mondlandefähre
10267 Creator Expert - Lebkuchenhaus
10269 Creator - Harley-Davidson Fat Boy
10270 Creator Expert - Buchhandlung
10273 Creator Expert - Geisterhaus auf dem Jahrmarkt
10278 Creator Expert - Polizeistation
10283 NASA - Spaceshuttle «Discovery»
10297 Creator Expert - Boutique-Hotel
10312 Creator Expert - Jazzclub
10326 Creator Expert - Naturhistorisches Museum
21309 NASA - Apollo Saturn V
21310 Ideas - Alter Angelladen
21313 Ideas - Schiff in der Flasche
21316 Ideas - The Flintstones – Familie Feuerstein
21318 Ideas - Baumhaus
21320 Ideas - Dinosaurier-Fossilien
21321 Ideas - Internationale Raumstation
21322 Ideas - Piraten der Barracuda-Bucht
21330 Ideas - Home Alone
31097 Creator - Stadthaus mit Zoohandlung & Café
31105 Creator - Spielzeugladen im Stadthaus
31109 Creator - Piratenschiff
40274 Seasonal - Herr und Frau Weihnachtsmann
40293 Seasonal - Weihnachtskarussell
40333 Star Wars - Die Schlacht um Hoth – Mikromodell
40334 Avengers - Avengers Tower
40338 Seasonal - Weihnachtsbaum
40362 Star Wars - Die Schlacht von Endor – Mikromodell
40407 Star Wars - Schlacht um den zweiten Todesstern
40409 Hot Rod - Hot Rod
40410 Hommage an Charles Dickens - Hommage an Charles Dickens
40433 DC Super Heroes - 1989 Batmobile – Limitierte Auflage
40448 Ideas - Oldtimer
40583 Ideas - Häuser der Welt 1
40595 Hommage an Galileo Galilei - Hommage an Galileo Galilei
42078 Technic - Mack Anthem
42083 Technic - Bugatti Chiron
42096 Technic - Porsche 911 RSR
70839 Lego Movie 2 - Die Rexcelsior!
70840 Lego Movie 2 - Willkommen in Apokalypstadt
71042 Disney - Pirates of the Caribbean Silent Mary
71043 Harry Potter - Schloss Hogwarts
71044 Disney - Disney Zug mit Bahnhof
75058 Star Wars - MTT
75060 Star Wars - Slave I
75144 Star Wars - Snowspeeder
75159 Star Wars - Death Star
75180 Star Wars - Rathtar Escape
75181 Star Wars - Y-Wing Starfighter
75188 Star Wars - Resistance Bomber
75190 Star Wars - First Order Star Destroyer
75192 Star Wars - Millennium Falcon
75199 Star Wars - General Grievous Combat Speeder
75200 Star Wars - Ahch-To Island Training
75212 Star Wars - Kessel Run Millennium Falcon
75216 Star Wars - Snokes Thronsaal
75220 Star Wars - Sandcrawler
75221 Star Wars - Imperiale Landefähre
75223 Star Wars - Naboo Starfighter – Microfighters
75224 Star Wars - Sith Infiltrator – Microfighters
75225 Star Wars - Elite Praetorian Guard – Battle Pack
75226 Star Wars - Inferno Squad – Battle Pack
75243 Star Wars - Slave I – 20 Jahre LEGO Star Wars
75244 Star Wars - Tantive IV
75249 Star Wars - Widerstands Y-Wing Starfighter
75252 Star Wars - Imperialer Sternenzerstörer
75254 Star Wars - AT-ST-Räuber
75256 Star Wars - Kylo Rens Shuttle
75257 Star Wars - Millennium Falcon
75259 Star Wars - Snowspeeder – 20 Jahre LEGO Star Wars
75262 Star Wars - Imperial Dropship – 20 Jahre LEGO Star Wars
75265 Star Wars - T-16 Skyhopper vs Bantha – Microfighters
75266 Star Wars - Sith Troopers – Battle Pack
75267 Star Wars - Mandalorianer – Battle Pack
75270 Star Wars - Obi-Wans Hütte
75272 Star Wars - Sith TIE Fighter
75273 Star Wars - Poe Damerons X-Wing Starfighter
75275 Star Wars - A-Wing Starfighter
75280 Star Wars - Clone Troopers der 501. Legion
75288 Star Wars - AT-AT
75290 Star Wars - Mos Eisley Cantina
75314 Star Wars - Angriffsshuttle aus The Bad Batch
75810 Stranger Things - Die andere Seite
75827 Ghostbusters - Feuerwehr-Hauptquartier
75948 Harry Potter - Hogwarts Uhrenturm
75954 Harry Potter - Die grosse Halle von Hogwarts
75955 Harry Potter - Hogwarts Express
75969 Harry Potter - Astronomieturm auf Schloss Hogwarts
76042 Marvel Super Heroes - The Shield Helicarrier
76099 Marvel Super Heroes - Rhino – Entscheidung an der Mine
76103 Marvel Super Heroes - Corvus Glaives Attacke
76105 Marvel Super Heroes - Der Hulkbuster: Ultron Edition
76108 Marvel Super Heroes - Sanctum Sanctorum – Der Showdown
76124 Marvel Avengers - War Machine Buster
76125 Marvel Avengers - Iron Mans Werkstatt
76126 Marvel Avengers - Ultimativer Avengers-Quinjet
76131 Marvel Avengers - Avengers-Hauptquartier
76139 DC Super Heroes - 1989 Batmobile
76161 DC Super Heroes - 1989 Batwing
Diese Sammlung bietet nicht nur einen Einblick in die reiche Vielfalt der LEGO-Themen, sondern stellt auch eine solide Investition dar, die mit einer gut ausbalancierten Auswahl an Sets versehen ist, die sicher an Wert gewinnen werden. Ob Sie ein erfahrener Sammler oder ein Neuling sind, diese kuratierte Auswahl bietet ein ausgewogenes und ansprechendes Portfolio.

Warum in Baseball-Karten von Topps investieren?
Die Entwicklung der Baseball-Karten
Baseball war einst als Amerikas Freizeitbeschäftigung bekannt. Heute sind die beiden teuersten Sportkarten hochgradige Baseballkarten, was die anhaltende Beliebtheit von Baseballkarten unterstreicht, auch wenn sie früher oft allgemein als „Baseballkarten“ bezeichnet wurden.

Topps und sein Erbe
Topps, 1938 gegründet und 1956 den Rivalen Bowman erworben, wurde 2022 von Fanatics übernommen, wobei der Name und das Team beibehalten wurden. Die teuerste öffentlich verkaufte Sportkarte ist eine 1952 Topps Mickey Mantle in hoher Qualität.

Topps' Exklusivlizenz für MLB
Seit 2009 besitzt Topps die exklusive Lizenz für MLB-Baseballkarten. Es ist einer der drei großen lizenzierten Kartenhersteller für moderne Karten. Panini hat exklusive Rechte für NBA- und NFL-Karten, während Upper Deck NHL-Karten abdeckt.

Refraktorkarten und ihre Anziehungskraft
Topps ist bekannt für seine Refraktorkarten und Refraktor-Autogrammkarten, die 1996-97 eingeführt wurden. Diese Karten zeichnen sich durch eine Chrome-Textur aus, die durch verschiedene parallele Farben visuell verstärkt wird. Die ersten Refraktor-Autogramme stammten von Bowman's Best Atomic Refractor Auto aus dem Jahr 1997.

Die Bedeutung der Bowman Chrome-Karten
Die beste moderne MLB-Baseballkarte ist oft das erste Erscheinen in Bowman Chrome mit einem Autogramm, das normalerweise 2-3 Jahre vor dem professionellen Debüt eines Spielers veröffentlicht wird. Dies ermöglicht es Sammlern, in Spieler zu investieren, bevor sie große Aufmerksamkeit erlangen. Shohei Ohtani ist einzigartig, da er direkt aus Japan in die MLB kam, ohne durch die Minor Leagues zu gehen, was seine Bowman Chrome-Karte sowohl zu einer Rookie-Karte als auch zu einer Autogrammkarte macht.

Warum in diese Shohei Ohtani-Karte investieren?
Shohei Ohtanis Einfluss
Shohei Ohtani gilt als das Gesicht des Baseballs und wird oft mit Babe Ruth verglichen und übertrifft ihn aufgrund seiner außergewöhnlichen Fähigkeiten im Pitching und Hitting. Er hat 28 Rekorde gebrochen, die seit Babe Ruths Zeit bestanden, und kürzlich den größten Sportvertrag aller Zeiten unterschrieben, als er zu den Los Angeles Dodgers wechselte.

Eigenschaften der aktuellen Karte
Beste Karte von Ohtani: Die 2018 Bowman Chrome Auto mit der Pitching-Pose ist Ohtanis beste Karte. Es war die erste Bowman Chrome-Karte mit einem Autogramm und kommt in verschiedenen seltenen Parallelen. Unsere Karte ist eine von nur 430 Exemplaren.

Historische Bedeutung: Diese Karte ist eine Bowman Atomic Refractor Auto, das erste Refraktor-Autogramm überhaupt, was ihr historischen Wert verleiht.

Besondere Seriennummern: Die Karte ist eine von nur drei mit speziellen Seriennummern (1/100, 17/100, 100/100), wobei 100/100 Perfektion symbolisiert und auch auf Ohtanis Karrieremeilenstein von 200 Home Runs hinweist.

Einzigartigkeit: Unter Ohtanis 2018 Rookie-Autogrammkarten ist diese Karte einzigartig, da sie die einzige /100-Version ist, was Exklusivität und hohen Wert symbolisiert.

Vergleich mit anderen Parallelen: Die Parallelkarte der aktuellen Karte ist exklusiver und hochwertiger im Vergleich zu späteren Veröffentlichungen und Varianten.

Zukünftige Markttrends: Topps-Karten werden wahrscheinlich gefragter, da Fanatics 2026 die Lizenzen übernimmt, was frühe Topps-Refraktorkarten wertvoller machen wird.

Begehrlichkeit der Autogramme: Ohtanis frühe, vollständige Autogramme sind sehr begehrt, da sich sein Signaturstil verändert hat und weniger reproduzierbar ist.

Universelle Anziehungskraft: Ohtanis duales Talent und globale Anziehungskraft machen seine Karten sehr begehrt. Seine Leistung im World Baseball Classic 2023, die von einem bedeutenden Teil der japanischen Bevölkerung verfolgt wurde, zeigt seine breite Fangemeinde.

Warum in Domaine Romanée Conti investieren?

Geschichte und Eigentümerschaft
Domaine de la Romanée Conti wird von den Familien de Villaine und Leroy/Roch mitverwaltet. Die de Villaine-Familie sind die Nachfolger von Jacques-Marie Duvault-Blochet, der 1869 das Weingut La Romanée Conti kaufte. Die Leroy/Roch-Familie erwarb 1942 die Anteile der anderen Nachkommen von Duvault-Blochet. Heute wird das Weingut von Aubert de Villaine geleitet. In Burgund wird 'DRC' oft einfach als "das Weingut" bezeichnet.

Weinberge und Besitz
Das Weingut besitzt 25 Hektar Weinberge, allesamt Grand Crus. Neben dem 1,8 Hektar grossen Monopol La Romanée Conti erwarb das Weingut 1933 das andere Monopol La Tâche sowie bedeutende Anteile an den Grand Crus von Richebourg, Romanée-St-Vivant, Grands Échezeaux, Échezeaux und Le Montrachet. Domaine de la Romanée Conti ist der grösste Besitzer jeder dieser roten Grand Crus.

Weinbauphilosophie
Die Weine werden von Alexandre Bernier hergestellt, der Bernard Noblet nachfolgte. Es werden ganze Trauben verwendet (ohne Entrappung) und eine lange Gärungszeit ohne übermässige Hitze angewandt. Die Erträge sind extrem niedrig, und die Weinherstellung ist traditionell und perfektionistisch. Diese Weine gehören nicht nur zu den prächtigsten Burgunds, sondern sind sicherlich auch die stilvollsten. Jacques-Marie Duvault-Blochet, ein Vorfahre, setzte sich dafür ein, spät zu ernten, um optimale Reife zu gewährleisten, eine Philosophie, der seine Nachfahren bis heute folgen.

Rückblick auf alte Jahrgänge
DRC erzielt eine durchschnittliche jährliche Wachstumsrate (CAGR) zwischen 10 und 17%.

Hohe Nachfrage
Das Romanee-Conti, das herausragendste Wein im DRC-Sortiment, ist seit 2012 der zweitteuerste Wein der Welt, mit einem Durchschnittspreis von fast 19.000 £ pro Flasche. Dies liegt hauptsächlich an der geringen Produktionsmenge (weniger als 500 Kisten pro Jahr), was garantiert, dass die Nachfrage bei weitem nicht gedeckt wird. Sein internationaler Ruf und Prestige sind unübertroffen. Als Monopol des DRC erzielt es regelmässig astronomische Preise bei Veröffentlichung.

Konstantes Marktwachstum
Der Burgunderweinmarkt hat ein starkes und konstantes Wachstum gezeigt. Im Jahr 2022 wuchs der Burgundy 150 Index von Liv-Ex im ersten Quartal um 14,62% und im zweiten Quartal um weitere 6,69% (Quelle). Burgund ist die einzige Region, die in den letzten drei Jahren durchschnittlich zweistellige jährliche Renditen erzielt hat.

Warum solltest du in die Gemälde von Duncan McCormick investieren?

Enthüllung von Duncan McCormicks Optimistischen Schöpfungen

Eine Vision von Positivität auf Leinwand:
Tauche ein in die Welt von Duncan McCormicks Kunst, wo bewusste Positivität durch seine Pinselstriche Form annimmt. Mit jedem Strich haucht er Bildern Leben ein, die Erinnerungen an freudige Tagträume wecken. Von Kindheitserlebnissen entlang der Küste von Salcombe Bay in Devon, die an Kalifornien und das Mittelmeer erinnern, bis zur Neugestaltung von schneebedeckten schottischen Berglandschaften als alpine Wunder und der Verwandlung vergessener Strassen und verlassener Gärten in von der Sonne durchflutete Heiligtümer.

Expressiver Prozess und Leuchtendes Farbschema:
McCormicks künstlerischer Prozess beginnt mit sanften Pigmentschichten, die er schnell mit Acrylfarbe überzieht, um die Spontaneität seiner Arbeit einzufangen. Sein Hauptaugenmerk liegt auf der Erfassung der Lebendigkeit der Farben auf Leinwand. Das Ergebnis ist eine Kollektion, die mit lebendigen und leuchtenden Tönen durchdrungen ist und die traumhafte Qualität jedes Meisterwerks verstärkt.

Kunst als Reaktion auf Veränderung:
Diese Kunstwerke bieten eine bewusste Antwort auf die Ära von Covid-19 und ihre resultierenden Lockdown-Massnahmen. Nach der Feier seiner Hochzeit und der Geburt von Zwillingen tauschte McCormick die Vororte von London gegen die ruhigen Landschaften von North Shropshire. Die Isolation der Pandemie veranlasste einen Wechsel von komplexen, symbolbeladenen Erzählungen zu einfacheren, absichtlich eskapistischen Szenen in Acrylfarbe.

Die Künstlerische Reise von Duncan McCormick:
Geboren in Birmingham im Jahr 1977, begann Duncan McCormicks künstlerische Reise an der Hallfield Preparatory School und setzte sich am Ellesmere College in Shropshire fort. Sein angeborenes künstlerisches Talent führte ihn zu einem Grundstudium am Bournville College in Birmingham, das in einem Abschluss in Kunst und Drama am St. Martin's College in Lancaster gipfelte. Während seiner Karriere hat McCormick seine künstlerischen Bestrebungen mit seinem Lebensunterhalt in Einklang gebracht. Zunächst arbeitete er im Theater, bevor er sich als professioneller Druckgrafiker etablierte, ausgestattet mit seiner eigenen Siebdruckpresse. Seine Werke schmücken nun renommierte private und Unternehmenssammlungen, darunter ein Auftrag von Morgan Stanley im Jahr 2018 für eine Serie von 11 Gemälden, die in ihren Büros in Canary Wharf ausgestellt wurden. In letzter Zeit erzielt seine Kunst beeindruckende Preise bei Auktionen und zieht Bieter aus Taiwan, der Türkei, Hongkong, Europa und Amerika an.

Die Künstlerische Entwicklung geht weiter:
Durch den bedeutenden Einfluss des renommierten David Hockney steht McCormicks Stil kurz davor, sich in ähnlich ikonischen Sphären zu entwickeln, was seine Kunstwerke zu einer vielversprechenden Investitionsmöglichkeit macht. Während jeder Pinselstrich weiterhin Geschichten von Optimismus und Schönheit webt, erwäge, dich uns auf dieser Reise der Kunst und des Potenzials anzuschliessen. Entdecke den fesselnden Zauber von Duncan McCormicks Kunst und die Möglichkeiten, die sie birgt.

Warum solltest du in die Gemälde von Duncan McCormick investieren?

Enthüllung von Duncan McCormicks Optimistischen Schöpfungen

Eine Vision von Positivität auf Leinwand:
Tauche ein in die Welt von Duncan McCormicks Kunst, wo bewusste Positivität durch seine Pinselstriche Form annimmt. Mit jedem Strich haucht er Bildern Leben ein, die Erinnerungen an freudige Tagträume wecken. Von Kindheitserlebnissen entlang der Küste von Salcombe Bay in Devon, die an Kalifornien und das Mittelmeer erinnern, bis zur Neugestaltung von schneebedeckten schottischen Berglandschaften als alpine Wunder und der Verwandlung vergessener Strassen und verlassener Gärten in von der Sonne durchflutete Heiligtümer.

Expressiver Prozess und Leuchtendes Farbschema:
McCormicks künstlerischer Prozess beginnt mit sanften Pigmentschichten, die er schnell mit Acrylfarbe überzieht, um die Spontaneität seiner Arbeit einzufangen. Sein Hauptaugenmerk liegt auf der Erfassung der Lebendigkeit der Farben auf Leinwand. Das Ergebnis ist eine Kollektion, die mit lebendigen und leuchtenden Tönen durchdrungen ist und die traumhafte Qualität jedes Meisterwerks verstärkt.

Kunst als Reaktion auf Veränderung:
Diese Kunstwerke bieten eine bewusste Antwort auf die Ära von Covid-19 und ihre resultierenden Lockdown-Massnahmen. Nach der Feier seiner Hochzeit und der Geburt von Zwillingen tauschte McCormick die Vororte von London gegen die ruhigen Landschaften von North Shropshire. Die Isolation der Pandemie veranlasste einen Wechsel von komplexen, symbolbeladenen Erzählungen zu einfacheren, absichtlich eskapistischen Szenen in Acrylfarbe.

Die Künstlerische Reise von Duncan McCormick:
Geboren in Birmingham im Jahr 1977, begann Duncan McCormicks künstlerische Reise an der Hallfield Preparatory School und setzte sich am Ellesmere College in Shropshire fort. Sein angeborenes künstlerisches Talent führte ihn zu einem Grundstudium am Bournville College in Birmingham, das in einem Abschluss in Kunst und Drama am St. Martin's College in Lancaster gipfelte. Während seiner Karriere hat McCormick seine künstlerischen Bestrebungen mit seinem Lebensunterhalt in Einklang gebracht. Zunächst arbeitete er im Theater, bevor er sich als professioneller Druckgrafiker etablierte, ausgestattet mit seiner eigenen Siebdruckpresse. Seine Werke schmücken nun renommierte private und Unternehmenssammlungen, darunter ein Auftrag von Morgan Stanley im Jahr 2018 für eine Serie von 11 Gemälden, die in ihren Büros in Canary Wharf ausgestellt wurden. In letzter Zeit erzielt seine Kunst beeindruckende Preise bei Auktionen und zieht Bieter aus Taiwan, der Türkei, Hongkong, Europa und Amerika an.

Die Künstlerische Entwicklung geht weiter:
Durch den bedeutenden Einfluss des renommierten David Hockney steht McCormicks Stil kurz davor, sich in ähnlich ikonischen Sphären zu entwickeln, was seine Kunstwerke zu einer vielversprechenden Investitionsmöglichkeit macht. Während jeder Pinselstrich weiterhin Geschichten von Optimismus und Schönheit webt, erwäge, dich uns auf dieser Reise der Kunst und des Potenzials anzuschliessen. Entdecke den fesselnden Zauber von Duncan McCormicks Kunst und die Möglichkeiten, die sie birgt.

Wer ist Jannis Kounellis (1936-2017)?

Geboren 1936 in Piräus, Griechenland, war eine prägende Figur der zeitgenössischen Kunst, besonders bekannt für seine Beiträge zur Arte Povera Bewegung. Sein innovativer Einsatz von Materialien und die Erforschung sozialer, historischer und kultureller Themen machten ihn zu einem Schlüsselkunstler des 20. und frühen 21. Jahrhunderts.
Kounellis zog 1956 nach Rom, um an der Accademia di Belle Arti zu studieren, wo er sich in das reiche künstlerische und kulturelle Erbe Italiens vertiefte. Dieser Umzug markierte den Beginn seines lebenslangen Engagements mit der europäischen Avantgarde-Kunstszene.

Arte Povera
Ende der 1960er Jahre wurde Kounellis mit der Arte Povera Bewegung assoziiert, einer Gruppe italienischer Künstler, die die Kommerzialisierung und den Materialismus der zeitgenössischen Kunst in Frage stellten. Der Begriff ""Arte Povera"", geprägt von Kunstkritiker Germano Celant, bedeutet ""arme Kunst"" und spiegelt den Einsatz einfacher, alltäglicher Materialien wider, um tiefgründige und nachdenkliche Werke zu schaffen. Kounellis' Kunst in dieser Zeit war durch die Verwendung unkonventioneller Materialien wie Kohle, Sackleinen, Stahl und lebende Tiere gekennzeichnet. Seine Installationen kombinierten oft diese Materialien auf eine Weise, die ein Gefühl von Geschichte, Erinnerung und kultureller Identität hervorrief. Eines seiner ikonischsten Werke ist die Installation ""12 Pferde"" von 1969, in der er zwölf lebende Pferde in einen Galerieraum brachte und so die Ausstellung in ein kraftvolles, lebendiges Kunstwerk verwandelte. Obwohl die meisten seiner Werke dreidimensional und aus vorgefertigten Objekten (und manchmal sogar lebenden Dingen – Pferden, Vögeln und Menschen) bestanden, bestand Kounellis immer darauf, dass er in erster Linie ein Maler war.

Stil
Kounellis' Arbeit erforschte häufig Themen wie Vertreibung, Migration und das Zusammentreffen verschiedener Kulturen. Seine eigene Erfahrung als Grieche in Italien beeinflusste einen Grossteil seiner Kunst, die oft die breitere menschliche Bedingung und die Kämpfe marginalisierter Gemeinschaften widerspiegelte. Mit einer Praxis, die über sechzig Jahre dauerte, wurde Kounellis von Künstlern wie Alberto Burri, Lucio Fontana, Jackson Pollock und Franz Kline beeinflusst. Der Künstler starb 2017.

Ausstellungen
Im Laufe seines Lebens war Kounellis Gegenstand bedeutender Retrospektiven, darunter das Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris im Jahr 1980, das Museum of Contemporary Art in Chicago im Jahr 1986 und das Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía in Madrid im Jahr 1996. Kounellis nahm an internationalen Ausstellungen wie der Pariser Biennale in den Jahren 1967 und 1969, der Istanbuler Biennale 1993, der Sydney Biennale 2008 und der Biennale von Venedig teil, wo seine Werke neunmal ausgestellt wurden: 1972, 1974, 1976, 1978, 1980, 1984, 1988, 1993 und 2015. Seine Werke sind Teil bedeutender öffentlicher Sammlungen weltweit, darunter das Museum of Modern Art in New York, das Guggenheim in New York, das Museum of Contemporary Art in San Francisco, das Walker Art Center in Minneapolis, die Tate Modern in London, das Centre Pompidou in Paris, das Castello di Rivoli in Turin und das Museum Boijmans Van Beuningen in Rotterdam, um nur einige zu nennen.

Ausgewählte Einzelausstellungen der letzten Jahre:

2024
"Jannis Kounellis: La Stanza Vede, Disegni 1973-1990", Museo Novecento, Florenz, Italien

2023
"Jannis Kounellis: Notte", MAXXI - Nationalmuseum für Kunst des 21. Jahrhunderts, Rom, Italien
"Jannis Kounellis", Cardi Gallery, Mailand, Italien
"Jannis Kounellis in Six Acts", Museo Jumex, Mexiko-Stadt, Mexiko

2022
"Homage to Jannis Kounellis", Galleria Fumagalli, Mailand, Italien
"Jannis Kounellis", Gladstone Gallery, New York, USA
"Jannis Kounellis in Six Acts", The Walker Art Center, Minneapolis, USA
"Jannis Kounellis", GAM, Galleria Civica d'Arte Moderna e Contemporanea Torino, Turin, Italien
"Jannis Kounellis: Gli Anni Sessanta", ML Fine Art, Mailand, Italien

2021
"Jannis Kounellis", Lévy Gorvy Dayan, Paris, Frankreich
"Jannis Kounellis, Sarajevo 2004", Cologne Galleries, Köln, Deutschland

2020
"Jannis Kounellis, Early Works", Larkin Erdemann, Zürich, Schweiz

2019
"Jannis Kounellis", kuratiert von Germano Celant, Fondazione Prada, Venedig, Italien

2018
"Jannis Kounellis – Ashes and Gold", Gavin Brown's enterprise, 439 W 127th St, New York, USA

Ausgewählte Gruppenausstellungen der letzten Jahre:

2024
"Xiella", Kewenig, Berlin, Deutschland
"By Way of: Material and Motion in the Guggenheim Collection", Guggenheim Museum, New York, USA
"Stuttgart Sichten", Staatsgalerie Stuttgart, Stuttgart, Deutschland
"Reflections On Surface", Galerie Klüser, München, Deutschland
"Mannheim Miami: The Left-Over-Collection: Part Two", Galerie Crone, Wien, Österreich

2023
"Meisterwerke Masterpieces Chefs-d'œuvre Capolavori", Galerie Karsten Greve, St. Moritz, Schweiz
"Carta Canta", Galleria Umberto di Marino, Neapel, Italien
"1.5 Degrees", Kunsthalle Mannheim, Mannheim, Deutschland
"Une histoire intime de l’art"", Collection Lambert en Avignon, Avignon, Frankreich
"Roma 60", Sprovieri Gallery, London, UK
"Roma/New York, 1953-1964", David Zwirner, New York, USA

2022
"Making", Galleria Continua, Rom, Italien
"On Air: The Sound of the Material in the Art of the 1950s to 1970s", Kaiser Wilhelm Museum, Krefeld, Deutschland
"Matter, Gesture, Imprint, Sign: The Graphic Work of Burri, Vedova, Kounellis, Paolucci and Benedetti", m.a.x.museo, Chiasso, Schweiz
"Nove Opere", Kroller-Muller Museum, Otterlo, Niederlande
"Vita Nuova: New challenges for art in Italy 1960-1975", MAMAC Nice, Nizza, Frankreich
"Naturecultures", Castello di Rivoli Museum of Contemporary Art, Turin, Italien
"Public Domain", MOMus Contemporary, Thessaloniki, Griechenland
"Something New, Something Old, Something Desired", Hamburger Kunsthalle, Hamburg, Deutschland
"Scheme 50: Una Galleria Fra Le Neo-avanguardie (1972-1994)", Centro Pecci, Prato, Italien

2021
"Grand Masters", Galerie Karsten Greve, St. Moritz, Schweiz
"Di Tutti I Colori", Galleria Continua, Rom, Italien
"Arte moderna e contemporanea. Antologia scelta 2022", Tornabuoni Art, Mailand, Italien
"Humans Nature Politics. Joseph Beuys in the Context of the Collection", Haus Lange & Haus Esters Museum, Krefeld, Deutschland

2020
"Outlooks on Art", Centro Botín, Santander, Spanien
"Silent Revolutions: Italian Drawings from the Twentieth Century", The Menil Collection, Houston, USA

2019
"Entrare Nell'Opera: Enter Into The Work/Actions And Processes of Arte Povera", MAMC Saint-Étienne, Frankreich
"Children of Saturn", Rochechouart Museum of Contemporary Art, Rochechouart, Frankreich
"Paper Media: Boetti, Calzolari, Kounellis", Samuel Dorsky Museum of Art, New Paltz, USA
"Landlord Colors: On Art, Economy, and Materiality", Cranbrook Art Museum, Bloomfield Hills, USA
"The Italian Collection", Herning Museum of Contemporary Art, Herning, Dänemark
"Entrare nell'opera", Kunstmuseum Liechtenstein, Vaduz, Liechtenstein

2018
"Beyond Borders", Fondation Boghossian, Brüssel, Belgien
"Arte Povera. A Creative Revolution", State Hermitage Museum, St. Petersburg, Russland
"Inside the collection - Approaching thirty years of the Centro Pecci (1988-2018)", Centro Pecci, Prato, Italien

Über "Untitled"
Mit einer einzigartigen Anmut, die nur Jannis Kounellis eigen ist, bettet dieses schöne Werk, ""Untitled"", Geschichte, Poesie und Politik in eine Sammlung taktiler Fragmente ein, die die Fragmentierung Europas nach dem Zweiten Weltkrieg elegant elegisiert. Wie bei vielen von Kounellis' Werken nach 1975 nimmt das Gegenwärtige die Form einer Tableau-Anordnung verschiedener Komponenten an. In "Untitled" wird die weiche Bleifläche der gebogenen Form mit den rau behauenen Rändern des Sackleinenrandes kontrastiert. Oft sind einzelne Teile von Kounellis' Kreationen Werke, die bereits ein eigenes Leben geführt haben, bevor sie kombiniert wurden. Hier praktiziert Kounellis seine Philosophie der "Unterbrechung", indem er eine arrangierte Gruppe von Objekten mit einem Symbol kreativen Schaffens unterbricht: einer Blechdose. Die helle Blechdose scheint hier an den amerikanischen zeitgenössischen Künstler Jasper Johns zu erinnern. Sowohl Johns als auch Kounellis wurden im unmittelbaren Nachkriegszeitraum erwachsen. Johns in New York und am Black Mountain College, wo er mit Robert Rauschenberg und Cy Twombly eine Vielzahl von Medien und Materialinnovationen in seine eigene Praxis einführte. Im selben Moment verfeinerte Kounellis, nachdem er sein Heimatland Griechenland verlassen hatte, seine Ästhetik in Rom, wo er mit Mario Merz, Michelangelo Pistoletto, Alighiero Boetti und Giovanni Anselmo ein prägender Teilnehmer bei der Entwicklung eines Stils wurde, der als Arte Povera (übersetzt ""arme Kunst"") bekannt werden sollte. Kounellis war ein Pionier im Einsatz alltäglicher Materialien wie Blei, Sackleinen und Blechdosen, wobei er deren poetisches und expressives Potenzial nutzte. Wie der Künstler proklamierte: "Ich möchte die Rückkehr der Poesie mit allen verfügbaren Mitteln" (J. Kounellis, zitiert in Jannis Kounellis, Ausstellungskatalog, Athen, 1994, S. 1).

Warum solltest du in die Gemälde von Duncan McCormick investieren?

Enthüllung von Duncan McCormicks Optimistischen Schöpfungen

Eine Vision von Positivität auf Leinwand:
Tauche ein in die Welt von Duncan McCormicks Kunst, wo bewusste Positivität durch seine Pinselstriche Form annimmt. Mit jedem Strich haucht er Bildern Leben ein, die Erinnerungen an freudige Tagträume wecken. Von Kindheitserlebnissen entlang der Küste von Salcombe Bay in Devon, die an Kalifornien und das Mittelmeer erinnern, bis zur Neugestaltung von schneebedeckten schottischen Berglandschaften als alpine Wunder und der Verwandlung vergessener Strassen und verlassener Gärten in von der Sonne durchflutete Heiligtümer.

Expressiver Prozess und Leuchtendes Farbschema:
McCormicks künstlerischer Prozess beginnt mit sanften Pigmentschichten, die er schnell mit Acrylfarbe überzieht, um die Spontaneität seiner Arbeit einzufangen. Sein Hauptaugenmerk liegt auf der Erfassung der Lebendigkeit der Farben auf Leinwand. Das Ergebnis ist eine Kollektion, die mit lebendigen und leuchtenden Tönen durchdrungen ist und die traumhafte Qualität jedes Meisterwerks verstärkt.

Kunst als Reaktion auf Veränderung:
Diese Kunstwerke bieten eine bewusste Antwort auf die Ära von Covid-19 und ihre resultierenden Lockdown-Massnahmen. Nach der Feier seiner Hochzeit und der Geburt von Zwillingen tauschte McCormick die Vororte von London gegen die ruhigen Landschaften von North Shropshire. Die Isolation der Pandemie veranlasste einen Wechsel von komplexen, symbolbeladenen Erzählungen zu einfacheren, absichtlich eskapistischen Szenen in Acrylfarbe.

Die Künstlerische Reise von Duncan McCormick:
Geboren in Birmingham im Jahr 1977, begann Duncan McCormicks künstlerische Reise an der Hallfield Preparatory School und setzte sich am Ellesmere College in Shropshire fort. Sein angeborenes künstlerisches Talent führte ihn zu einem Grundstudium am Bournville College in Birmingham, das in einem Abschluss in Kunst und Drama am St. Martin's College in Lancaster gipfelte. Während seiner Karriere hat McCormick seine künstlerischen Bestrebungen mit seinem Lebensunterhalt in Einklang gebracht. Zunächst arbeitete er im Theater, bevor er sich als professioneller Druckgrafiker etablierte, ausgestattet mit seiner eigenen Siebdruckpresse. Seine Werke schmücken nun renommierte private und Unternehmenssammlungen, darunter ein Auftrag von Morgan Stanley im Jahr 2018 für eine Serie von 11 Gemälden, die in ihren Büros in Canary Wharf ausgestellt wurden. In letzter Zeit erzielt seine Kunst beeindruckende Preise bei Auktionen und zieht Bieter aus Taiwan, der Türkei, Hongkong, Europa und Amerika an.

Die Künstlerische Entwicklung geht weiter:
Durch den bedeutenden Einfluss des renommierten David Hockney steht McCormicks Stil kurz davor, sich in ähnlich ikonischen Sphären zu entwickeln, was seine Kunstwerke zu einer vielversprechenden Investitionsmöglichkeit macht. Während jeder Pinselstrich weiterhin Geschichten von Optimismus und Schönheit webt, erwäge, dich uns auf dieser Reise der Kunst und des Potenzials anzuschliessen. Entdecke den fesselnden Zauber von Duncan McCormicks Kunst und die Möglichkeiten, die sie birgt.

Warum in die Glenfarclas Pagoda Serie investieren?

Bewährte Sammelbarkeit
Bei der Bewertung der Sammelbarkeit einer Whisky-Serie spielen mehrere Schlüsselfaktoren eine Rolle: ein bekannter Name der Brennerei, begrenztes Angebot, einzigartige Flaschen- und Etikettendesigns sowie eine historische Wertsteigerung für ein komplettes Set. Die Glenfarclas Pagoda Series Collection erfüllt all diese Kriterien und mehr.

Renommierte Brennerei mit reicher Geschichte
Glenfarclas ist eine der bekanntesten Brennereien Schottlands und bleibt eine der wenigen, die noch unabhängig sind. Die glanzvolle Geschichte der Brennerei spiegelt sich im Flaschendesign wider, das von dem ikonischen „pagodenartigen“ Belüftungsturm der Brennerei inspiriert ist, der von Charles Doig entwickelt wurde. Diese architektonische Besonderheit wurde im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert zu einem integralen Bestandteil des Brennereidesigns in ganz Schottland.

Aussergewöhnliche und einzigartige Verpackung
Diese Serie geht weit über einfache individuelle Etiketten hinaus. Jeder Glencairn-Kristalldekanter ist mundgeblasen und mit einem markanten, pagodenförmigen, handgefertigten Magnetverschluss versehen, der sowohl ästhetisch als auch funktional ist. Die Dekanter sind zusätzlich mit Silber verziert, was aussergewöhnliche Aufmerksamkeit auf Details zeigt und zwangsläufig zu ihrer begrenzten Produktion führte.

Sehr begrenzte Produktion
Es wurden nur 180 Flaschen (700 ml) für jede der Ruby- und Sapphirabfüllungen produziert. Aufgrund der äusserst begrenzten Mengen mussten die meisten Sammler diese einzigartigen Flaschen direkt bei der Brennerei erwerben. Wir bieten diese Kollektion jedoch zu über 10% unter dem derzeit verfügbaren Online-Preis an.

Hervorragende Whisky-Qualität
Über das begrenzte Angebot und die einzigartige Verpackung hinaus ist das wahre Highlight dieser Kollektion der Whisky selbst. Der „jüngste“ Whisky in diesem Set ist 62 Jahre alt, der älteste 63 Jahre alt. Die Fässer für diese Abfüllungen wurden sorgfältig von Whisky-Experte und „Keeper of the Quaich“ Stephen Notman und George Grant, einem Mitglied der 6. Generation der Glenfarclas Brennerei-Familie, ausgewählt. Vom Distillery als „quintessential and [the] very finest super-premium aged casks“ beschrieben, übertrifft die Qualität des Whiskys jede vorherige Glenfarclas-Abfüllung und setzt einen neuen Maßstab für die Qualität des Whiskys, den die Brennerei seit dem 19. Jahrhundert produziert.

Warum solltest du in die Kunst von Móyòsóré Martins investieren?

Künstlerische Schöpfung und Einflüsse
Móyòsóré Martins, ein nigerianischer zeitgenössischer Künstler mit Sitz in New York, erobert die Kunstwelt im Sturm. Als Multitalent widmet er sich Grafikdesign, Produktdesign und Musik. MOYOs Gemälde sind tief narrativ und verkörpern seine persönliche Reise. Er verbindet seine traditionellen afro-kulturellen und spirituellen Wurzeln mit einem ausgeprägten ästhetischen Sinn für Mode.

Künstlerische Entwicklung und Stil
Geboren in Brasilien, mit beiden Eltern aus dem Ekiti-Staat in Nigeria, entwickelte MOYO ein Gefühl kultureller Unabhängigkeit von der Stammesgeschichte seiner Familie und formte seine künstlerische Vision durch Reisen und Erziehung. Seine Werke spiegeln die Einflüsse der Strassen von London und New York sowie seiner Studienjahre in Ghana und der Elfenbeinküste wider und drücken seine Yoruba-Kultur aus.

Künstlerischer Ansatz und Technik
MOYO ist Autodidakt und hauptsächlich von seiner inneren Vision inspiriert, weniger von anderen Künstlern. Seine Werke sind für ihn spiritueller Natur und repräsentieren seine Wünsche, Träume und den Weg nach vorn. MOYO drückt die Emotionen der Figuren, die er geschickt malt, aus, die Hintergründe werden geschichtet, manipuliert, zerkratzt und dann mit Text durchdrungen. Er setzt sich selbst auf die Leinwand, ins Kunstwerk, in Geist und Namen, sogar sein Geburtsdatum. Er kritzelt Worte, mathematische Formeln, Mantras und Gebete. Er visualisiert sein inneres Gespräch, das sich verändert, wie seine Welt es tut, als eine visuelle Biografie. Er widersteht es, in eine Schublade gesteckt zu werden. Sein einzigartiger Einsatz von Materialien und die Geschichte sind das Band, das seine Werke zusammenhält. Während sich sein Handwerk und seine Karriere erweitern, blickt er zurück und reflektiert über seinen Weg und woher er kommt, sowohl als Person als auch künstlerisch. Tief verwurzelt mit persönlicher Symbolik hat jedes Element eines Gemäldes eine Bedeutung und einen bestimmten Zweck für ihn, ähnlich wie ein Morsecode. Die Augen symbolisieren sein eigenes spirituelles "Allsehendes"; die Cluster schwebender Augäpfel repräsentieren das Gefühl, dass alle Augen auf ihn gerichtet sind, dass er "gesehen" wird, dass seine Arbeit gesehen wird. Der Mund, gross und leicht aggressiv, beschreibt die Intensität der Erfahrung, dass die Leute über ihn reden. Die eingeritzten Worte sind wie ein Mantra, um seine Vision zu manifestieren.

Einfluss auf den Kunstmarkt
Die Preise der Gemälde von Moyosore Martins in der Grösse 180 x 150 cm sind in den letzten dreieinhalb Jahren von $5.000 auf derzeit $27.500 gestiegen. Seine Werke wurden von über 125 Sammlern erworben, mit etwa 170 verkauften Gemälden in diesem Zeitraum. Er ist zu einer Art Kultfigur geworden.

Upcoming Exhibitions:
Solo Show | Munich, Germany, early 2025
Solo Show | Paris, France, October 2024
Olivier Varenne Modern & Contemporary Art | Solo Show | Geneva, Switzerland, September 2024

Past Exhibitions:
Arms Around The Child Foundation | Ghana (Artist in residency), 2024
Art Basel Hong Kong | Tang Contemporary Art | Group Show | Hong Kong, China, 2024
Scope Miami | Mitochondria Gallery | Group Show | Miami, USA, 2023
Palm Beach Modern + Contemporary | Long-Sharp Gallery | Group Exhibition | Palm Beach, USA, 2023
Galerie Tanit X Teal Contemporary | Solo Exhibition | Now, They Know…| Beirut, Lebanon, 2023
Art Shenzhen | Crossing Art | Group Show | Shenzhen, China, 2023
Butter Art Fair | Long-Sharp Gallery | Indianapolis, USA, 2023
Robert Fontaine Gallery | Group Show | Portraits in Focus | Miami, USA, 2023
Robert Fontaine Gallery | Group Show | Intimate | Miami, USA, 2023
Crossing Art | Solo Exhibition | The Artist Journey | New York, USA, 2023
BHEA | Group Show | San Francisco, USA, 2022
Art Miami | Long-Sharp Gallery | Group Show | Miami, USA, 2022
Long-Sharp Gallery | Solo Exhibition | Móyòsóré Martins : Seen | Indianapolis, USA, 2022
Butter Art Fair | Long-Sharp Gallery | Group Show | Indianapolis, USA, 2022
Nassau County Museum | Songs Without Words: The Art of Music | Roslyn, USA, 2021
Path Gallery | Solo Exhibition | Los Angeles, USA, 2021
Long-Sharp Gallery | Conrad Indianapolis | Featured Artist | Indianapolis, USA, 2021
TrafficArts | New York, USA, 2021
Dacia Gallery | Holiday Group Exhibition | New York, USA, 2019
Heath Gallery | New York, USA, 2018
Grady Alexis Gallery | Art United Presents: Radical Resistance to Xenophobia | New York, USA, 2017

"Raghav Babbar's einzigartiger Stil, technisches Können, steigende Marktnachfrage, Investitionspotenzial und wachsende Anerkennung machen ihn zu einem überzeugenden Künstler für Investitionen. Mit einer Erfolgsbilanz und einer vielversprechenden Zukunft bietet Babbar's Kunst sowohl ästhetischen Genuss als auch finanzielle Chancen für Sammler und Investoren gleichermassen.." - James Kerbey, Experte bei Maddox Advisory


Die künstlerische Verdienst von Raghav Babbar: Eine ansprechende Investitionsmöglichkeit

Künstlerische Exzellenz und persönlicher Ausdruck
Die Kunst von Raghav Babbar erweist sich als verlockende Investitionsmöglichkeit aufgrund ihrer einzigartigen Fusion von zutiefst persönlichen figurativen Gemälden, die von Einflüssen seiner indischen Herkunft und den malerischen Traditionen der britischen Kunst des mittleren 20. Jahrhunderts geprägt sind. Sein grosszügiger Einsatz von Ölfarbe verleiht eine üppige Textur und unterstreicht seinen akribischen Ansatz beim Schichten. Während seine Technik und Interaktionen mit seinen Motiven Parallelen zu britischen Künstlern vergangener Tage hervorrufen, bleibt noch viel zu erkunden.

Subtile Gespräche mit den Motiven
Jenseits des Investitionspotenzials von Ragahavs Kunst zeichnen sich seine Interaktionen mit den Motiven durch ihre sanfte Haltung und Eleganz aus, die sein eigenes bescheidenes und nachdenkliches Naturell widerspiegeln. Oft entnommen aus seinem Freundes- und Bekanntenkreis sowie gewöhnlichen Menschen, die sich durch das Geflecht der indischen Gesellschaft bewegen, werden seine Motive mit bemerkenswerter Empathie und Finesse erhöht und gewürdigt, indem er die rohesten Emotionen in ihren alltäglichen Momenten einfängt.

Meisterschaft im Spiel von Licht und Schatten
Ragahavs Vorliebe dafür, Motive im natürlichen Licht darzustellen, wird von der indischen Lebensweise beeinflusst, die dem drückenden Innenraumklima und dem harten Sonnenlicht im Freien ausweicht. Das weiche Sonnenlicht, unter dem seine Motive oft Zuflucht suchen, wirft markante Schatten, die seinen Kompositionen Tiefe und Dramatik verleihen und ihre emotionale Resonanz weiter verstärken.

Künstlerische Entwicklung und vielfältige Methoden
Als aufstrebender Künstler befindet sich Ragahavs Stil in einem ständigen Zustand der Verfeinerung. Er legt beharrlich Schichten von Ölfarbe über längere Zeiträume, manchmal bis zu 15 Tagen, bevor er die nächste Schicht aufträgt. Doch bestimmte Motive erfordern einen direkteren und rhythmischeren Ansatz, was ihn dazu veranlasst, gemahlenen Kreide mit Ölfarben zu mischen, um den Prozess zu beschleunigen. Sein Repertoire umfasst nun Mehrfigurenkompositionen, in denen sich Formen nahtlos ineinanderfügen, und Einzelfigurendarstellungen, die sich zu subtil abstrahierten Motiven entwickeln und seinem Werk Vielfalt und Tiefe verleihen.

Bemerkenswerte Auktionserfolge
Ein überzeugendes Argument, Raghav Babbar's Kunst als Investition in Betracht zu ziehen, liegt in seiner konsistenten Erfolgsbilanz bei Auktionen, die oft die anfänglichen Schätzungen bei weitem übertreffen. Im Durchschnitt erzielen seine Kunstwerke Preise, die 15 Mal höher sind als ihre anfänglichen Schätzungen, was eine potenziell lukrative Investitionsmöglichkeit darstellt. Zum Beispiel wurde das Kunstwerk "Der Kohlenhändler", das ursprünglich auf 22.543 EUR geschätzt wurde, bei einer Auktion von Sotheby's für beeindruckende 541.033 EUR verkauft.

Raghav Babbars künstlerischer Weg, von seinen Wurzeln in Rohtak bis hin zu seinen Ausbildungswegen in Singapur und London, unterstreicht seine unermüdliche Hingabe und angeborenes Talent. Mit einem sich ständig weiterentwickelnden Stil und einem unverwechselbaren Geschick, die Essenz seiner Motive einzufangen, bietet seine Arbeit eine verlockende Investitionsmöglichkeit im Bereich der zeitgenössischen Kunst.

Wer ist Arita Mitsuhiro?

Arita Mitsuhiro ist seit Anfang an bei Pokémon dabei und hat verschiedene Pokémon sowie 6 der 7 Energiekarten gezeichnet. Er hat auch Grafiken für das Ranger Strike Card Game und Final Fantasy XI erstellt, unter anderem. Sein Zeichenstil hat sich im Laufe der Zeit stark verändert. Anfangs ähnelten seine Kunstwerke Aquarellen oder Pastellen mit klaren Umrissen, aber mittlerweile hat er einen flüssigeren Stil entwickelt, der leuchtende Farben betont. Durch geschickten Einsatz von Licht und Schatten zielt er darauf ab, besonders dynamische und realistisch aussehende Bilder zu schaffen. In jedem Werk versucht er, die Eigenschaften des einzelnen Pokémon realistisch hervorzuheben, ohne zu berücksichtigen, was in ähnlichen Fällen bereits versucht wurde. Bei einigen älteren Karten, als die entsprechenden Videospiele grafisch noch nicht sehr detailliert waren, haben seine Zeichnungen später auch zum allgemeinen Design der Pokémon beigetragen. Seine Kunst ist auf mehr als 500 Karten zu sehen, darunter einige der denkwürdigsten in der Geschichte des Spiels, wie das berühmte Glurak.

Das Erbe von Glurak und Warum Diese Karte

Jeder, der in der Welt von Pokémon unterwegs ist, wird früher oder später auf Glurak stossen. Glurak gibt es seit der ersten Generation der Pokémon-Videospiele und war Ashs erstes vollständig entwickeltes Pokémon in der Anime-Serie, obwohl es ihm oft nicht gehorchen wollte.

Glurak im Pokémon TCG

Glurak erscheint auf vielen Pokémon-Karten, von denen einige zu hohen Preisen gehandelt werden. Glurak ist ein Feuer/Flug-Typ Pokémon und kein Drachen-Typ, wie man vielleicht zuerst denken könnte. Mit der Mega-Entwicklung ändert sich jedoch seine Typenkombination zu Feuer/Drachen (Mega-Glurak X). Glurak ist eines der beliebtesten Pokémon unter Fans, nicht nur wegen seines majestätischen Designs, sondern auch wegen seines Wettbewerbswerts im Sammelkartenspiel.

Die Seltenheit und Bedeutung von Glurak-Karten

Wir sprechen hier von der berühmtesten Pokémon-Karte, seit Pokémon existiert. Jeder kennt Glurak, und jeder Experte weiss, dass eine 1. Edition immer seltener wird. Arita Mitsuhiro ist einer der bekanntesten Illustratoren von Pokémon-Karten. Wir haben also die berühmteste Karte und den bekanntesten Illustrator in einem einzigartigen Meisterwerk vereint. Ausserdem ist der Illustrator nicht mehr der Jüngste und wird bald keine Autogrammstunden mehr geben, was die Karten noch seltener macht. Diese Karte wurde auch in 3 verschiedenen Farben signiert, etwas, das der Künstler normalerweise nie tut.

Warum solltest du in die Kunst von Móyòsóré Martins investieren?

Künstlerische Schöpfung und Einflüsse
Móyòsóré Martins, ein nigerianischer zeitgenössischer Künstler mit Sitz in New York, erobert die Kunstwelt im Sturm. Als Multitalent widmet er sich Grafikdesign, Produktdesign und Musik. MOYOs Gemälde sind tief narrativ und verkörpern seine persönliche Reise. Er verbindet seine traditionellen afro-kulturellen und spirituellen Wurzeln mit einem ausgeprägten ästhetischen Sinn für Mode.

Künstlerische Entwicklung und Stil
Geboren in Brasilien, mit beiden Eltern aus dem Ekiti-Staat in Nigeria, entwickelte MOYO ein Gefühl kultureller Unabhängigkeit von der Stammesgeschichte seiner Familie und formte seine künstlerische Vision durch Reisen und Erziehung. Seine Werke spiegeln die Einflüsse der Strassen von London und New York sowie seiner Studienjahre in Ghana und der Elfenbeinküste wider und drücken seine Yoruba-Kultur aus.

Künstlerischer Ansatz und Technik
MOYO ist Autodidakt und hauptsächlich von seiner inneren Vision inspiriert, weniger von anderen Künstlern. Seine Werke sind für ihn spiritueller Natur und repräsentieren seine Wünsche, Träume und den Weg nach vorn. MOYO drückt die Emotionen der Figuren, die er geschickt malt, aus, die Hintergründe werden geschichtet, manipuliert, zerkratzt und dann mit Text durchdrungen. Er setzt sich selbst auf die Leinwand, ins Kunstwerk, in Geist und Namen, sogar sein Geburtsdatum. Er kritzelt Worte, mathematische Formeln, Mantras und Gebete. Er visualisiert sein inneres Gespräch, das sich verändert, wie seine Welt es tut, als eine visuelle Biografie. Er widersteht es, in eine Schublade gesteckt zu werden. Sein einzigartiger Einsatz von Materialien und die Geschichte sind das Band, das seine Werke zusammenhält. Während sich sein Handwerk und seine Karriere erweitern, blickt er zurück und reflektiert über seinen Weg und woher er kommt, sowohl als Person als auch künstlerisch. Tief verwurzelt mit persönlicher Symbolik hat jedes Element eines Gemäldes eine Bedeutung und einen bestimmten Zweck für ihn, ähnlich wie ein Morsecode. Die Augen symbolisieren sein eigenes spirituelles "Allsehendes"; die Cluster schwebender Augäpfel repräsentieren das Gefühl, dass alle Augen auf ihn gerichtet sind, dass er "gesehen" wird, dass seine Arbeit gesehen wird. Der Mund, gross und leicht aggressiv, beschreibt die Intensität der Erfahrung, dass die Leute über ihn reden. Die eingeritzten Worte sind wie ein Mantra, um seine Vision zu manifestieren.

Einfluss auf den Kunstmarkt
Die Preise der Gemälde von Moyosore Martins in der Grösse 180 x 150 cm sind in den letzten dreieinhalb Jahren von $5.000 auf derzeit $27.500 gestiegen. Seine Werke wurden von über 125 Sammlern erworben, mit etwa 170 verkauften Gemälden in diesem Zeitraum. Er ist zu einer Art Kultfigur geworden.

Upcoming Exhibitions:
Solo Show | Munich, Germany, early 2025
Solo Show | Paris, France, October 2024
Olivier Varenne Modern & Contemporary Art | Solo Show | Geneva, Switzerland, September 2024

Past Exhibitions:
Arms Around The Child Foundation | Ghana (Artist in residency), 2024
Art Basel Hong Kong | Tang Contemporary Art | Group Show | Hong Kong, China, 2024
Scope Miami | Mitochondria Gallery | Group Show | Miami, USA, 2023
Palm Beach Modern + Contemporary | Long-Sharp Gallery | Group Exhibition | Palm Beach, USA, 2023
Galerie Tanit X Teal Contemporary | Solo Exhibition | Now, They Know…| Beirut, Lebanon, 2023
Art Shenzhen | Crossing Art | Group Show | Shenzhen, China, 2023
Butter Art Fair | Long-Sharp Gallery | Indianapolis, USA, 2023
Robert Fontaine Gallery | Group Show | Portraits in Focus | Miami, USA, 2023
Robert Fontaine Gallery | Group Show | Intimate | Miami, USA, 2023
Crossing Art | Solo Exhibition | The Artist Journey | New York, USA, 2023
BHEA | Group Show | San Francisco, USA, 2022
Art Miami | Long-Sharp Gallery | Group Show | Miami, USA, 2022
Long-Sharp Gallery | Solo Exhibition | Móyòsóré Martins : Seen | Indianapolis, USA, 2022
Butter Art Fair | Long-Sharp Gallery | Group Show | Indianapolis, USA, 2022
Nassau County Museum | Songs Without Words: The Art of Music | Roslyn, USA, 2021
Path Gallery | Solo Exhibition | Los Angeles, USA, 2021
Long-Sharp Gallery | Conrad Indianapolis | Featured Artist | Indianapolis, USA, 2021
TrafficArts | New York, USA, 2021
Dacia Gallery | Holiday Group Exhibition | New York, USA, 2019
Heath Gallery | New York, USA, 2018
Grady Alexis Gallery | Art United Presents: Radical Resistance to Xenophobia | New York, USA, 2017

Warum in Nike Air Jordan 4 Travis Scott Mocha F&F investieren?

Die Nike Air Jordan 4 Travis Scott Mocha Friends & Family Sneakers sind ein wirklich legendäres Sammlerstück. Die Sneakers sind das Ergebnis der langjährigen Zusammenarbeit zwischen Nike/Jordan und dem talentierten Travis Scott und symbolisieren Kreativität, Exklusivität und ikonisches Design.

Nicht veröffentlicht für die Öffentlichkeit
Der Nike Air Jordan IV Retro Travis Scott Mocha ist ein absolut seltenes Juwel in der Welt der Sneakers. Dieser seltene Schatz wurde schliesslich 2018 als streng limitierte Friends & Family Edition veröffentlicht und erhöht damit weiter seinen Wert und seine Exklusivität.

Historische Bedeutung
Der Air Jordan IV, entworfen vom berühmten Nike-Designer Tinker Hatfield, ist eines der ikonischsten Modelle der Air Jordan Serie. Es war das zweite Modell, das von Tinker entworfen wurde, und das zweite, das sichtbare Air-Elemente enthielt. Ursprünglich 1989 in vier klassischen Farben veröffentlicht, war der Air Jordan IV aufgrund seiner Beliebtheit Gegenstand zahlreicher innovativer Zusammenarbeiten im Laufe der Jahre.

Exklusive Zusammenarbeit mit Travis Scott
Obwohl die Sneakers ein grosses Wertsteigerungspotenzial haben, birgt jede Investition Risiken. Der Schuh ist eng mit Travis Scotts Persönlichkeit verbunden, und die Situation auf dem Sneaker-Markt kann sich ändern, da Trends oft unvorhersehbar sind. Wenn die Nachfrage sinkt oder sich die Sneaker-Kultur ändert, könnte der Wert stagnieren oder sogar fallen. Zusätzlich können externe Faktoren wie wirtschaftliche Schwankungen oder Änderungen im Markenimage den Wert beeinflussen.

Limitierte Auflage
Der Sneaker ist in limitierter Auflage erhältlich und war nie für die breite Öffentlichkeit verfügbar, was seinen Seltenheitswert erheblich erhöht. Darüber hinaus hat Travis Scott weiterhin einen starken Einfluss in den Bereichen Musik und Mode, was die Attraktivität und Aufregung um seine Zusammenarbeiten aufrechterhält. Unter Berücksichtigung dieser Faktoren und der historischen Leistung ähnlicher Modelle ist eine Wertsteigerung um bis zu 45% in den nächsten 3 bis 5 Jahren wahrscheinlich.

Warum eine Kobe Bryant Sportkarte?
Kobe Bryants wichtigste Karten gehören zu den begehrtesten und sichersten Investitionen im Hobby. Seine Sammler neigen dazu, die Schlüsselkarten zu behalten, sodass nur wenige wertvolle Karten im Umlauf sind, egal wie verlockend die Marktbedingungen sind. Die bisher höchste öffentlich verkaufte Kobe-Karte erzielte 2 Millionen Dollar. Er ist 5-facher Champion, darunter der letzte „Threepeat“ in der NBA-Geschichte (was aufgrund der Ausgeglichenheit der Teams und der aktuellen Drei-Punkte-Wurf-Strategie der Liga wahrscheinlich nicht mehr vorkommen wird). Er wurde 18 Mal in das All-Star-Team gewählt, 15 Mal ins All-NBA-Team (davon 11 Mal ins First Team) und 12 Mal ins All-Defensive-Team (davon 9 Mal ins First Team). Mitglied der Hall of Fame. Zwei Trikots wurden zurückgezogen. Drei Statuen sind geplant (eine enthüllt). Der einzige Spieler in der NBA-Geschichte, der zweimal hintereinander zum Finals-MVP gewählt wurde, ohne einen weiteren Top-75-Spieler im Team zu haben. Viertbester Punktesammler aller Zeiten in der NBA. Höchste Punktzahl in einem NBA-Spiel der modernen Ära mit 81 Punkten. Kobe hat viele aktuelle Spieler und Champions wie Tatum, Kyrie, Luka, Giannis etc. beeinflusst und mentiert, wodurch sein Einfluss stark und weitreichend ist. Kobe war auch einer der ersten Athleten, der die Bedeutung der Globalisierung der Marke erkannte, besuchte jährlich Asien vor allen anderen und führte mehrere Jahre lang exklusiv für Fans in China einen Blog. Es gibt signifikante Aufwärtspotenziale, da die globalen Märkte über das aktuelle Anfangsstadium hinaus reifen, und Kobe ist dort einer der beliebtesten Spieler. Nach seiner Karriere pivotierte Kobe extrem erfolgreich und gewann einen Oscar bei seinem ersten Versuch. Sein Investment-Exit bei BodyArmor übertraf bereits sein gesamtes NBA-Gehalt.

Verkäufe
Sportkarten haben sich als eine Anlageklasse etabliert, die in den letzten 5-15 Jahren einen der höchsten Multiplikatoren im Wachstum unter alternativen Anlageformen verzeichnet hat. Beispielsweise wurde eine Kobe 1997 Precious Metal Gems Green /10, die zwischen 2009-2011 für rund 5-16k Dollar verkauft wurde, in den letzten Jahren für 1,75M und 2M Dollar verkauft. Eine Kobe 2012 Prizm Gold /10, die 2018 für 3k Dollar gekauft werden konnte, wurde kürzlich für 156k Dollar verkauft und könnte jetzt wahrscheinlich noch mehr erzielen. Solche Beispiele sind im Hobby häufig und keineswegs Ausnahmen.

Warum diese Karte?
Die derzeit angebotene Karte hat folgende bemerkenswerte Eigenschaften und Begehrlichkeiten, die den Wert begründen:

Starke Marke:
Die erste 100-Dollar-Packung im Hobby, die die Ära des High-End einleitete. Ultimate ist gleichbedeutend mit den höchsten reinen Autokarten und den besten Einzelspieler-Logoman-Autokarten. Insgesamt ist Ultimate eine der zwei besten Marken der Upper Deck-Ära.

Unter den besten Kobe-Pure-Autokarten und wohl die Top-2-Kobe-Pure-Auto-/8-Karten:
Die beliebtesten und begehrtesten Jahre von Ultimate Signatures Gold sind 2003 und 2004 (mit Abstand die besten Designs und stärkere Sets, die auch Jordan in Bulls und LeBron enthalten). Kobe-/8-Autos, die zwischen 1999 und 2004 (genauer gesagt von den Releases 1999-00 bis 2004-05) veröffentlicht wurden, gehören zu den begehrtesten Kobe-Karten.

Super Seltenheit:
Im Gegensatz zu vielen extrem seltenen Karten wurde diese Karte mit keiner der 8 Seriennummern jemals öffentlich verkauft, laut den akribisch aggregierten Verkaufsaufzeichnungen. Dies zeigt, wie schwer fassbar und begehrt diese Karte in persönlichen Sammlungen ist.

Veröffentlicht im ersten Jahr, in dem Kobe zum alleinigen Anführer des traditionsreichen Franchise, der Los Angeles Lakers, wurde:
Auch veröffentlicht in dem Jahrzehnt, in dem Kobe dominierte, mit 5 Meisterschaften, die das Jahrzehnt einrahmen, und persönlichen Höhepunkten in den Statistiken dazwischen.

Erste 1/8 in der Druckserie, also die erste hergestellte Karte:
Es gibt eine Begehrlichkeit und einen Aufschlag bei solchen speziellen Nummern, die auch die Symbolik des vorherigen Gegenstands widerspiegeln.

Gold als Parallelstufe (im Gegensatz zur häufiger anzutreffenden unnummerierten Basisversion) hat sich über Jahre, Veröffentlichungen und Hersteller hinweg als höchst nachgefragtes Merkmal etabliert.

Enthalten im Set mit einer grossartigen Aufstellung, die auch den Evergreen Jordan /23 im Bulls-Trikot und LeBron /23 für Preisvisibilität und Unterstützung enthält, aber Kobe ist dreimal seltener und eine viel überlegene Karte.

Kobe hat im folgenden Jahr (2005-06) nicht mehr signiert und wechselte im darauffolgenden Jahr (2006-07) die Trikotnummer:
Dies ist das letzte Jahr der Kobe Ultimate Signatures Gold in der Serie und das letzte Jahr der Kobe-/8-Autokarten, die mit der Trikotnummer in der Saison übereinstimmen.

Dicker Karton, der von Upper Deck für eine hochwertige Präsentation und Haptik eingeführt wurde: Dies sorgt für 8 Ecken und somit Empfindlichkeit des Zustands, was tatsächlich den Reiz erhöht (einige der besten Karten im Hobby sind am empfindlichsten). Bewertet mit BGS 8 mit drei mint oder besseren Subgrades und einer perfekten 10-zentrischen und frischen blauen Autogramm mit 10 Bewertung. Eine Bewertung von 8 ist auch unter Kobe-Sammlern begehrt aufgrund seiner Trikotnummer.

Kobes wichtigste Autokarten sind begrenzt und können nicht mehr dem Angebotsbestand hinzugefügt werden.

"Das LEGO® BrickLink Designer Program bietet Fans die Möglichkeit, ihre eigenen Modelle in kleiner Stückzahl produzieren zu lassen. Diese fünf Sets, die sich in einer öffentlichen Abstimmung auf der Plattform Bricklink durchgesetzt haben, sind für Sammler und Investoren gleichermassen attraktiv. Im Crowdfunding konnten die Sets im Winter 2023 vorbestellt werden. Die Produktionsmenge ist seit 2024 auf 30'000 Stück pro Set limitiert, was diese Sets zu exklusiven Sammlerstücken macht. Investiere in diese einzigartigen Modelle und sichere Dir ein Stück Klemmbaustein-Geschichte." - André Schulze, GOLDSTEIN.SHOP


Warum LEGO BrickLink Designer Program Sets?
Das BrickLink Designer Program ist eine gemeinsame Initiative zwischen BrickLink und der LEGO Group. Das Programm beinhaltet Designer, die an LEGO Ideas-Projekten arbeiten, die den Meilenstein von 10.000 Unterstützern erreicht haben. Das Ziel ist es, diese von Fans entworfenen Kreationen als offizielle LEGO-Sets zum Leben zu erwecken.

Hier sind einige wichtige Aspekte des BrickLink Designer Program

Zusammenarbeit:
Das Programm beinhaltet eine Zusammenarbeit zwischen BrickLink, einem Online-Marktplatz für LEGO-Sets und Teile, und der LEGO Group, dem Unternehmen, das LEGO-Produkte herstellt.

LEGO Ideas 10K Club-Projekte:
Designer von der LEGO Ideas-Plattform, deren Projekte 10.000 Unterstützer erreicht haben, werden eingeladen, am BrickLink Designer Program teilzunehmen.

Testen und Verfeinern:
Die ausgewählten Designer arbeiten mit dem BrickLink-Team zusammen, um ihre Projekte zu testen und zu verfeinern. Diese Phase hilft sicherzustellen, dass die Entwürfe für die Produktion als offizielle LEGO-Sets geeignet sind.

Crowdfunding:
Die Projekte durchlaufen eine Crowdfunding-Phase, in der Enthusiasten und Fans die Sets vorbestellen können. Der Crowdfunding-Prozess erfolgt in der Regel in mehreren Runden.

Produktion:
Die ersten fünf Projekte in jeder Crowdfunding-Runde, die einen festgelegten Vorbestellschwellenwert erreichen (wie z.B. 3.000 Vorbestellungen), werden als offizielle LEGO-Sets produziert.

Exklusive Verfügbarkeit:
Erfolgreich finanzierte Projekte werden zu offiziellen Designer Program Sets und sind exklusiv für registrierte BrickLink-Mitglieder erhältlich, die sie vorbestellt haben.

Unser BrickLink-Bundle umfasst die folgenden Sets:
LEGO® BrickLink Bergfestung (910029)
LEGO® BrickLink Pariser Strasse (910032)
LEGO® BrickLink Alter Lokschuppen (910033)
LEGO® BrickLink Imbisswagen (910030)
LEGO® BrickLink Krämerladen (910031)


LEGO 910029 Mountain Fortress
LEGO 910029 Mountain Fortress war ein exklusives BrickLink-Set mit 3.995 Teilen und 9 Minifiguren, das 2024 mit einer limitierten Auflage von nur 30.000 Sets veröffentlicht wurde. Es verfügt über eine Bergfestung mit Winterthema, eine Zugbrücke und einen gefrorenen Wassergraben sowie klappbare und zugängliche Innenräume.
Das Set wurde von Sleepless Night entworfen. Es umfasst eine untere und eine obere Burg, die durch eine Zugbrücke über den gefrorenen Wassergraben verbunden sind.
Die Auflage war auf 30.000 Einheiten begrenzt und wurde im Juli 2024 ausgeliefert. Die Mountain Fortress war innerhalb von drei Stunden nach der Vorbestellung ausverkauft und war das erste Set der Designer Program Series 1, dem dies gelang.

LEGO 910032 Parisian Street
LEGO 910032 Parisian Street war ein exklusives BrickLink-Set mit 3.532 Teilen und 7 Minifiguren, das 2024 mit einer limitierten Auflage von nur 15.000 Sets veröffentlicht wurde. Es verfügt über Fassaden im Haussmann-Stil, eine Bäckerei, einen Blumenladen, ein Bistro, ein luxuriöses Wohnzimmer, eine Küche, einen Billardsaal, Wohnungen, ein Atelier und eine Dachterrasse. Das Set wurde von Nicolas Carlier entworfen.
Die Auflage war auf 30.000 Einheiten begrenzt und wurde im Juli 2024 ausgeliefert. Das Set enthält 16 Aufkleber.
Nicolas Carlier, der Fan-Designer dieses Modells, schuf detaillierte Innen- und Außenbereiche mit unterschiedlichen Gebäudehöhen und Grundrissen. Das Erdgeschoss umfasst eine Bäckerei, einen Blumenladen und ein Eckbistro. Im zweiten Stock befinden sich ein luxuriöses Wohnzimmer, eine kompakte Küche mit Essbereich und ein Billardsaal. Der dritte Stock enthält eine Zweizimmerwohnung mit Badezimmer, ein Atelier und ein kleineres Schlafzimmer/Wohnung. Der vierte Stock verfügt über eine kleine Wohnung mit Dachterrasse, die die Pariser Atmosphäre verstärkt.

LEGO 910033 Old Train Engine Shed
LEGO 910033 Old Train Engine Shed war ein exklusives BrickLink-Set mit 2.331 Teilen und 6 Minifiguren, das 2024 veröffentlicht wurde. Es verfügt über eine voll ausgestattete Werkstatt, einen Laufkran, eine Wasserpumpe und eine Hütte mit Büro und Ofen, die eine 37-Noppen-Lokomotive aufnehmen kann. Das Set, das von Maria Kalaoglou entworfen wurde, war auf 30.000 Exemplare limitiert.
Der Old Train Engine Shed kann eine Lokomotive bis zu 37 Noppen Länge aufnehmen, während sein Wagen vorne an den Gleisen anhalten kann. Das Set enthält 10 Aufkleber.
Die Auflage war auf 30.000 Einheiten begrenzt und wurde im Juli 2024 ausgeliefert. Es wurde von der LEGO-Designerin Maria Kalaoglou entworfen.

LEGO 910030 Snack Shack
LEGO 910030 Snack Shack war ein exklusives BrickLink-Set mit 539 Teilen und 2 Minifiguren, das 2024 veröffentlicht wurde. Es verfügt über einen detaillierten Imbissstand mit Küchengeräten, klappbarem Zugang und zwei Minifiguren, inspiriert von einem klassischen Wohnwagen. Das Set wurde vom LEGO-Fan Stefan aus Amsterdam entworfen und war auf 30.000 Exemplare limitiert.
Die Auflage war auf 30.000 Einheiten begrenzt und wurde im Juli 2024 ausgeliefert. Der Snack Shack ist von einem Food Truck in Key West, Florida, inspiriert.

LEGO 910031 General Store
LEGO 910031 General Store war ein exklusives BrickLink-Set mit 1.906 Teilen und 5 Minifiguren, das 2024 mit einer limitierten Auflage von nur 22.000 Sets veröffentlicht wurde. Es verfügt über einen einstöckigen Gemischtwarenladen mit einer einzigartigen sandblauen und weißen Farbgebung, Innenregalen mit Waren, einer klassischen Registrierkasse und einem Ofen. Das Set enthält 5 Minifiguren und 2 Pferde. Es wurde von Lukasz Lyciuk entworfen.
Der General Store, entworfen von Lukasz Lyciuk, einem IT-Architekten aus Polen, war auf 30.000 Einheiten begrenzt und wurde im Juli 2024 ausgeliefert.

"Raghav Babbar's einzigartiger Stil, technisches Können, steigende Marktnachfrage, Investitionspotenzial und wachsende Anerkennung machen ihn zu einem überzeugenden Künstler für Investitionen. Mit einer Erfolgsbilanz und einer vielversprechenden Zukunft bietet Babbar's Kunst sowohl ästhetischen Genuss als auch finanzielle Chancen für Sammler und Investoren gleichermassen.." - James Kerbey, Experte bei Maddox Advisory


Die künstlerische Verdienst von Raghav Babbar: Eine ansprechende Investitionsmöglichkeit

Künstlerische Exzellenz und persönlicher Ausdruck
Die Kunst von Raghav Babbar erweist sich als verlockende Investitionsmöglichkeit aufgrund ihrer einzigartigen Fusion von zutiefst persönlichen figurativen Gemälden, die von Einflüssen seiner indischen Herkunft und den malerischen Traditionen der britischen Kunst des mittleren 20. Jahrhunderts geprägt sind. Sein grosszügiger Einsatz von Ölfarbe verleiht eine üppige Textur und unterstreicht seinen akribischen Ansatz beim Schichten. Während seine Technik und Interaktionen mit seinen Motiven Parallelen zu britischen Künstlern vergangener Tage hervorrufen, bleibt noch viel zu erkunden.

Subtile Gespräche mit den Motiven
Jenseits des Investitionspotenzials von Ragahavs Kunst zeichnen sich seine Interaktionen mit den Motiven durch ihre sanfte Haltung und Eleganz aus, die sein eigenes bescheidenes und nachdenkliches Naturell widerspiegeln. Oft entnommen aus seinem Freundes- und Bekanntenkreis sowie gewöhnlichen Menschen, die sich durch das Geflecht der indischen Gesellschaft bewegen, werden seine Motive mit bemerkenswerter Empathie und Finesse erhöht und gewürdigt, indem er die rohesten Emotionen in ihren alltäglichen Momenten einfängt.

Meisterschaft im Spiel von Licht und Schatten
Ragahavs Vorliebe dafür, Motive im natürlichen Licht darzustellen, wird von der indischen Lebensweise beeinflusst, die dem drückenden Innenraumklima und dem harten Sonnenlicht im Freien ausweicht. Das weiche Sonnenlicht, unter dem seine Motive oft Zuflucht suchen, wirft markante Schatten, die seinen Kompositionen Tiefe und Dramatik verleihen und ihre emotionale Resonanz weiter verstärken.

Künstlerische Entwicklung und vielfältige Methoden
Als aufstrebender Künstler befindet sich Ragahavs Stil in einem ständigen Zustand der Verfeinerung. Er legt beharrlich Schichten von Ölfarbe über längere Zeiträume, manchmal bis zu 15 Tagen, bevor er die nächste Schicht aufträgt. Doch bestimmte Motive erfordern einen direkteren und rhythmischeren Ansatz, was ihn dazu veranlasst, gemahlenen Kreide mit Ölfarben zu mischen, um den Prozess zu beschleunigen. Sein Repertoire umfasst nun Mehrfigurenkompositionen, in denen sich Formen nahtlos ineinanderfügen, und Einzelfigurendarstellungen, die sich zu subtil abstrahierten Motiven entwickeln und seinem Werk Vielfalt und Tiefe verleihen.

Bemerkenswerte Auktionserfolge
Ein überzeugendes Argument, Raghav Babbar's Kunst als Investition in Betracht zu ziehen, liegt in seiner konsistenten Erfolgsbilanz bei Auktionen, die oft die anfänglichen Schätzungen bei weitem übertreffen. Im Durchschnitt erzielen seine Kunstwerke Preise, die 15 Mal höher sind als ihre anfänglichen Schätzungen, was eine potenziell lukrative Investitionsmöglichkeit darstellt. Zum Beispiel wurde das Kunstwerk "Der Kohlenhändler", das ursprünglich auf 22.543 EUR geschätzt wurde, bei einer Auktion von Sotheby's für beeindruckende 541.033 EUR verkauft.

Raghav Babbars künstlerischer Weg, von seinen Wurzeln in Rohtak bis hin zu seinen Ausbildungswegen in Singapur und London, unterstreicht seine unermüdliche Hingabe und angeborenes Talent. Mit einem sich ständig weiterentwickelnden Stil und einem unverwechselbaren Geschick, die Essenz seiner Motive einzufangen, bietet seine Arbeit eine verlockende Investitionsmöglichkeit im Bereich der zeitgenössischen Kunst.

Warum in Michael-Jordan-Memorabilien investieren?
Geboren am 17. Februar 1963 in Brooklyn, New York, ist ein amerikanischer Basketballspieler, der weithin als einer der Größten aller Zeiten gilt. Aus diesem Grund ist seine Figur in Memorabilien so begehrt. Er wuchs in Wilmington, North Carolina, auf und glänzte an der University of North Carolina at Chapel Hill. 1982 erzielte er den spielentscheidenden Wurf im NCAA-Meisterschaftsspiel. 1984 wählten ihn die Chicago Bulls im NBA-Draft aus. Jordan führte die Bulls in den 1990er Jahren zu sechs NBA-Meisterschaften. Seine Zusammenarbeit mit Nike führte zu den ikonischen Air Jordan-Sneakern.

Historische Bedeutung
Michael Jordan ist eine Basketballlegende, und sein Einfluss auf das Spiel und die Sneaker-Kultur ist immens. Seine Entscheidung, 1984 mit Nike zu unterschreiben, war ein Wendepunkt. Zu dieser Zeit war Nike noch nicht das Kraftpaket, das es heute ist, aber Jordans Partnerschaft mit ihnen half, die ikonische Air Jordan-Linie zu schaffen.

Seltenheit und Sammelwürdigkeit
Signierte Sneaker sind von Natur aus selten, und Jordans Autogramm fügt erheblichen Wert hinzu. Die Knappheit authentischer signierter Jordans macht sie bei Sammlern und Fans äußerst begehrt.

Kultureller Einfluss
Air Jordans sind nicht nur Schuhe; sie repräsentieren ein kulturelles Phänomen. Der Besitz eines Paares verbindet dich mit der Basketballgeschichte, der Popkultur und dem Erbe eines der größten Athleten aller Zeiten.

Finanzielle Renditen
Einige von Jordan signierte Sneaker haben bei Auktionen Rekorde gebrochen und wurden für Millionen von Dollar verkauft. Ein Beispiel dafür ist ein Paar, das Jordan selbst getragen hat und 2021 für 1,472 Millionen Dollar versteigert wurde. Während nicht jedes Paar solche Höhen erreicht, tendiert ihr Wert dazu, im Laufe der Zeit zu steigen.

Design und Qualität
Jordan ist aktiv in das Design seiner Schuhe eingebunden und stellt so höchste Qualität sicher. Verbraucher schätzen es zu wissen, dass ein Sport-Superstar wie er das Design abgesegnet hat.

Über diesen Sneaker
Der Nike Air Jordan 1 Retro High Off-White “UNC” – auch bekannt als die „UNC“ Off-Whites – ist eine Kooperation zwischen der Jordan Brand und dem Off-White-Label von Virgil Abloh. Die Sneaker präsentieren ein Farbschema in Weiß und Dunkel-Puderblau, das Michael Jordans Alma Mater, die University of North Carolina (UNC), ehrt. Das Obermaterial besteht aus dekonstruierter Lederoptik, mit typischen Off-White-Details. Diese ikonischen Sneakers erschienen am 23. Juni 2018. Die Schuhbox befindet sich in der originalen Form, in der sie von der Fabrik zu Upper Deck geliefert wurde. Jordan hat diese limitierte Edition (10) der Nike Air Jordan 1 Retro High Off-White UNC in schwarzer Farbe signiert. Seine Unterschrift gilt als authentisch gemäß dem Five-Step Process von Upper Deck Authenticated.

Zusammenfassend lässt sich sagen, dass die Investition in von Michael Jordan signierte Sneaker historische Bedeutung, Seltenheit, kulturellen Reiz und potenzielle finanzielle Gewinne vereint.

Wer ist Roy Lichtenstein?

Geboren am 27. Oktober 1923 in New York, zeigte Roy schon früh künstlerische und musikalische Fähigkeiten: Er zeichnete, malte und skulptierte bereits als Teenager und verbrachte viele Stunden im American Museum of Natural History und im Museum of Modern Art. Lichtenstein besuchte die Franklin School for Boys, eine private High School, und schloss 1940 ab. Er studierte an der Ohio State University und promovierte 1949 zum Doctor of Fine Arts.

Künstlerischer Stil
Der Popkünstler Roy Lichtenstein griff auf Werbung und Comics zurück, um innovative Gemälde zu schaffen, die amerikanische Popkultur in Galerieräume brachten. Seine frühen Werke waren im abstrakten Expressionismus-Stil, aber erst nach 1957 begann er, mit Bildern aus Comics zu experimentieren, die er auf Pfefferminzgummi-Verpackungen fand. Ab 1961 widmete er sich vollständig der Produktion von Kunstwerken mit massenhaft produzierten kommerziellen Bildern. Mit Farbe und Schablonen zeichnete er akribisch Ben-Day-Punkte und flache Bereiche in Einzelfarben.

Über Composition I
Composition I bringt mit dem Einfluss von Jazzmusik ein Gefühl der Euphorie in das Werk, für das sich Lichtenstein begeisterte. Er fand in der Musik eine Flucht, aber vor allem eine seiner grössten Inspirationsquellen. Als Musikliebhaber verbrachte er seine Jugend oft in Jazz- und Soul-Clubs, als die Musikszene in New York ihren Höhepunkt erreichte. Erfüllt von Freude, Staunen und Vergnügen ist Composition I auch eines der letzten Werke des Künstlers, der ein Jahr später verstarb. Die Tate Modern besitzt einen Druck von Composition I in ihrer Sammlung. Composition I hat ein stetiges Wachstum erfahren, wie es von einem führenden Künstler zu erwarten ist: Im April 2011 wurde das Stück für £19.691 verkauft, im April 2016 für £32.855 und im April 2023 für £55.667.

Ausstellungen und Repräsentationen
Fünf Jahre nachdem er Look Mickey gemalt hatte, ein Bild der Comic-Maus in Primärfarben, vertrat er die Vereinigten Staaten auf der Biennale in Venedig. In den 1970er Jahren hatte er bereits bedeutende Ausstellungen im Pasadena Art Museum, im Stedelijk Museum und im Guggenheim. Lichtensteins Werke wurden bei Auktionen für über 90 Millionen Dollar verkauft. Seine Verwendung von übernommenen Bildern hat Künstler wie Richard Prince, Jeff Koons und Raymond Pettibon beeinflusst.

Öffentliche & private Sammlungen:

Art Gallery of New South Wales, Sydney
National Gallery of Australia, Canberra
Ludwig Museum for International Art, Beijing
Centre Pompidou, Paris
Museum Ludwig, Cologne
Museum für Moderne Kunst, Frankfurt
Hara Museum of Contemporary Art, Tokyo
Stedelijk Museum, Amsterdam MACBA, Barcelona
Moderna Museet, Stockholm
Fondation Beyeler, Basel
Kunsthaus Zürich, Zürich
Kunstmuseum St. Gallen, St. Gallen
Tate, London
The Victoria & Albert Museum, London
Broad Museum, Los Angeles, CA
Cleveland Museum of Art, Cleveland
Denver Art Museum, Denver, CO
Los Angeles County Museum of Art, Los Angeles, CA
The Menil Collection, Houston, TX
The Metropolitan Museum of Art, New York, NY
Museum of Contemporary Art Chicago, Chicago, IL
Museum of Contemporary Art, Los Angeles, CA
The Museum of Modern Art, New York, NY
National Gallery of Art, Washington, D.C.
Portland Art Museum, Portland, OR
San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco, CA
Smithsonian American Art Museum, Washington, D.C.
Solomon R. Guggenheim Museum, New York, NY
Walker Art Center, Minneapolis, MN
Whitney Museum of Art, New York, NY

Warum solltest du in Nike Air Jordan 4 Travis Scott Purple F&F investieren?

Die Nike Air Jordan 4 Travis Scott Purple Friends & Family Sneaker sind ein wahrhaft legendäres Sammlerstück. Diese Sneaker sind das Ergebnis einer langjährigen Zusammenarbeit zwischen Nike/Jordan und dem talentierten Travis Scott und symbolisieren Kreativität, Exklusivität und ikonisches Design.

Nicht für die Öffentlichkeit freigegeben
Die Nike Air Jordan IV Retro Travis Scott 'Purple Suede' sind ein absolut seltener Schatz in der Sneaker-Welt. Die Welt sah sie zum ersten Mal an den Füssen von DJ Chase B während der Einführung der Travis Scott Air Jordan IV 'Houston Oilers'. Als Travis Scott den Sneaker regelmässig im Jahr 2018 trug, weckte er den Wunsch unter Sammlern weltweit. Dieser seltene Schatz wurde schliesslich 2019 als streng limitierte Friends & Family Edition veröffentlicht, was seinen Wert und seine Exklusivität weiter steigerte.

Design und Farbgebung
Die Nike Air Jordan 4 Travis Scott Purple Friends & Family Sneaker sind ein Design-Meisterwerk. Elegantes lila Wildleder, schwarze Elemente und eine durchsichtige graue Sohle: schlicht und stilvoll. Die Ferse zeigt das ikonische Cactus Jack Logo auf dem rechten Schuh und das klassische Nike Air Logo auf dem linken Schuh, ein unverkennbares Zeichen der Exklusivität.

Historische Bedeutung
Der Air Jordan IV, entworfen von dem berühmten Nike-Designer Tinker Hatfield, ist eines der ikonischsten Modelle der Air Jordan-Serie. Es war das zweite Modell, das von Tinker entworfen wurde, und das zweite, das sichtbare Air-Elemente aufwies. Ursprünglich 1989 in vier klassischen Farben veröffentlicht, war der Air Jordan IV aufgrund seiner Beliebtheit Gegenstand zahlreicher innovativer Kooperationen im Laufe der Jahre.

Exklusive Zusammenarbeit mit Travis Scott
Obwohl die Sneaker ein grosses Wertsteigerungspotenzial haben, birgt jede Investition Risiken. Der Schuh ist eng mit der Person von Travis Scott verbunden, und die Situation auf dem Sneakermarkt kann sich ändern, da Trends oft unvorhersehbar sind. Wenn die Nachfrage sinkt oder sich die Sneaker-Kultur verändert, könnte der Wert stagnieren oder sogar sinken. Ausserdem können externe Faktoren wie wirtschaftliche Schwankungen oder Veränderungen im Markenimage den Wert beeinflussen.

"Raghav Babbar's einzigartiger Stil, technisches Können, steigende Marktnachfrage, Investitionspotenzial und wachsende Anerkennung machen ihn zu einem überzeugenden Künstler für Investitionen. Mit einer Erfolgsbilanz und einer vielversprechenden Zukunft bietet Babbar's Kunst sowohl ästhetischen Genuss als auch finanzielle Chancen für Sammler und Investoren gleichermassen.." - James Kerbey, Experte bei Maddox Advisory


Die künstlerische Verdienst von Raghav Babbar: Eine ansprechende Investitionsmöglichkeit

Künstlerische Exzellenz und persönlicher Ausdruck
Die Kunst von Raghav Babbar erweist sich als verlockende Investitionsmöglichkeit aufgrund ihrer einzigartigen Fusion von zutiefst persönlichen figurativen Gemälden, die von Einflüssen seiner indischen Herkunft und den malerischen Traditionen der britischen Kunst des mittleren 20. Jahrhunderts geprägt sind. Sein grosszügiger Einsatz von Ölfarbe verleiht eine üppige Textur und unterstreicht seinen akribischen Ansatz beim Schichten. Während seine Technik und Interaktionen mit seinen Motiven Parallelen zu britischen Künstlern vergangener Tage hervorrufen, bleibt noch viel zu erkunden.

Subtile Gespräche mit den Motiven
Jenseits des Investitionspotenzials von Ragahavs Kunst zeichnen sich seine Interaktionen mit den Motiven durch ihre sanfte Haltung und Eleganz aus, die sein eigenes bescheidenes und nachdenkliches Naturell widerspiegeln. Oft entnommen aus seinem Freundes- und Bekanntenkreis sowie gewöhnlichen Menschen, die sich durch das Geflecht der indischen Gesellschaft bewegen, werden seine Motive mit bemerkenswerter Empathie und Finesse erhöht und gewürdigt, indem er die rohesten Emotionen in ihren alltäglichen Momenten einfängt.

Meisterschaft im Spiel von Licht und Schatten
Ragahavs Vorliebe dafür, Motive im natürlichen Licht darzustellen, wird von der indischen Lebensweise beeinflusst, die dem drückenden Innenraumklima und dem harten Sonnenlicht im Freien ausweicht. Das weiche Sonnenlicht, unter dem seine Motive oft Zuflucht suchen, wirft markante Schatten, die seinen Kompositionen Tiefe und Dramatik verleihen und ihre emotionale Resonanz weiter verstärken.

Künstlerische Entwicklung und vielfältige Methoden
Als aufstrebender Künstler befindet sich Ragahavs Stil in einem ständigen Zustand der Verfeinerung. Er legt beharrlich Schichten von Ölfarbe über längere Zeiträume, manchmal bis zu 15 Tagen, bevor er die nächste Schicht aufträgt. Doch bestimmte Motive erfordern einen direkteren und rhythmischeren Ansatz, was ihn dazu veranlasst, gemahlenen Kreide mit Ölfarben zu mischen, um den Prozess zu beschleunigen. Sein Repertoire umfasst nun Mehrfigurenkompositionen, in denen sich Formen nahtlos ineinanderfügen, und Einzelfigurendarstellungen, die sich zu subtil abstrahierten Motiven entwickeln und seinem Werk Vielfalt und Tiefe verleihen.

Bemerkenswerte Auktionserfolge
Ein überzeugendes Argument, Raghav Babbar's Kunst als Investition in Betracht zu ziehen, liegt in seiner konsistenten Erfolgsbilanz bei Auktionen, die oft die anfänglichen Schätzungen bei weitem übertreffen. Im Durchschnitt erzielen seine Kunstwerke Preise, die 15 Mal höher sind als ihre anfänglichen Schätzungen, was eine potenziell lukrative Investitionsmöglichkeit darstellt. Zum Beispiel wurde das Kunstwerk "Der Kohlenhändler", das ursprünglich auf 22.543 EUR geschätzt wurde, bei einer Auktion von Sotheby's für beeindruckende 541.033 EUR verkauft.

Raghav Babbars künstlerischer Weg, von seinen Wurzeln in Rohtak bis hin zu seinen Ausbildungswegen in Singapur und London, unterstreicht seine unermüdliche Hingabe und angeborenes Talent. Mit einem sich ständig weiterentwickelnden Stil und einem unverwechselbaren Geschick, die Essenz seiner Motive einzufangen, bietet seine Arbeit eine verlockende Investitionsmöglichkeit im Bereich der zeitgenössischen Kunst.

"Albert Willem ist ein belgischer Künstler, der im Alter von 36 Jahren mit dem Malen begann und sich schnell auf Instagram etablierte. Seine Arbeiten starteten im Mai 2022 auf dem Auktionsmarkt durch und erreichte bis zum Ende des Frühlings rapide einen Höchststand von 213.955 US-Dollar. Im Januar 2023 trieb ein Bieter den Rekord des Künstlers bei Sotheby's auf 295.219 US-Dollar." - James Kerbey, Experte bei Maddox Advisory


Warum Albert Willem?

Belgien (1979)
Albert Willem, ein zeitgenössischer figurativer Künstler aus Brüssel, ist bekannt für seine skurrilen Gemälde, die sich durch einen naiven Stil auszeichnen, der mit Witz und Humor durchdrungen ist. Obwohl er keine formale Kunstausbildung hatte, tauchte er in Galerien, Museen und die Kunstszene auf Social-Media-Plattformen ein. Obwohl er als Kind Talent zum Zeichnen zeigte, legte er die Kunst von seinem 12. bis zum 36. Lebensjahr aufgrund von Universitäts- und Familienverpflichtungen beiseite. Vor etwa vier Jahren entfachte er seine Leidenschaft neu, indem er ein Gemälde für seine Wohnkultur schuf, was einen Wendepunkt markierte, den er humorvoll als "Midlife-Krise" bezeichnet.

Künstlerischer Stil
Im Laufe der Zeit hat Willem verschiedene Medien und Techniken erforscht, von Nagellack über Sprühfarbe bis hin zur Textilkunst. Gegenwärtig verwendet er hauptsächlich Acrylfarbe mit einem Hochglanzlack, um lebendige Farben zu erzielen. Während die Mehrheit seiner Werke auf Leinwand sind, verwendet er auch recycelten Karton als Malgrund. Sein künstlerischer Prozess ist schnell, oft werden die Stücke innerhalb von höchstens 48 Stunden fertiggestellt. Über seine Kunstwerke
Seine Gemälde sind unkompliziert, manchmal wirken sie unfertig und zeigen kühn seine rudimentären technischen Fähigkeiten, während sie die rohe Energie eines Anfängers einfangen, der nicht durch künstlerische Konventionen eingeschränkt ist. Seine Werke stellen den Alltag auf eine humorvolle, aber ironische Weise dar und lassen sich oft von Künstlern wie LS Lowry, James Ensor und Breugel dem Älteren inspirieren, jedoch mit einem zeitgenössischen Twist. Willem hat seine Werke international in Deutschland, Russland und Belgien ausgestellt.

Die unendliche Conga
Im Januar 2021 begann Willem ein Projekt, eine ""nie endende Conga-Linie"" zu malen, indem er kontinuierlich weitere Kartonstücke mit Tanzfiguren verzierte, um ihre Länge zu verlängern. Das Kunstwerk kann zum Verkauf aufgeteilt werden, sodass Käufer Segmente des Tanzes besitzen und gemeinsam an der Kunst teilnehmen können.

Aufstrebender Stern
Willem führt einen Grossteil seiner künstlerischen Reise auf soziale Medien zurück und verbringt täglich Stunden damit, Kollegenkünstler zu beobachten und von ihnen zu lernen. Er glaubt, dass die Exposition gegenüber neuer Kunst seinen eigenen Stil ständig weiterentwickelt und ihn dazu treibt, mit verschiedenen Themen und Techniken zu experimentieren.

Präsenz bei Auktionen
Willem's rascher Aufstieg zum Ruhm war bemerkenswert, wobei seine Werke ständig die geschätzten Werte deutlich überschritten. Sein Debütgemälde, Pilgrim Street 8 (2021), wurde für 69.000 US-Dollar verkauft, weit über seinem geschätzten Wert von 8.000 bis 12.000 US-Dollar. Sein Rekordverkauf, Snowbound (2021), erzielte bei Sotheby's Hongkong erstaunliche 225.000 US-Dollar, obwohl der Schätzpreis bei 13.000 bis 19.000 US-Dollar lag. Die Hälfte der 14 bei Auktionen im Jahr 2022 verkauften Werke erzielte über 150.000 US-Dollar, trotz bescheidener Schätzungen.

Warum in Eminem x Nike Air Max 180 investieren, signiert (1 von 8)?
Dieser Nike Air Max 180 (limitiert auf 8 Paare weltweit + signiert von Eminem) ist ein außergewöhnliches Ergebnis einer bemerkenswerten Zusammenarbeit zwischen der Hip-Hop-Ikone Eminem und Nike.

1-of-8
Was diesen Sneaker wirklich einzigartig macht, ist seine extreme Limitierung und persönliche Note. Weltweit gibt es nur acht Paare dieses speziellen Modells, jedes individuell nummeriert (unsere Nummer 4 von 8) und von Eminem persönlich signiert. Diese Signatur macht jedes Paar zu einem unverwechselbaren Kunstwerk und verleiht ihm einen unschätzbaren Wert. Die Kombination aus limitierter Stückzahl und persönlicher Signatur von Eminem macht diesen Sneaker zu einem der begehrtesten Sammlerstücke überhaupt.

Die Nike Charity Serie mit Eminem
Im Jahr 2006 arbeitete Nike mit Eminem zusammen, um die Nike Charity Serie zu starten, eine Initiative, die verschiedene globale Auktionen umfasste, bei denen limitierte Air Max Sneaker von dem Rapper entworfen wurden. Das Ziel der Auktionen war es, benachteiligte Jugendliche weltweit zu unterstützen, wobei alle Erlöse zwischen der Marshall Mathers Foundation und der Kampagne ninemillion.org des UNHCR aufgeteilt wurden.

Exklusivität und Signatur
Was diesen Sneaker wirklich einzigartig macht, ist seine extreme Seltenheit und die persönliche Note. Es gibt weltweit nur acht Paare dieses speziellen Modells, jedes einzeln nummeriert (unseres ist Nummer 4 von 8) und persönlich von Eminem signiert. Diese Unterschrift verwandelt jedes Paar in ein herausragendes Kunstwerk und verleiht ihm unschätzbaren Wert. Die Kombination aus Limited Edition Status und Eminems persönlicher Signatur macht diesen Sneaker zu einem der begehrtesten Sammlerstücke aller Zeiten.

Eminems umfassende Vision
Eminems Vision umfasste acht Designs innerhalb der Air Max Serie, angefangen vom ikonischen Air Max '87, der ursprünglich vom renommierten Schuhdesigner Tinker Hatfield entworfen wurde, bis hin zum modernen Air Max 360. Unter den 64 Paaren, die für die Nike Charity Serie hergestellt wurden, befanden sich auch acht Paare dieses Air Max 180; dank der originalen Signaturen und Verzierungen kann jedes Paar als einzigartig betrachtet werden.

Sammlerwert
Der Eminem x Nike Air Max 97 ist mehr als nur ein Sneaker: Er ist ein wertvolles Sammlerstück und ein Stück Musikgeschichte. Für ernsthafte Sammler von Sneakern und Hip-Hop-Memorabilia ist dieses Modell ein Muss. Die aussergewöhnliche Exklusivität und Eminems persönliche Signatur machen diesen Sneaker zu einem Symbol für Stil, Individualität und kulturelle Bedeutung.

Warum Bunnahabhain?
Gegründet im Jahr 1881, war Bunnahabhain auf den Seehandel angewiesen. Mit einem kleinen Dorf, einem Pier und umfangreichem Wissen in der Whiskyherstellung erhielten Bunnahabhains Vorfahren Lieferungen per Schiff und schickten abenteuerlustige Seeleute mit whiskygefüllten Fässern zurück aufs Festland. In den 1930er Jahren wurde die Brennerei vorübergehend geschlossen.

Historischer Wandel
1960 erlebte Bunnahabhain eine der bedeutendsten Veränderungen in seiner Geschichte: Eine neue Strasse zur Brennerei wurde gebaut. Dies erleichterte den Transport von Vorräten über Land, obwohl die Strecke steil und anspruchsvoll war. 1993 legte das letzte Schiff in Bunnahabhain an, was das Ende der Abhängigkeit vom Seehandel markierte. Die Strasse galt als der geeignetste Weg, um die ständig wachsenden Zutaten und Vorräte zu erhalten.


Erweiterung und Anerkennung
1979 brachte Bunnahabhain seinen klassischen 12-jährigen Single Malt Scotch Whisky auf den Markt, der weltweit Anerkennung fand.
2006, nach der Übernahme durch Burn Stewart Distillers, erfolgte ein grosses Rebranding, einschliesslich des Redesignes der 12-jährigen Verpackung und der Einführung von 18- und 25-jährigen Varianten.
2010 begann Bunnahabhain, Whiskys ohne Kältefiltration und mit natürlicher Farbe bei 46,3% Alkohol herzustellen.
2014 fusionierte Burn Stewart mit Distell, was zu weiteren Investitionen in die Marke und die Brennerei führte.
2017 wurde die Verpackung weiter modernisiert und das Produktsortiment erweitert. Zusätzlich wurde 2021 das neue Besucherzentrum eingeweiht.

Bunnahabhain Whisky
Bunnahabhain ist die einzige Brennerei auf der Insel, die reines Quellwasser verwendet. Aus dem Margadale-Fluss durch Rohre direkt zur Brennerei geleitet, wird das Wasser nicht von dem überall auf der Insel vorkommenden Torf beeinflusst. Dieses reine, unverfälschte Wasser trägt zu Bunnahabhains leichtem und unverwechselbarem Charakter bei. Bunnahabhain wird als einer der besten Scotch Islay Whiskys angesehen, die Brennerei hat eine große Fangemeinde und der Whisky ist sehr gefragt.

Das Fass wird in der Islay-Brennerei gelagert, was seine Herkunft zusätzlich unterstreicht. Wenn ein Fass in der Brennerei gereift ist, insbesondere auf Islay, wo es die salzigen Einflüsse der Umgebung aufnimmt, ist es für ein breiteres Publikum von Interesse, insbesondere für Sammler von Bunnahabhain- und Islay-Whiskys.

Staoshia ist ihre rauchige Variante, da Bunnahabhain bekannt dafür ist, nicht-rauchigen Whisky zu produzieren, was auf Islay eher ungewöhnlich ist. Daher ist die Staoshia-Variante besonders bei Sammlern und unabhängigen Abfüllern beliebt. Die Produktion von rauchigem Whisky nimmt ab und wird aufgrund der hohen CO₂-Emissionen immer teurer, was diesem Fass meiner Meinung nach zusätzliches Wachstumspotenzial verleiht.

Wer ist Britt Boutros-Ghali?

Britt Boutros-Ghali ist eine Weltklasse-Künstlerin, die der Tradition der abstrakten Expressionisten wie Helen Frankenthaler, Joan Mitchell und Franz Kline folgt. Britt wurde 1937 in Svolvær im Norden Norwegens geboren, wo die Sättigung des Lichts im Sommer im Kontrast zur Abwesenheit desselben im Winter stand. Sie überstand das raue Wetter und den gewaltigen Druck des Zweiten Weltkriegs. Diese emotionale Kulisse bot einen fruchtbaren Boden für ihre ausdrucksstarken, farbenfrohen und emotionalen Werke.
Britt lebt und arbeitet seit den letzten fünf Jahrzehnten in Ägypten, wo sie ein integraler Bestandteil der künstlerischen Gemeinschaft des Landes ist. Ihre Kunst, die sich durch lebendige Farben und großformatige, energetische Gemälde auszeichnet, lässt sich von der reichen und exotischen Kultur Ägyptens inspirieren. Mit "Action Painting" verkörpert ihre Arbeit ein Gefühl von Spontaneität und Kreativität.
Die Körperlichkeit von Britts Werk ist durch ihren erfahrenen und kompetenten Einsatz von Materialien offensichtlich - das Thema und das Ergebnis werden durch eine methodische Struktur bestimmt, sind aber im Ergebnis spontan, was es der Natur der Materialien und ihrem Umgang damit ermöglicht, sich zu entfalten und ihre Geheimnisse zu erzählen.
Heute teilt Britt ihre Zeit zwischen Kairo und Agami auf und unterhält Studios an beiden Orten. Ihr Wohnsitz und Studio in Agami, westlich von Alexandria entlang der Nordküste Ägyptens gelegen, spiegeln ihre tiefe Zuneigung zu der Region wider. Der Künstlerkomplex ist ein lebendiges Kunstwerk, durchdrungen von kunstvoll gestalteten Mosaiken und Wandgemälden. Lokale Künstler, Sammler und Personen mit einer Vorliebe für das Einzigartige kommen oft zusammen, um sich an diesem inspirierenden Ort zu versammeln.

Ausstellungen und Anerkennungen
Britt wurde weltweit seit ihrer ersten Ausstellung 1962 in Paris ausgestellt und ist in vielen öffentlichen und privaten Sammlungen vertreten. 1996 erhielt sie den prestigeträchtigen Sankt-Olav-Orden, Norwegens höchste künstlerische Auszeichnung, von König Haakon für ihre kulturellen und künstlerischen Beiträge. 2023 erhielt sie eine Auszeichnung für ihr Lebenswerk für Frauen in den Künsten von der ägyptischen Regierung, eine bedeutende Anerkennung in ihrer Wahlheimat, die zum jüngsten Anstieg der Preise ihrer Werke beitrug.

Britts Werke haben internationale Anerkennung gefunden und sie wurde in zahlreichen renommierten Sammlungen und Kunstinstitutionen weltweit ausgestellt:

Coca Cola Collection
Mercedes Benz Collection
Museum of Modern and Contemporary Arab Art, Doha, Qatar
Museum of Modern Art, Cairo, Egypt
Queen Noor, Museum of Modern Art, Aman, Jourdan
Norsk Hydro Collection
Church of Norway, Alta, Norway
Catholic Church of Bavaria, Germany
Kunst og Industrimuseum, Trondheim, Norway
Saltstrømmen Art Center, Norway - Permanent Installation
Hardanger and Voss Museum, Utne, Norway
Galleri Nord Norge, Harstad, Norway - Permanent Installation
Slovak National Museum, Bratislava, Slovakia
Musée d'Art Contemporain, Marrakesh, Morocco
Galeri Kvale Hammerfest, Norway - Permanent Installation
Kranes Galeri, Tromso, Norway - Permanent Installation
Galeri Vesterålen, Sortland, Norway - Permanent Installation
Paletten, Harstad, Norway - Permanent Installation