Warum in Eminem x Nike Air Max 97 investieren, signiert (1 von 8)?

Dieser Nike Air Max 97 (auf weltweit 8 Paare limitiert + signiert von Eminem) ist das herausragende Ergebnis einer bemerkenswerten Zusammenarbeit zwischen dem Hip-Hop-Idol Eminem und Nike.

Die Nike Charity Serie mit Eminem
Im Jahr 2006 arbeitete Nike mit Eminem zusammen, um die Nike Charity Serie zu starten, eine Initiative, die verschiedene globale Auktionen umfasste, bei denen limitierte Air Max Sneaker von dem Rapper entworfen wurden. Das Ziel der Auktionen war es, benachteiligte Jugendliche weltweit zu unterstützen, wobei alle Erlöse zwischen der Marshall Mathers Foundation und der Kampagne ninemillion.org des UNHCR aufgeteilt wurden.

Exklusivität und Signatur
Was diesen Sneaker wirklich einzigartig macht, ist seine extreme Seltenheit und die persönliche Note. Es gibt weltweit nur acht Paare dieses speziellen Modells, jedes einzeln nummeriert (unseres ist Nummer 6 von 8) und persönlich von Eminem signiert. Diese Unterschrift verwandelt jedes Paar in ein herausragendes Kunstwerk und verleiht ihm unschätzbaren Wert. Die Kombination aus Limited Edition Status und Eminems persönlicher Signatur macht diesen Sneaker zu einem der begehrtesten Sammlerstücke aller Zeiten.

Eminems umfassende Vision
Eminems Vision umfasste acht Designs innerhalb der Air Max Serie, angefangen vom ikonischen Air Max '87, der ursprünglich vom renommierten Schuhdesigner Tinker Hatfield entworfen wurde, bis hin zum modernen Air Max 360. Unter den 64 Paaren, die für die Nike Charity Serie hergestellt wurden, befanden sich auch acht Paare dieses Air Max 97; dank der originalen Signaturen und Verzierungen kann jedes Paar als einzigartig betrachtet werden.

Sammlerwert
Der Eminem x Nike Air Max 97 ist mehr als nur ein Sneaker: Er ist ein wertvolles Sammlerstück und ein Stück Musikgeschichte. Für ernsthafte Sammler von Sneakern und Hip-Hop-Memorabilia ist dieses Modell ein Muss. Die aussergewöhnliche Exklusivität und Eminems persönliche Signatur machen diesen Sneaker zu einem Symbol für Stil, Individualität und kulturelle Bedeutung.

"Albert Willem ist ein belgischer Künstler, der im Alter von 36 Jahren mit dem Malen begann und sich schnell auf Instagram etablierte. Seine Arbeiten starteten im Mai 2022 auf dem Auktionsmarkt durch und erreichte bis zum Ende des Frühlings rapide einen Höchststand von 213.955 US-Dollar. Im Januar 2023 trieb ein Bieter den Rekord des Künstlers bei Sotheby's auf 295.219 US-Dollar." - James Kerbey, Experte bei Maddox Advisory


Warum Albert Willem?

Belgien (1979)
Albert Willem, ein zeitgenössischer figurativer Künstler aus Brüssel, ist bekannt für seine skurrilen Gemälde, die sich durch einen naiven Stil auszeichnen, der mit Witz und Humor durchdrungen ist. Obwohl er keine formale Kunstausbildung hatte, tauchte er in Galerien, Museen und die Kunstszene auf Social-Media-Plattformen ein. Obwohl er als Kind Talent zum Zeichnen zeigte, legte er die Kunst von seinem 12. bis zum 36. Lebensjahr aufgrund von Universitäts- und Familienverpflichtungen beiseite. Vor etwa vier Jahren entfachte er seine Leidenschaft neu, indem er ein Gemälde für seine Wohnkultur schuf, was einen Wendepunkt markierte, den er humorvoll als "Midlife-Krise" bezeichnet.

Künstlerischer Stil
Im Laufe der Zeit hat Willem verschiedene Medien und Techniken erforscht, von Nagellack über Sprühfarbe bis hin zur Textilkunst. Gegenwärtig verwendet er hauptsächlich Acrylfarbe mit einem Hochglanzlack, um lebendige Farben zu erzielen. Während die Mehrheit seiner Werke auf Leinwand sind, verwendet er auch recycelten Karton als Malgrund. Sein künstlerischer Prozess ist schnell, oft werden die Stücke innerhalb von höchstens 48 Stunden fertiggestellt. Über seine Kunstwerke
Seine Gemälde sind unkompliziert, manchmal wirken sie unfertig und zeigen kühn seine rudimentären technischen Fähigkeiten, während sie die rohe Energie eines Anfängers einfangen, der nicht durch künstlerische Konventionen eingeschränkt ist. Seine Werke stellen den Alltag auf eine humorvolle, aber ironische Weise dar und lassen sich oft von Künstlern wie LS Lowry, James Ensor und Breugel dem Älteren inspirieren, jedoch mit einem zeitgenössischen Twist. Willem hat seine Werke international in Deutschland, Russland und Belgien ausgestellt.

Die unendliche Conga
Im Januar 2021 begann Willem ein Projekt, eine ""nie endende Conga-Linie"" zu malen, indem er kontinuierlich weitere Kartonstücke mit Tanzfiguren verzierte, um ihre Länge zu verlängern. Das Kunstwerk kann zum Verkauf aufgeteilt werden, sodass Käufer Segmente des Tanzes besitzen und gemeinsam an der Kunst teilnehmen können.

Aufstrebender Stern
Willem führt einen Grossteil seiner künstlerischen Reise auf soziale Medien zurück und verbringt täglich Stunden damit, Kollegenkünstler zu beobachten und von ihnen zu lernen. Er glaubt, dass die Exposition gegenüber neuer Kunst seinen eigenen Stil ständig weiterentwickelt und ihn dazu treibt, mit verschiedenen Themen und Techniken zu experimentieren.

Präsenz bei Auktionen
Willem's rascher Aufstieg zum Ruhm war bemerkenswert, wobei seine Werke ständig die geschätzten Werte deutlich überschritten. Sein Debütgemälde, Pilgrim Street 8 (2021), wurde für 69.000 US-Dollar verkauft, weit über seinem geschätzten Wert von 8.000 bis 12.000 US-Dollar. Sein Rekordverkauf, Snowbound (2021), erzielte bei Sotheby's Hongkong erstaunliche 225.000 US-Dollar, obwohl der Schätzpreis bei 13.000 bis 19.000 US-Dollar lag. Die Hälfte der 14 bei Auktionen im Jahr 2022 verkauften Werke erzielte über 150.000 US-Dollar, trotz bescheidener Schätzungen.

"Entdecke die faszinierende Welt der zum Verkauf stehenden Kunstwerke der talentierten Künstlerin Ksenia Pasyura. Geboren 1986 in der Ukraine, ist die in London ansässige Künstlerin bekannt für ihre lebendigen Gemälde, die die menschliche Form erforschen. Ihre Arbeit verbindet traditionelle Porträtmalerei mit abstrakten Elementen und verwandelt Körper in surreale Kompositionen. Sie taucht ein in die Beziehung zwischen Geist und Körper und verwendet Humor und verspielte Motive, um Schönheits- und Identitätsvorstellungen herauszufordern." - James Kerbey, Experte bei Maddox Advisory.


Wer ist Ksenia Pasyura und warum in sie investieren?

Ksenia Pasyura, geboren 1986, ist eine visuelle Künstlerin und Malerin mit Sitz in London. Ihre künstlerischen Bestrebungen drehen sich um eine tiefgreifende Erforschung des menschlichen Körpers in seinen verschiedenen Formen. Pasyuras Kunstwerke zeichnen sich durch einen lebendigen und dynamischen Stil aus, der traditionelle Porträtkunst mit abstraktem Expressionismus verbindet und eine surreale Perspektive auf die menschliche Form bietet.

Künstlerischer Ansatz
Indem sie sich mit der komplexen Beziehung zwischen Geist und Körper beschäftigt, stellt Ksenia Pasyura menschliche Figuren in ihren Gemälden mit charakteristischen Merkmalen dar, wie unnatürlich breiten Lächeln, überproportional grossen Füssen und verdrehten Anatomien, die absichtlich traditionelle Geschlechternormen trotzen. Diese bewusste Abkehr von konventioneller Darstellung unterstreicht ihren Glauben daran, dass der Körper als Leinwand fungiert, die die Feinheiten der menschlichen Psychologie und Emotionen widerspiegelt. Mit Humor und karnevalhaften Bildern vermitteln Pasyuras Schöpfungen Schichten von Komplexität und Ironie und fordern die Betrachter heraus, konventionelle Vorstellungen von Schönheit und Identität neu zu bewerten. Durch ihre Darstellung von Figuren mit verzerrten Gliedmassen und vergrösserten Augen ermutigt sie zur Kontemplation über das Wesen der Verkörperung und Selbstwahrnehmung. Diese Figuren entstehen als mächtige Symbole, die die Widersprüche der menschlichen Erfahrung verkörpern.

Erforschung des Grotesken
Pasyura widmet sich dem provokativen Thema des Grotesken, das in der zeitgenössischen Kultur oft marginalisiert wird, indem sie Körper feiert, die als unattraktiv oder unkonventionell gelten. Ihre grossformatigen Kompositionen, gekennzeichnet durch lebendige Farben, trotzen gesellschaftlichen Normen, indem sie diese vermeintlich unangenehmen Formen erheben. Über ihre visuelle Wirkung hinaus vermitteln Pasyuras Gemälde nuancierte Erzählungen, in denen ihre Protagonisten eine Leichtigkeit und Freude ausstrahlen und etablierte Schönheitsideale in Frage stellen und zur Reflexion über die subjektive Natur der Ästhetik anregen.

Unterstützung von aufstrebenden Talenten durch Nahmad Projects
Nahmad Projects, gegründet 2016, konzentrierte sich zunächst auf konzeptuelle und zeitgenössische Kunst, wie sie in seiner Eröffnungsausstellung kuratiert von Francesco Bonami zu sehen war, inspiriert von der Arbeit von Tino Sehgal. Joseph Nahmad, der Gründer der Galerie, stammt aus der angesehenen Nahmad-Kunstdynastie, bekannt für ihre umfangreiche Kunstsammlung im Wert von rund 3 Milliarden US-Dollar, zu der zahlreiche Werke von Picasso gehören. Während Nahmad Projects etablierte Künstler wie Raghav Babbar und Jan Frank präsentiert hat, hat es auch ein Engagement für die Entdeckung und Förderung aufstrebender Talente gezeigt. Die Expertise der Nahmad-Familie erstreckt sich auf moderne Meister wie Alexander Calder, Jean Dubuffet, Pierre-Auguste Renoir und andere. Darüber hinaus pflegt Nahmad Projects Verbindungen zu Nahmad Contemporary, einer Galerie für den Sekundärmarkt, die eine vielfältige Auswahl etablierter Künstler von Odilon Redon und Joan Miró bis hin zu Richard Prince und John Chamberlain präsentiert.

"Angetrieben von einem V12-Motor und gepaart mit dem äusserst begehrten 6-Gang-Schaltgetriebe liefert dieser Vantage phänomenale Leistungsfähigkeiten. Mit der Zeit neigen gut gepflegte und gefragte Aston Martin Modelle dazu, an Wert zu gewinnen. Der V12 Vantage hat das Potenzial, ein zukünftiger Klassiker zu werden." - David Spickett, CEO von TheCarCrowd


Warum der Aston Martin V12 Vantage?
Seltener als ein Ferrari F40
Der Aston Martin V12 Vantage hat unter Sammlern großes Gewicht. Aston Martin ist bekannt für seine zeitlosen und eleganten Designs und dieses besondere Auto ist keine Ausnahme.

Starkes Wertsteigerungspotenzial
Historisch gesehen haben limitierte Hochleistungsmodelle von Automobilherstellern, insbesondere von renommierten Marken wie Aston Martin, ein starkes Potenzial für Wertsteigerungen gezeigt. Wenn diese Autos sammelwürdiger werden, neigen ihre Werte dazu, zu steigen.

Einzigartige Investitionsmöglichkeit
Ähnlich wie bei seinen Konkurrenten wird das 6-Gang-Getriebe bei Hochleistungsfahrzeugen immer seltener, ganz zu schweigen von der Kombination mit einem V12-Motor. Diese Einzigartigkeit in der heutigen Zeit ist fast unheard of und stellt eine vielversprechende Investitionsmöglichkeit dar, da Sammler darum kämpfen, eines der letzten manuellen V12-Fahrzeuge zu ergattern, die eine Fabrik verlassen. Die Kombination eines 5.9 V12-Motors und eines Schaltgetriebes bietet ein Fahrerlebnis, das in modernen Autos immer seltener wird. Diese einzigartige Mischung aus Leistung und Engagement kann Fahrenthusiasten und Sammler anziehen.

Eine reiche Geschichte von Luxus und Leistung
Aston Martin hat eine reiche Geschichte und ist synonym für Luxus und Leistung. Die Assoziation der Marke mit ikonischen Persönlichkeiten und ihre Präsenz in der Popkultur, wie zum Beispiel in der James Bond-Franchise, verstärken ihre Anziehungskraft.

Zeitloses Design und Liebe zum Detail
Aston Martin ist bekannt für sein zeitloses Design und seine Liebe zum Detail. Der V12 Vantage ist keine Ausnahme und verfügt über das klassische Aston Martin-Design, das wahrscheinlich attraktiv und relevant bleiben wird, was zu seinem langfristigen Wert beiträgt.

Warum dieser V12 Vantage?
Begehrt von Sammlern
Dieses besondere Exemplar ist eine Carbon Black Edition von 2012 mit 28.3k Meilen. Es wird angenommen, dass weltweit nur 230 Stück produziert wurden und nur 30 im Vereinigten Königreich. Mit 7 Vorbesitzern, 8 Hauptdienststempeln und einer kürzlichen Überholung im Wert von £18,000. Das Auto verfügt ausserdem über eine vollständige PPF (Lackschutzfolie) an der Vorderseite.
Zusätzliche Merkmale umfassen Kohlefaser-Seitenstreben, glänzend schwarze 10-Speichen-Diamantschnitt-Leichtmetallräder, leichte Kohlefaser- und Kevlar-Sportsitze sowie einzigartige Kohlefaser-Trittplatteneinlagen.
Dieses Exemplar hat auch einen Kohlefaser-Frontsplitter, Motorhaubenlüftungen und einen hinteren Stoßfängereinsatz.
Es fährt auf einem korrekten Satz von 19-Zoll-Doppelspeichen-Leichtmetallrädern, die in glänzendem Schwarz mit Diamantschliff-Oberflächen ausgeführt sind, und umrahmt glänzend schwarze Aston Martin-Bremssättel über Kohlenstoff-Keramik-Scheiben, bereift mit Michelin Pilot Sport 4S-Reifen.
Ausstattung umfasst Xenon-Scheinwerfer, vordere und hintere Parksensoren, klare Rückleuchten, Tempomat, ein ausklappbares Infotainmentsystem mit Satellitennavigation und Bluetooth-Konnektivität, automatische Klimaanlage, umschaltbaren Sportmodus, ein Aston Martin 700-Watt-Premium-Audiosystem und elektrisch verstellbare Sitze mit dreifacher Memory-Funktion.
Dieses Exemplar erhielt 2019 eine Lackschutzfolie an der Vorderseite durch die Techniker von NVN London.

Echte Investitionskilometer
Dieses spezielle Exemplar hat in seinen 12 Jahren etwa 2.400 Meilen pro Jahr zurückgelegt, was ihm eine niedrige, seltene und investierbare Laufleistung verleiht.

Vergangene Performance
Die Grafik zeigt, dass der V12 Vantage seit 2019 eine Wertsteigerung von 47,74% verzeichnet hat, was einer jährlichen Steigerung von 9,55% entspricht.

"Entdecke die faszinierende Welt der LEGO Classic Cars Sets, lizenzierten Nachbildungen beliebter Highlights der Automobilgeschichte. Diese detailgetreuen Modelle bieten beeindruckende Bau- und Spielerlebnisse und sind aufgrund ihrer Seltenheit wertvolle Sammlerstücke. LEGO Creator Expert VW Käfer (10252): Ein beliebtes Modell des VW Käfers, von LEGO produziert bis Ende 2020. LEGO VW T1 Campingbus (10220): Authentisches Design des ikonischen Campingbusses, ebenfalls bis Ende 2020 von LEGO produziert. LEGO Creator Expert Volkswagen T2 Campingbus (10279): Verspielte Nachbildung des äusserst beliebten VW T2, bis Ende 2022 im Detailhandel erhältlich. LEGO Creator Expert Ford Mustang (10265): Ikonisches Muscle-Car-Modell, produziert bis Ende 2023. LEGO Icons Fiat 500 (10271): Charmante Nachbildung des Fiat 500 in gelb, produziert bis Ende 2022. LEGO Creator Expert Fiat 500 (77942): Limitierte Ausgabe des Fiat 500 in blau, von LEGO produziert bis Ende 2021. Alle angebotenen Sets sind bereits nicht mehr regulär im Detailhandel erhältlich, erfreuen sich jedoch einer kontinuierlich hohen Nachfrage." - André Schulze, GOLDSTEIN.SHOP


Warum in LEGO Classic Cars Sets investieren?

Starke Wiederverkaufsmärkte
LEGO-Sets, insbesondere solche, die aus dem Sortiment genommen wurden oder Teil limitierter Auflagen sind, steigen oft signifikant im Wert. Klassische Auto-Sets erfreuen sich besonders bei Sammlern und Enthusiasten grosser Beliebtheit, was die Wiederverkaufspreise auf Sekundärmärkten wie eBay oder BrickLink antreiben kann.

Nostalgischer Reiz
Klassische Autos haben einen zeitlosen Charme und ziehen eine breite Käuferschaft an, von Auto-Enthusiasten bis zu LEGO-Sammlern. Die Kombination aus Nostalgie für klassische Autos und der ikonischen LEGO-Natur kann eine starke Nachfrage nach diesen Sets erzeugen.

Limitierte Produktionsläufe
LEGO produziert häufig nur begrenzte Mengen bestimmter Sets. Sobald ein Set aus dem Sortiment genommen wird, ist es nicht mehr im Einzelhandel erhältlich, was die Knappheit erhöht und die Preise steigen lassen kann. Klassische Auto-Sets, die sehr begehrt sind, können nach ihrer Auslistung erhebliche Preissteigerungen erfahren.

Hochwertige Bauweise
LEGO Classic Car Sets sind für ihre detaillierte und hochwertige Bauweise bekannt. Die kunstvollen Designs und die Liebe zum Detail sprechen sowohl LEGO-Fans als auch Auto-Enthusiasten an und machen diese Sets zu attraktiven Ausstellungsstücken und Gesprächsthemen.

Gemeinschaft und Markttrends
Die LEGO-Community ist aktiv und wächst ständig, mit vielen Foren, Social-Media-Gruppen und Conventions, die sich dem Hobby widmen. Markttrends zeigen, dass bestimmte Themen und Sets, insbesondere solche, die mit populärer Kultur oder spezifischen Interessen wie klassischen Autos verbunden sind, in Bezug auf Investitionsrenditen gut abschneiden.

Unser Classic Cars LEGO-Release umfasst die folgenden Sets:
LEGO Creator Expert Volkswagen Beetle (10252) - 15 Sets
LEGO Volkswagen T1 Campingbus (10220) - 15 Sets
LEGO Creator Expert Volkswagen T2 Campingbus (10279) - 15 Sets
LEGO Creator Expert Ford Mustang (10265) - 15 Sets
LEGO Icons Fiat 500 (10271) - 15 Sets
LEGO Creator Expert Fiat 500 (77942) - 15 Sets

Gründe für die Auswahl dieser Sets:

LEGO Creator Expert Volkswagen Beetle
Das LEGO Volkswagen Beetle Set, entworfen von LEGO Designer Mike Psiaki, ist ein akribisch gestaltetes Modell, das die ikonischen Kurven und Konturen des Autos der 1960er Jahre perfekt nachbildet. Mit 1.167 Teilen gebaut, beinhaltet dieses Set neu eingeführte Teile zur Nachbildung der charakteristischen ausladenden Kotflügel des Käfers.
Dieses Modell geht über die blosse Rekonstruktion der eleganten Linien des Käfers hinaus; es enthält eine detaillierte Miniaturversion des luftgekühlten Vierzylinder-Motors, beige neigbare Sitze, öffnende Türen, Kofferraum und Motorhaube. Weitere Details sind ein versteckter Ersatzreifen, mehrere Kennzeichenoptionen sowie die erkennbaren runden Scheinwerfer und Radkappen.
Als Co-Branding-Set mit Volkswagen bietet der LEGO Volkswagen Beetle außergewöhnliche Authentizität und Anziehungskraft. Sein aufwendiges Design und die Markenbindung machen es zu einem wertvollen Sammlerstück und einer vielversprechenden Investitionsmöglichkeit.

LEGO Volkswagen T1 Campingbus
Der LEGO 10220 Volkswagen T1 Campingbus, veröffentlicht 2011, ist ein hochdetailliertes und begehrtes Set mit 1.332 Teilen. Dieses fortgeschrittene Modell ist eine getreue Nachbildung des ikonischen Volkswagen Campingbusses von 1962, mit einem markanten Farbaufteilung in 'V'-Form, abgerundetem Dach, 'Splittie'-Safari-Windschutzscheibe, aufklappbarem Dach mit Textilvorhängen und seitlichen Lufteinlassöffnungen.
Das Set wurde im Dezember 2020 nach einer erfolgreichen Laufzeit von 111 Monaten aus dem Sortiment genommen, was seine Seltenheit und Anziehungskraft erhöht. Sein Design basiert auf der klassischen T1-Version, mit einem Interieur, das einen VW-Boxermotor, eine Sitzbank, einen Schaltknauf, ein schräges Armaturenbrett und klappbare Möbel umfasst. Das Modell misst über 5 Zoll in der Höhe und 11 Zoll in der Länge und ist mit Volkswagen als Co-Branding versehen, was seinen Wert und seine Attraktivität bei Sammlern weiter steigert.
Aufgrund seiner detailreichen Handwerkskunst, begrenzten Verfügbarkeit und starken Markenbindung stellt der LEGO Volkswagen T1 Campingbus eine vielversprechende Investitionsmöglichkeit dar.

LEGO Creator Expert Volkswagen T2 Campingbus
Der LEGO 10279 Volkswagen T2 Campingbus, im Jahr 2021 als 2.207-teiliges Icons-Exklusivset veröffentlicht, ist ein detailliertes Modell des ikonischen "Microbus", hergestellt von Volkswagen in den 1960er und 1970er Jahren. Dieses Set wurde im November 2022 nach einer kurzen 15-monatigen Laufzeit aus dem Sortiment genommen, was seine Seltenheit und Sammelbarkeit erhöht.
Das Modell präsentiert einen akribisch gestalteten Campingbus mit einem detaillierten Interieur, einschließlich Küchenzeile, Sitzbereich und Schlafbereich. Es enthält auch verschiedene Zubehörelemente wie ein Surfbrett, einen Sonnenschirm und einen Kühler, was seinen Display- und Spielwert erhöht.
Entworfen, um sowohl LEGO-Fans als auch Volkswagen-Enthusiasten anzusprechen, bietet dieses Co-Branding-Set hohe Authentizität und Charme. Seine begrenzte Verfügbarkeit und detailreiche Gestaltung machen den Volkswagen T2 Campingbus zu einem wertvollen Sammlerstück und einer klugen Investitionsmöglichkeit.

LEGO Creator Expert Ford Mustang
Das LEGO 10265 1960s Ford Mustang Set, 2019 als Teil der Creator Expert Serie veröffentlicht, ist ein hochdetailliertes Modell mit 1.470 Teilen. Begleitet von einem 212-seitigen Anleitungshandbuch, basiert dieses Set vermutlich auf dem 1967 GT Fastback und verfügt über ein 4-Gang-Schaltgetriebe, Allradantrieb und einen 2,4-Liter-V8-Motor. Das Set stellt den klassischen Ford Mustang GT350, auch bekannt als ""Shelby"", mit seinen charakteristischen fünf-Speichen-Rädern und dem Original-Design der Vorderradantrieb und Getriebe.
Nach einer Laufzeit von 58 Monaten wurde das Set im Januar 2024 aus dem Sortiment genommen, was sein Investmentpotenzial erhöht. Es beinhaltet auch ein umfassendes 200-seitiges Anleitungshandbuch mit historischen Einblicken in die Entwicklung des Autos.
Entworfen von LEGO Designern Mike Psiaki und Adam Grabowski, erfasst dieses Co-Branding-Set mit Ford die Essenz des ikonischen 1960er Ford Mustangs, was es zu einem wertvollen Sammlerstück und einer attraktiven Investitionsmöglichkeit macht.

LEGO Icons Fiat 500
Das LEGO 10271 Fiat 500, 2020 als 960-teiliges Icons-Set veröffentlicht, ist ein akribisch detailliertes Modell mit authentischen Elementen wie einem Gepäckträger, detailliertem Interieur und öffnenden Teilen. Es beinhaltet auch eine Staffelei mit einem 'Gemälde', was seinen Charme erhöht.
Nach einer Laufzeit von 32 Monaten wurde das Set im November 2022 aus dem Sortiment genommen, was seine Sammelbarkeit durch die begrenzte Produktionsdauer erhöht. Das Modell repräsentiert den Heckmotor, viersitzigen Kleinwagen, der von Fiat von 1957 bis 1975 hergestellt wurde und die Essenz dieses klassischen Fahrzeugs einfängt.
Entworfen von LEGO Designer Pierre Normandin und in Zusammenarbeit mit Fiat gebrandmarkt, spricht dieses Set sowohl LEGO-Enthusiasten als auch Autoliebhaber an, was es zu einer wertvollen und vielversprechenden Investitionsmöglichkeit.

Wer ist Britt Boutros-Ghali?

Britt Boutros-Ghali ist eine Weltklasse-Künstlerin, die der Tradition der abstrakten Expressionisten wie Helen Frankenthaler, Joan Mitchell und Franz Kline folgt. Britt wurde 1937 in Svolvær im Norden Norwegens geboren, wo die Sättigung des Lichts im Sommer im Kontrast zur Abwesenheit desselben im Winter stand. Sie überstand das raue Wetter und den gewaltigen Druck des Zweiten Weltkriegs. Diese emotionale Kulisse bot einen fruchtbaren Boden für ihre ausdrucksstarken, farbenfrohen und emotionalen Werke.
Britt lebt und arbeitet seit den letzten fünf Jahrzehnten in Ägypten, wo sie ein integraler Bestandteil der künstlerischen Gemeinschaft des Landes ist. Ihre Kunst, die sich durch lebendige Farben und großformatige, energetische Gemälde auszeichnet, lässt sich von der reichen und exotischen Kultur Ägyptens inspirieren. Mit "Action Painting" verkörpert ihre Arbeit ein Gefühl von Spontaneität und Kreativität.
Die Körperlichkeit von Britts Werk ist durch ihren erfahrenen und kompetenten Einsatz von Materialien offensichtlich - das Thema und das Ergebnis werden durch eine methodische Struktur bestimmt, sind aber im Ergebnis spontan, was es der Natur der Materialien und ihrem Umgang damit ermöglicht, sich zu entfalten und ihre Geheimnisse zu erzählen.
Heute teilt Britt ihre Zeit zwischen Kairo und Agami auf und unterhält Studios an beiden Orten. Ihr Wohnsitz und Studio in Agami, westlich von Alexandria entlang der Nordküste Ägyptens gelegen, spiegeln ihre tiefe Zuneigung zu der Region wider. Der Künstlerkomplex ist ein lebendiges Kunstwerk, durchdrungen von kunstvoll gestalteten Mosaiken und Wandgemälden. Lokale Künstler, Sammler und Personen mit einer Vorliebe für das Einzigartige kommen oft zusammen, um sich an diesem inspirierenden Ort zu versammeln.

Ausstellungen und Anerkennungen
Britt wurde weltweit seit ihrer ersten Ausstellung 1962 in Paris ausgestellt und ist in vielen öffentlichen und privaten Sammlungen vertreten. 1996 erhielt sie den prestigeträchtigen Sankt-Olav-Orden, Norwegens höchste künstlerische Auszeichnung, von König Haakon für ihre kulturellen und künstlerischen Beiträge. 2023 erhielt sie eine Auszeichnung für ihr Lebenswerk für Frauen in den Künsten von der ägyptischen Regierung, eine bedeutende Anerkennung in ihrer Wahlheimat, die zum jüngsten Anstieg der Preise ihrer Werke beitrug.

Britts Werke haben internationale Anerkennung gefunden und sie wurde in zahlreichen renommierten Sammlungen und Kunstinstitutionen weltweit ausgestellt:

Coca Cola Collection
Mercedes Benz Collection
Museum of Modern and Contemporary Arab Art, Doha, Qatar
Museum of Modern Art, Cairo, Egypt
Queen Noor, Museum of Modern Art, Aman, Jourdan
Norsk Hydro Collection
Church of Norway, Alta, Norway
Catholic Church of Bavaria, Germany
Kunst og Industrimuseum, Trondheim, Norway
Saltstrømmen Art Center, Norway - Permanent Installation
Hardanger and Voss Museum, Utne, Norway
Galleri Nord Norge, Harstad, Norway - Permanent Installation
Slovak National Museum, Bratislava, Slovakia
Musée d'Art Contemporain, Marrakesh, Morocco
Galeri Kvale Hammerfest, Norway - Permanent Installation
Kranes Galeri, Tromso, Norway - Permanent Installation
Galeri Vesterålen, Sortland, Norway - Permanent Installation
Paletten, Harstad, Norway - Permanent Installation

Wer ist Will Martyr und warum in seine Werke investieren?

Frühe Karriere und Einflüsse:
Will Martyr (*1980 in Eastbourne, UK) ist ein renommierter britischer Künstler, bekannt für seinen lebendigen und farbenfrohen Stil. Aktuell lebt und arbeitet er in London, wo seine Werke in hochrangigen internationalen privaten und Unternehmenssammlungen gefeiert werden, oft durch private Aufträge entstanden.

Prägende Jahre und künstlerische Entwicklung:
Martys künstlerische Reise begann an der Slade School, wo er sich intensiv mit Farbtheorie beschäftigte und von modernistischen Meistern wie Ellsworth Kelly, Josef Albers und Richard Diebenkorn beeinflusst wurde. Seine Zeit in New York prägte ebenfalls seine frühen Werke, die durch die architektonische Vielfalt der Stadt und ihre lebendige Kunstszene inspiriert wurden. Diese Periode inspirierte seine architektonischen Gemälde, die er nach seiner Rückkehr nach London und während seines Studiums am Royal College of Art weiterentwickelte.

Eigenständiger Stil und Themen:
Martys Werke sind bekannt für ihre direkte und unmittelbare Wirkung, die vertraute Bilder mit kühnen, saftigen Farben und gelegentlichen Berührungen von Diamantstaub kombiniert. Seine Gemälde rufen Erinnerungen an Urlaube hervor, geprägt von postkartengleichen Slogans, und zeigen futuristische Casinos sowie ruhige, ungestörte Räume. Der Einfluss des amerikanischen Nachkriegs-Amerikanas, des Pop-Art, des Modernismus, des italienischen Futurismus und des russischen Konstruktivismus ist in seiner Arbeit deutlich spürbar.

Internationale Anerkennung und Zusammenarbeit:
Im Laufe seiner Karriere war Martyr an bedeutenden Projekten beteiligt, wie dem pan-europäischen interprofessionellen Projekt über das Bauhaus im Jahr 2010, wo er mit Künstlern, Historikern, Architekten und Designern an Projekten am Bauhaus in Dessau und am Theaterhaus Jena von Walter Gropius zusammenarbeitete. Seine Werke wurden international ausgestellt und sind in Sammlungen prominenter Institutionen erhalten.


Gruppen- und Einzelausstellungen:

2023
The Maddox Collection, Group Exhibition, Maddox Gallery, London, UK
Will Martyr - A World Elsewhere, Solo Exhibition, Maddox Gallery, London, UK
Will Martyr - A World Elsewhere, Solo Exhibition, Maddox Gallery,Gstaad, CH

2021
Will Martyr: You Gave Me Paradise, Solo Exhibition, Unit London, London, UK

2019
Ffs: Modern and Contemporary Art, Group Exhibition, Unit London, London UK

2018
Will Martyr: Fathoms, Solo Exhibition, Unit London, London UK

2017
Will Martyr: Wanderlust, Solo Exhibition, Unit London, London UK

2014
Group Show, Hay Hill Gallery, London UK
Will Martyr, Solo Exhibition, Hay Hill Gallery, London UK
Group Show, Hay Hill Gallery, London UK

2013
Group Show, Hay Hill Gallery, London UK

2012
International Summer Showcase, Group Exhibition, Hay Hill Gallery, London UK
Hay Hill Gallery Retrospective, Group Exhibition, Hay Hill Gallery, London UK

2011
Urban Landscapes, Group Exhibition, Hay Hill Gallery, London UK

2007
The Great Exhibition 2007, Royal College of Art Sumer Show, London UK


Art Fairs:

2023
Art Miami 2023, Miami, FL, USA

2022
Art Miami 2022, Miami, FL, USA

2017
Art Wynwood 2017, Miami, FL, USA

2016
ArtePadova 2016, Padova, Italy

Warum in eine Kelly Bag investieren?
Der Anhaltende Charme und die Raffinesse der ikonischen Kelly Bag
Ursprünglich bekannt als Sac-à-Depêche und von dem renommierten französischen Luxushaus Hermès im Jahr 1935 gefertigt, erhielt die ikonische Kelly Bag später ihren Namen von der verehrten amerikanischen Schauspielerin und Fürstin von Monaco, Grace Kelly. Die Verbindung von Grace Kelly mit der Tasche, insbesondere ihre Verwendung, um ihre Schwangerschaft vor den Paparazzi zu verbergen, trug zu ihrer Anziehungskraft und ihrem Geheimnis bei. Seitdem ist die Kelly-Tasche gleichbedeutend mit zeitloser Eleganz, makelloser Handwerkskunst und unvergleichlichem Stil geworden und hat sich als eine der begehrtesten Luxushandtaschen weltweit etabliert.

Exklusivität und Seltenheit auf dem Hermès-Markt
Hermès ist berühmt für seine strengen Kaufrichtlinien, die die Anzahl der Taschen einschränken, die eine Person jährlich kaufen kann. Durch die bewusste Aufrechterhaltung einer begrenzten Produktion stellt die Marke sicher, dass es mehrere Jahre dauert, bis potenzielle Käufer an der Reihe sind. Folglich wird der Sekundärmarkt zu einem bevorzugten Weg für diejenigen, die Wartelisten umgehen möchten. Selbst gebrauchte Kelly-Taschen in stark gebrauchtem Zustand erzielen Preise von mehr als 10.000 Euro und unterstreichen damit ihre aussergewöhnliche Seltenheit und begehrte Natur.

Warum eine Padded Kelly?
Einzigartiges Design inspiriert von Vintage-Autos
In die neue Version der Kelly 25 Tasche zu investieren bedeutet, ein Stück mit einem markanten Design zu besitzen, das den gepolsterten Innenräumen klassischer Automobile Tribut zollt. Das sorgfältig erhöhte Leder an allen Seiten schafft eine weiche und luxuriöse Textur, die einen modernen Twist hinzufügt und gleichzeitig den nostalgischen Charme von Vintage-Autos heraufbeschwört.

Vorbildliche Handwerkskunst
Jede Kante der Tasche ist sorgfältig mit Sattelnähten versehen, eine Technik, die nicht nur die Struktur verstärkt, sondern auch die Handwerkskunst hervorhebt. Diese sorgfältige Naht teilt die Vorder- und Rückseite der Tasche in der Mitte, wodurch zwei verschiedene Abschnitte entstehen, die dem Design Tiefe verleihen und das Erbe der Tasche betonen. Es zeigt eine perfekte Mischung aus Tradition und Innovation.

Zeitlose Eleganz und Raffinesse
Das Gesamterscheinungsbild der Kelly 25 ist eine Feier der zeitlosen Eleganz und Raffinesse. Durch die Investition in diese Tasche erwerben Sie ein Statement-Piece, das klassische Inspiration mit zeitgenössischem Flair verbindet, was sie zu einer wertvollen Ergänzung jeder Sammlung macht.

Der Ausblick für 2024 für die Hermès Mini Kelly bleibt optimistisch, mit anhaltend hoher Nachfrage. Kelly Ledertaschen, die als "store fresh" gekennzeichnet sind, erzielen immer noch Preise um die $30.000 bis $40.000 auf Plattformen wie Sotheby's, und manchmal sogar höher bei Auktionen, abhängig von Faktoren wie Farbe und Produktionsjahr. Obwohl wir nicht die gleichen Höchstpreise wie 2022 beobachten, bleibt die Nachfrage robust. Ledertaschen der Kelly werden gegenüber exotischen oder Vintage-Versionen bevorzugt und behalten ihre Beliebtheit bei der Hermès-Klientel. Trotz der Aufmerksamkeit von Mode-Redakteuren und Designern, die sich auf grössere Taschen verlagert, bleiben Taschen, einschliesslich der Kelly, weiterhin sehr gefragt.

Warum in Choi Myoung-Young investieren?

Choi Myoung-Young ist eine führende Figur in der Dansaekhwa-Bewegung und der zeitgenössischen koreanischen Kunst. Dansaekhwa, was übersetzt "Eintonmalerei" bedeutet, wurde in den 1970er Jahren formalisiert in Bezug auf koreanische Künstler, die die abstrakte Malerei in Reaktion auf eine turbulente sozialpolitische Umgebung neu definierten.

Prägende Jahre und künstlerische Einflüsse
Geboren in Haeju, Hwanghae-do, im Jahr 1941, defektierte Young während des Koreakrieges nach Südkorea und wuchs in Gunsan und Incheon auf. Im Jahr 1957 begann er sein Kunststudium an der Incheon National School of Education unter der Anleitung des Meisterkünstlers Chung Sanghwa, wonach er 1960 an die Hongik University College of Fine Arts wechselte, um Malerei zu studieren.

Entwicklung der Methodik und des Stils
Nach seinem Hochschulabschluss im Jahr 1964 verbrachte Young den Rest des Jahrzehnts als Mitglied der Künstlergruppen Origin Society (1963–1993), Korean Avant-Garde Association (A.G., 1970–1973) und École de Seoul (1975–1999) und nahm an Veranstaltungen wie der Pariser Biennale (1967) und der São Paulo Biennale (1969) teil, um als aufstrebender Künstler Fuss zu fassen. Seit Mitte der 1970er Jahre hat Young beharrlich erforscht, seinen Körper und die Beziehung zwischen der Leinwandebene und dem Medium der Farbe unter dem Thema "Bedingte Ebenen" zu nutzen, wiederholte und variierte körperliche Handlungen auf der flachen Oberfläche, um die malerische Existenz zu verstehen. Mitte der 1970er Jahre produzierte der Künstler das, was heute als die "Sandpapier" und "Fingerabdruck" -Serien bekannt sind. Während der mittleren 1980er und der 1990er Jahre nahmen Youngs repetitive Bewegungen vertikale und horizontale Orientierungen an, um sich als seine einzigartige Methodik und seinen Stil niederzulassen.

"Monotone" Werke
Young verwendet oft den Ausdruck "monoton", um seine Werke zu beschreiben. Die Schaffung eines oberflächlichen Raums aus regelmäßigen Einheiten - durch wiederholte Handlungen innerhalb des Rahmens der leeren, quadratischen Leinwand - kann als täglicher Akt der Validierung der Existenz betrachtet werden. Die Leinwand als Hintergrund unterscheidet oder beschränkt Kunst und Leben nicht mehr. Genau wie Körper und Geist keine Gegenstände der Unterscheidung mehr sind, ist die bedingte Ebene jetzt eine existenzielle "Plattform", ein unendlicher Raum, der dazu dient, die wiederholten Handlungen des Künstlers zu verflechten und aufzudecken. Dies ist genau der Grund, warum Youngs kreative Welt eine Demonstration von "monotoner Kontrolle" ist, etwas, das unaufhörlich zu unendlichen Variationen fliesst.

Seine Arbeit wird in mehreren permanenten Museumssammlungen aufbewahrt, darunter:

Tokyo Metropolitan Art Museum, Tokio, Japan
Seoul Museum of Art, Seoul, Korea
Busan Museum of Art, Busan, Korea
Daegu Art Museum, Daegu, Korea
Gwangju Museum of Art, Gwangju, Korea
Daejeon Museum of Art, Daejeon, Korea
Shimonoseki City Art Museum, Shimonoseki, Japan
Mie Prefectural Art Museum, Mie, Japan
Hong-Ik Museum of Art, Seoul, Korea
Posco Art Museum, Seoul, Korea
Total Museum of Contemporary Art, Seoul, Korea
Gidang Art Museum, Jeju-do, Korea
Walker Hill Art Museum, Seoul, Korea
Ho-Am Art Center, Yongin, Korea
Sejong Center for the Performing Arts, Seoul, Korea
Leeum Art Museum, Korea, Korea

Ausgewählte Einzelausstellungen:

2024
Die Page Gallery, TEFAF New York, New York, USA

2023
Almine Rech, "Choi Myoung Young: Conditional Planes", Paris Matignon, Paris, Frankreich Art Chosun Space (ACS), Seoul, Korea

2022
Gallery Bisunjae, "Choi Myoung Young: Bedingte Ebenen", Seoul, Korea
Die Page Gallery, "Choi Myoung Young", Seoul, Korea

2019
Die Page Gallery, "Choi Myoung Young: Bedingte Ebenen II", Seoul, Korea

2017
Gallery Shilla, "Choi Myoung Young", Daegu, Korea

Ausgewählte Gruppenausstellungen:

2024
Gallery Shilla, "Winterkollektionen in Daegu", Daegu, Korea

2023
Solomon R. Guggenheim Museum, "Nur die Jungen: Experimentelle Kunst in Korea, 1960er-1970er Jahre", NY, USA
Hakojae Gallery, "Eui-geum-sang-gyeong: Über ihr besticktes Gewand zieht sie ein einfaches Kleid", Seoul, Korea
Space21, "Avantgarde-Gruppe 1965–1975", Seoul, Korea

2021
Die Page Gallery, "Chusa Kim, Ufan Lee, Choi Myoung Young, Choi In-soo", Seoul, Korea

2018
Puerta Roja Gallery, "Reflexionen – Acht Jahre interkulturelle Zusammenarbeit feiern", Hongkong
Die Page Gallery, "A bis P (Ein Brief von der neuen Seite)", Seoul, Korea Gallery Shilla, "Schwarze Auswahl", Daegu, Korea

2017
Museum San, "Einblick in die koreanische Kunst Teil 2: Dansaekhwa", Wonju, Korea
Tokyo Opera City Art Gallery, "Rhythmus in monochromer koreanischer abstrakter Malerei", Tokio, Japan

Bedingte Ebenen
Die Serie symbolisiert Youngs künstlerische Reise durch seine Arbeit seit den 1970er Jahren. Dieser Stil betont die flache Oberfläche der Leinwand und stellt ihn in Einklang mit den Dansaekhwa-Gemälden, die durch geometrische, einfache, klare Linien und Formen in Primärfarben gekennzeichnet sind. Youngs besonderer Stil in dieser Ära basierte auf der Idee der Schaffung und Auslöschung von Spuren auf.

Warum solltest du in die Kunst von Móyòsóré Martins investieren?

Künstlerische Schöpfung und Einflüsse
Móyòsóré Martins, ein nigerianischer zeitgenössischer Künstler mit Sitz in New York, erobert die Kunstwelt im Sturm. Als Multitalent widmet er sich Grafikdesign, Produktdesign und Musik. MOYOs Gemälde sind tief narrativ und verkörpern seine persönliche Reise. Er verbindet seine traditionellen afro-kulturellen und spirituellen Wurzeln mit einem ausgeprägten ästhetischen Sinn für Mode.

Künstlerische Entwicklung und Stil
Geboren in Brasilien, mit beiden Eltern aus dem Ekiti-Staat in Nigeria, entwickelte MOYO ein Gefühl kultureller Unabhängigkeit von der Stammesgeschichte seiner Familie und formte seine künstlerische Vision durch Reisen und Erziehung. Seine Werke spiegeln die Einflüsse der Strassen von London und New York sowie seiner Studienjahre in Ghana und der Elfenbeinküste wider und drücken seine Yoruba-Kultur aus.

Künstlerischer Ansatz und Technik
MOYO ist Autodidakt und hauptsächlich von seiner inneren Vision inspiriert, weniger von anderen Künstlern. Seine Werke sind für ihn spiritueller Natur und repräsentieren seine Wünsche, Träume und den Weg nach vorn. MOYO drückt die Emotionen der Figuren, die er geschickt malt, aus, die Hintergründe werden geschichtet, manipuliert, zerkratzt und dann mit Text durchdrungen. Er setzt sich selbst auf die Leinwand, ins Kunstwerk, in Geist und Namen, sogar sein Geburtsdatum. Er kritzelt Worte, mathematische Formeln, Mantras und Gebete. Er visualisiert sein inneres Gespräch, das sich verändert, wie seine Welt es tut, als eine visuelle Biografie. Er widersteht es, in eine Schublade gesteckt zu werden. Sein einzigartiger Einsatz von Materialien und die Geschichte sind das Band, das seine Werke zusammenhält. Während sich sein Handwerk und seine Karriere erweitern, blickt er zurück und reflektiert über seinen Weg und woher er kommt, sowohl als Person als auch künstlerisch. Tief verwurzelt mit persönlicher Symbolik hat jedes Element eines Gemäldes eine Bedeutung und einen bestimmten Zweck für ihn, ähnlich wie ein Morsecode. Die Augen symbolisieren sein eigenes spirituelles "Allsehendes"; die Cluster schwebender Augäpfel repräsentieren das Gefühl, dass alle Augen auf ihn gerichtet sind, dass er "gesehen" wird, dass seine Arbeit gesehen wird. Der Mund, gross und leicht aggressiv, beschreibt die Intensität der Erfahrung, dass die Leute über ihn reden. Die eingeritzten Worte sind wie ein Mantra, um seine Vision zu manifestieren.

Einfluss auf den Kunstmarkt
Die Preise der Gemälde von Moyosore Martins in der Grösse 180 x 150 cm sind in den letzten dreieinhalb Jahren von $5.000 auf derzeit $27.500 gestiegen. Seine Werke wurden von über 125 Sammlern erworben, mit etwa 170 verkauften Gemälden in diesem Zeitraum. Er ist zu einer Art Kultfigur geworden.

Upcoming Exhibitions:
Solo Show | Munich, Germany, early 2025
Solo Show | Paris, France, October 2024
Olivier Varenne Modern & Contemporary Art | Solo Show | Geneva, Switzerland, September 2024

Past Exhibitions:
Arms Around The Child Foundation | Ghana (Artist in residency), 2024
Art Basel Hong Kong | Tang Contemporary Art | Group Show | Hong Kong, China, 2024
Scope Miami | Mitochondria Gallery | Group Show | Miami, USA, 2023
Palm Beach Modern + Contemporary | Long-Sharp Gallery | Group Exhibition | Palm Beach, USA, 2023
Galerie Tanit X Teal Contemporary | Solo Exhibition | Now, They Know…| Beirut, Lebanon, 2023
Art Shenzhen | Crossing Art | Group Show | Shenzhen, China, 2023
Butter Art Fair | Long-Sharp Gallery | Indianapolis, USA, 2023
Robert Fontaine Gallery | Group Show | Portraits in Focus | Miami, USA, 2023
Robert Fontaine Gallery | Group Show | Intimate | Miami, USA, 2023
Crossing Art | Solo Exhibition | The Artist Journey | New York, USA, 2023
BHEA | Group Show | San Francisco, USA, 2022
Art Miami | Long-Sharp Gallery | Group Show | Miami, USA, 2022
Long-Sharp Gallery | Solo Exhibition | Móyòsóré Martins : Seen | Indianapolis, USA, 2022
Butter Art Fair | Long-Sharp Gallery | Group Show | Indianapolis, USA, 2022
Nassau County Museum | Songs Without Words: The Art of Music | Roslyn, USA, 2021
Path Gallery | Solo Exhibition | Los Angeles, USA, 2021
Long-Sharp Gallery | Conrad Indianapolis | Featured Artist | Indianapolis, USA, 2021
TrafficArts | New York, USA, 2021
Dacia Gallery | Holiday Group Exhibition | New York, USA, 2019
Heath Gallery | New York, USA, 2018
Grady Alexis Gallery | Art United Presents: Radical Resistance to Xenophobia | New York, USA, 2017

"Tauche ein in die magische Welt der LEGO® Harry Potter™ Sets: Diese detailreichen Modelle bieten beeindruckende Bau- und Spielerlebnisse und sind wertvolle Sammlerstücke. LEGO Harry Potter Schloss Hogwarts (71043): Mit über 6.000 Teilen bildet es die Zauberschule detailgetreu nach, einschliesslich der Grossen Halle, Hagrids Hütte und 27 Minifiguren, darunter Harry, Hermine und Ron. LEGO Harry Potter Hogwarts Express Sammleredition (76405): Über 5.000 Teile und 20 Minifiguren ermöglichen den Nachbau des legendären Zuges samt Gleisen und Plattform. LEGO Harry Potter Gringotts Zaubererbank Sammleredition (76417): Diese detailreiche Nachbildung der berühmten Bank enthält über 5.000 Teile und 13 Minifiguren, darunter der Kobold Griphook. LEGO Harry Potter Hogwarts Ikonen, Sammler Edition (76391): Mit über 3.000 Teilen und ikonischen Gegenständen wie Harrys Brille und Hedwig bietet dieses Set ein detailreiches Design. 3 exklusive goldene Minifiguren machen das Set sehr begehrt. Diese vier Sets sind aufgrund ihrer Detailtreue und hohen Nachfrage durch die riesige Harry Potter Fangemeinde begehrte Sammlerstücke, die das Potenzial für eine positive Wertentwicklung bieten. Sichere Dir jetzt ein Stück magischer Baukunst." - André Schulze, GOLDSTEIN.SHOP


Warum in LEGO Harry Potter investieren?
Das LEGO Harry Potter Thema ist eine beliebte Linie von LEGO-Sets, die auf den Harry Potter Büchern und Filmen basiert. Es wurde erstmals im Jahr 2001 eingeführt und hat seitdem verschiedene Veröffentlichungen und Neuauflagen durchlaufen, und ist sowohl bei LEGO- als auch bei Harry Potter-Fans sehr beliebt geworden. Hier sind einige Schlüsselpunkte zum LEGO Harry Potter Thema:

Geschichte und Entwicklung
Erstveröffentlichung (2001-2007:
Die erste Welle der LEGO Harry Potter Sets wurde im Jahr 2001 veröffentlicht, zeitgleich mit dem ersten Harry Potter Film "Harry Potter und der Stein der Weisen".
Frühe Sets konzentrierten sich auf Schlüsselszenen und -orte aus den Filmen wie Hogwarts Schloss, die Winkelgasse und den Hogwarts Express.
Das Thema wurde zunächst 2007 eingestellt, hinterließ jedoch einen bleibenden Eindruck bei Fans und Sammlern (Brick Bucks).

Renaissance und Moderne Ära (2010-heute:
Das Thema wurde 2010 mit überarbeiteten Designs und neuen Sets wiederbelebt, darunter detaillierte Minifiguren und aufwendige Bauwerke.
2018 führte LEGO eine neue Serie von Sets ein, die mit dem 20. Jahrestag des ersten Buches zusammenfiel. Dazu gehörten detailliertere und größere Bauwerke wie die Große Halle, der Peitschende Weide und Hagrids Hütte.
Die Renaissance führte auch Sets ein, die auf der "Phantastische Tierwesen" Serie basieren, und erweiterte somit das Thema der Zaubererwelt (Brick Bucks).

Sammlerwert und Investition
Wertsteigerung: Viele LEGO Harry Potter Sets haben nach dem Auslaufen einen signifikanten Wertzuwachs erfahren. Sammler suchen oft nach Sets wegen ihrer detaillierten Designs, ihres nostalgischen Werts und ihres Potenzials für Investitionsrenditen.
Seltenheit und Nachfrage: Sets wie die originale Winkelgasse und bestimmte exklusive Minifiguren sind auf dem Sekundärmarkt sehr gefragt und erzielen manchmal Preise weit über ihrem ursprünglichen Verkaufswert.

Allgemeine Attraktivität
Fanbasis: Die anhaltende Beliebtheit des Themas wird durch die starken Fanbasen von LEGO und Harry Potter angetrieben. Die Sets sprechen ein breites Altersspektrum an, von jungen Fans der Bücher und Filme bis hin zu erwachsenen Sammlern.
Design und Detail: Die modernen Sets sind bekannt für ihre hohe Detailgenauigkeit, Treue zum Quellmaterial und innovative Baumethoden, die sie sowohl zum Bauen als auch zum Ausstellen spassig machen.
Das LEGO Harry Potter Thema bleibt ein bedeutender Bestandteil des LEGO-Portfolios, mit neuen Sets und Neuauflagen, die die Magie für Fans auf der ganzen Welt am Leben erhalten.

Unser Harry Potter Lego-Release enthält die folgenden Sets:
LEGO Harry Potter - Schloss Hogwarts (71043) - 25 Sets
LEGO Harry Potter Hogwarts Express Sammleredition (76405) - 25 Sets
LEGO Harry Potter Gringotts Zaubererbank Sammleredition (76417) - 25 Sets
LEGO Harry Potter Hogwarts Ikonen, Sammleredition (76391) - 25 Sets

Gründe für die Auswahl dieser Sets:

LEGO Harry Potter - Schloss Hogwarts
Das LEGO Set 71043 Hogwarts Castle ist ein exklusives Harry Potter Set aus dem Jahr 2018 mit 6.020 Teilen und 28 Minifiguren. Es umfasst eine detaillierte LEGO Nachbildung von Hogwarts Castle im Mikromassstab, die verschiedene ikonische Orte der Serie zeigt. Zu den Bestandteilen gehören 4 normale Minifiguren und 27 Mikrofiguren, darunter Charaktere und Kreaturen wie Dementoren, Aragog, die Basilisken und ein baubares ungarischer Hornschwanz-Drache. Es besteht die Gefahr, dass das Set bald nicht mehr erhältlich ist, da Sets dieses Themas in der Regel durchschnittlich 18 Monate auf dem Markt bleiben, während Hogwarts Castle bereits seit 69 Monaten erhältlich ist. Das Set enthält auch einen baubaren Minifigurenständer mit Godric Gryffindor, Helga Hufflepuff, Salazar Slytherin und Rowena Ravenclaw. Das Design von Hogwarts Castle stammt von den LEGO Designern Justin Ramsden und Joel Baker.

LEGO Harry Potter Hogwarts Express Sammleredition
Die LEGO 76405 Hogwarts Express Sammleredition ist ein exklusives Harry Potter Set mit 5.129 Teilen und 20 Minifiguren, das 2022 veröffentlicht wurde. Das Set umfasst den Hogwarts Express Motor, den Kohlewagen und einen 3-Zimmer-Personenwagen. Die Minifiguren stellen Harry Potter und seine Hogwarts-Kollegen dar, einschliesslich Ron Weasley, Hermione Granger, Remus Lupin, Ginny Weasley, Draco Malfoy und weitere, sowie einen Dementor.
Der Hogwarts Express Zug ist im Maßstab 1:32 gebaut. Der Personenwagen besteht aus 3 Abteilen, die jeweils eine klassische Szene darstellen: als Harry, Ron und Hermione sich im ersten Film treffen; als Professor Lupin Harry vor dem Dementor im dritten Film rettet; und als Luna Harry vor Dracos Zauber im sechsten Film rettet. Das Modell zeigt auch den Bahnsteig 9¾ am Bahnhof King's Cross.
Oben auf dem Motor befindet sich ein Hebel, der beim Drehen die bewegende Dampfzugbewegung nachahmt. Die Hogwarts Express Sammleredition wurde vom LEGO Designer Marcos Bessa entworfen und sollte bald aus den meisten LEGO Einzelhandelsmärkten und regionalen LEGO.com Online-Shops in Rente gehen.

LEGO Harry Potter Gringotts Zaubererbank Sammleredition
Das LEGO Set 76417 Gringotts Zaubererbank ist ein Harry Potter Set mit 4.815 Teilen und 13 Minifiguren, das 2023 veröffentlicht wurde. Es enthält 2 Harry Potter Minifiguren, Ron Weasley, Bellatrix Lestrange, Hermione Granger, Rubeus Hagrid, einen Todesser, Bogrod, Griphook, Ricbert, 2 Kobolde und 2 Wächter. Das Set stellt Szenen aus "Harry Potter und der Stein der Weisen" sowie "Harry Potter und die Heiligtümer des Todes – Teil 2" dar, einschließlich eines Abschnitts der Gringotts Bank und des unterirdischen Tresorraums mit den Grubenwagen.
In "Die Heiligtümer des Todes: Teil 2" verkleiden sich Ron Weasley und Hermione Granger als Dragomir Despard und Bellatrix Lestrange mit Hilfe des Vielsaft-Tranks, um in die Gringotts Bank einzudringen und einen Horkrux aus dem Tresor der Lestranges zu stehlen.
Das Set wird offiziell als "Gringotts Zaubererbank – Sammleredition" bezeichnet und ist so konzipiert, dass es mit 40598-1 Gringotts-Tresor (GWP) und 75978-1 Winkelgasse verbunden werden kann.

LEGO Harry Potter Hogwarts Ikonen, Sammleredition
Das LEGO Set 76391 Hogwarts Icons Sammleredition ist ein exklusives Harry Potter Set mit 3.010 Teilen und 3 Minifiguren, das 2021 veröffentlicht wurde. Es besteht aus ikonischen Artefakten aus der Welt von Harry Potter, darunter Harrys Zauberstab und Brille, eine Schokofrosch-Karte, ein Tablett mit Zaubertrankflaschen, Tom Riddles Tagebuch, der Goldene Schnatz, ein anpassbarer Hogwarts-Schal und Hedwig. Zusätzlich enthält es 3 exklusive goldene Minifiguren von Albus Dumbledore, Minerva McGonagall und Rubeus Hagrid.
Es besteht ein Risiko, dass die Hogwarts Icons Sammleredition bald in Rente geht, da ihre aktuelle Lebensdauer auf 33 Monate geschätzt wird. Sets dieses Themas haben normalerweise eine Lebensdauer von etwa 23 Monaten, was darauf hindeutet, dass dieses Set bald nicht mehr erhältlich sein könnte.

Warum solltest du in die Kunst von Móyòsóré Martins investieren?

Künstlerische Schöpfung und Einflüsse
Móyòsóré Martins, ein nigerianischer zeitgenössischer Künstler mit Sitz in New York, erobert die Kunstwelt im Sturm. Als Multitalent widmet er sich Grafikdesign, Produktdesign und Musik. MOYOs Gemälde sind tief narrativ und verkörpern seine persönliche Reise. Er verbindet seine traditionellen afro-kulturellen und spirituellen Wurzeln mit einem ausgeprägten ästhetischen Sinn für Mode.

Künstlerische Entwicklung und Stil
Geboren in Brasilien, mit beiden Eltern aus dem Ekiti-Staat in Nigeria, entwickelte MOYO ein Gefühl kultureller Unabhängigkeit von der Stammesgeschichte seiner Familie und formte seine künstlerische Vision durch Reisen und Erziehung. Seine Werke spiegeln die Einflüsse der Strassen von London und New York sowie seiner Studienjahre in Ghana und der Elfenbeinküste wider und drücken seine Yoruba-Kultur aus.

Künstlerischer Ansatz und Technik
MOYO ist Autodidakt und hauptsächlich von seiner inneren Vision inspiriert, weniger von anderen Künstlern. Seine Werke sind für ihn spiritueller Natur und repräsentieren seine Wünsche, Träume und den Weg nach vorn. MOYO drückt die Emotionen der Figuren, die er geschickt malt, aus, die Hintergründe werden geschichtet, manipuliert, zerkratzt und dann mit Text durchdrungen. Er setzt sich selbst auf die Leinwand, ins Kunstwerk, in Geist und Namen, sogar sein Geburtsdatum. Er kritzelt Worte, mathematische Formeln, Mantras und Gebete. Er visualisiert sein inneres Gespräch, das sich verändert, wie seine Welt es tut, als eine visuelle Biografie. Er widersteht es, in eine Schublade gesteckt zu werden. Sein einzigartiger Einsatz von Materialien und die Geschichte sind das Band, das seine Werke zusammenhält. Während sich sein Handwerk und seine Karriere erweitern, blickt er zurück und reflektiert über seinen Weg und woher er kommt, sowohl als Person als auch künstlerisch. Tief verwurzelt mit persönlicher Symbolik hat jedes Element eines Gemäldes eine Bedeutung und einen bestimmten Zweck für ihn, ähnlich wie ein Morsecode. Die Augen symbolisieren sein eigenes spirituelles "Allsehendes"; die Cluster schwebender Augäpfel repräsentieren das Gefühl, dass alle Augen auf ihn gerichtet sind, dass er "gesehen" wird, dass seine Arbeit gesehen wird. Der Mund, gross und leicht aggressiv, beschreibt die Intensität der Erfahrung, dass die Leute über ihn reden. Die eingeritzten Worte sind wie ein Mantra, um seine Vision zu manifestieren.

Einfluss auf den Kunstmarkt
Die Preise der Gemälde von Moyosore Martins in der Grösse 180 x 150 cm sind in den letzten dreieinhalb Jahren von $5.000 auf derzeit $27.500 gestiegen. Seine Werke wurden von über 125 Sammlern erworben, mit etwa 170 verkauften Gemälden in diesem Zeitraum. Er ist zu einer Art Kultfigur geworden.

Upcoming Exhibitions:
Solo Show | Munich, Germany, early 2025
Solo Show | Paris, France, October 2024
Olivier Varenne Modern & Contemporary Art | Solo Show | Geneva, Switzerland, September 2024

Past Exhibitions:
Arms Around The Child Foundation | Ghana (Artist in residency), 2024
Art Basel Hong Kong | Tang Contemporary Art | Group Show | Hong Kong, China, 2024
Scope Miami | Mitochondria Gallery | Group Show | Miami, USA, 2023
Palm Beach Modern + Contemporary | Long-Sharp Gallery | Group Exhibition | Palm Beach, USA, 2023
Galerie Tanit X Teal Contemporary | Solo Exhibition | Now, They Know…| Beirut, Lebanon, 2023
Art Shenzhen | Crossing Art | Group Show | Shenzhen, China, 2023
Butter Art Fair | Long-Sharp Gallery | Indianapolis, USA, 2023
Robert Fontaine Gallery | Group Show | Portraits in Focus | Miami, USA, 2023
Robert Fontaine Gallery | Group Show | Intimate | Miami, USA, 2023
Crossing Art | Solo Exhibition | The Artist Journey | New York, USA, 2023
BHEA | Group Show | San Francisco, USA, 2022
Art Miami | Long-Sharp Gallery | Group Show | Miami, USA, 2022
Long-Sharp Gallery | Solo Exhibition | Móyòsóré Martins : Seen | Indianapolis, USA, 2022
Butter Art Fair | Long-Sharp Gallery | Group Show | Indianapolis, USA, 2022
Nassau County Museum | Songs Without Words: The Art of Music | Roslyn, USA, 2021
Path Gallery | Solo Exhibition | Los Angeles, USA, 2021
Long-Sharp Gallery | Conrad Indianapolis | Featured Artist | Indianapolis, USA, 2021
TrafficArts | New York, USA, 2021
Dacia Gallery | Holiday Group Exhibition | New York, USA, 2019
Heath Gallery | New York, USA, 2018
Grady Alexis Gallery | Art United Presents: Radical Resistance to Xenophobia | New York, USA, 2017

Warum solltest du in die Kunst von Móyòsóré Martins investieren?

Künstlerische Schöpfung und Einflüsse
Móyòsóré Martins, ein nigerianischer zeitgenössischer Künstler mit Sitz in New York, erobert die Kunstwelt im Sturm. Als Multitalent widmet er sich Grafikdesign, Produktdesign und Musik. MOYOs Gemälde sind tief narrativ und verkörpern seine persönliche Reise. Er verbindet seine traditionellen afro-kulturellen und spirituellen Wurzeln mit einem ausgeprägten ästhetischen Sinn für Mode.

Künstlerische Entwicklung und Stil
Geboren in Brasilien, mit beiden Eltern aus dem Ekiti-Staat in Nigeria, entwickelte MOYO ein Gefühl kultureller Unabhängigkeit von der Stammesgeschichte seiner Familie und formte seine künstlerische Vision durch Reisen und Erziehung. Seine Werke spiegeln die Einflüsse der Strassen von London und New York sowie seiner Studienjahre in Ghana und der Elfenbeinküste wider und drücken seine Yoruba-Kultur aus.

Künstlerischer Ansatz und Technik
MOYO ist Autodidakt und hauptsächlich von seiner inneren Vision inspiriert, weniger von anderen Künstlern. Seine Werke sind für ihn spiritueller Natur und repräsentieren seine Wünsche, Träume und den Weg nach vorn. MOYO drückt die Emotionen der Figuren, die er geschickt malt, aus, die Hintergründe werden geschichtet, manipuliert, zerkratzt und dann mit Text durchdrungen. Er setzt sich selbst auf die Leinwand, ins Kunstwerk, in Geist und Namen, sogar sein Geburtsdatum. Er kritzelt Worte, mathematische Formeln, Mantras und Gebete. Er visualisiert sein inneres Gespräch, das sich verändert, wie seine Welt es tut, als eine visuelle Biografie. Er widersteht es, in eine Schublade gesteckt zu werden. Sein einzigartiger Einsatz von Materialien und die Geschichte sind das Band, das seine Werke zusammenhält. Während sich sein Handwerk und seine Karriere erweitern, blickt er zurück und reflektiert über seinen Weg und woher er kommt, sowohl als Person als auch künstlerisch. Tief verwurzelt mit persönlicher Symbolik hat jedes Element eines Gemäldes eine Bedeutung und einen bestimmten Zweck für ihn, ähnlich wie ein Morsecode. Die Augen symbolisieren sein eigenes spirituelles "Allsehendes"; die Cluster schwebender Augäpfel repräsentieren das Gefühl, dass alle Augen auf ihn gerichtet sind, dass er "gesehen" wird, dass seine Arbeit gesehen wird. Der Mund, gross und leicht aggressiv, beschreibt die Intensität der Erfahrung, dass die Leute über ihn reden. Die eingeritzten Worte sind wie ein Mantra, um seine Vision zu manifestieren.

Einfluss auf den Kunstmarkt
Die Preise der Gemälde von Moyosore Martins in der Grösse 180 x 150 cm sind in den letzten dreieinhalb Jahren von $5.000 auf derzeit $27.500 gestiegen. Seine Werke wurden von über 125 Sammlern erworben, mit etwa 170 verkauften Gemälden in diesem Zeitraum. Er ist zu einer Art Kultfigur geworden.

Upcoming Exhibitions:
Solo Show | Munich, Germany, early 2025
Solo Show | Paris, France, October 2024
Olivier Varenne Modern & Contemporary Art | Solo Show | Geneva, Switzerland, September 2024

Past Exhibitions:
Arms Around The Child Foundation | Ghana (Artist in residency), 2024
Art Basel Hong Kong | Tang Contemporary Art | Group Show | Hong Kong, China, 2024
Scope Miami | Mitochondria Gallery | Group Show | Miami, USA, 2023
Palm Beach Modern + Contemporary | Long-Sharp Gallery | Group Exhibition | Palm Beach, USA, 2023
Galerie Tanit X Teal Contemporary | Solo Exhibition | Now, They Know…| Beirut, Lebanon, 2023
Art Shenzhen | Crossing Art | Group Show | Shenzhen, China, 2023
Butter Art Fair | Long-Sharp Gallery | Indianapolis, USA, 2023
Robert Fontaine Gallery | Group Show | Portraits in Focus | Miami, USA, 2023
Robert Fontaine Gallery | Group Show | Intimate | Miami, USA, 2023
Crossing Art | Solo Exhibition | The Artist Journey | New York, USA, 2023
BHEA | Group Show | San Francisco, USA, 2022
Art Miami | Long-Sharp Gallery | Group Show | Miami, USA, 2022
Long-Sharp Gallery | Solo Exhibition | Móyòsóré Martins : Seen | Indianapolis, USA, 2022
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Long-Sharp Gallery | Conrad Indianapolis | Featured Artist | Indianapolis, USA, 2021
TrafficArts | New York, USA, 2021
Dacia Gallery | Holiday Group Exhibition | New York, USA, 2019
Heath Gallery | New York, USA, 2018
Grady Alexis Gallery | Art United Presents: Radical Resistance to Xenophobia | New York, USA, 2017

Warum Patek Philippe?
Historischer Prestige
Patek Philippe ist einer der renommiertesten und angesehensten Uhrenhersteller weltweit mit einer Geschichte, die bis ins Jahr 1839 zurückreicht. Das Erbe der Marke und ihr Ruf für Handwerkskunst und Innovation machen ihre Uhren bei Sammlern äusserst begehrt.

Begrenzte Produktion
Patek Philippe fertigt jedes Jahr nur eine begrenzte Anzahl von Uhren, um Exklusivität und Seltenheit zu wahren. Eine begrenzte Produktion kann den Wert bestimmter Modelle steigern, insbesondere solcher mit einzigartigen Merkmalen oder Komplikationen.

Handwerkskunst
Patek Philippe Uhren sind bekannt für ihre aussergewöhnliche Handwerkskunst, Liebe zum Detail und Verwendung hochwertiger Materialien. Ihre Uhren gelten oft als Kunstwerke mit komplexen Uhrwerken und exquisiten Verarbeitungen.

Wiederverkaufswert
Patek Philippe Uhren behalten ihren Wert in der Regel gut und können in einigen Fällen im Laufe der Zeit an Wert gewinnen. Insbesondere Vintage-Modelle von Patek Philippe können hohe Preise bei Auktionshäusern und auf dem Sekundärmarkt erzielen.

Komplikationen
Patek Philippe ist bekannt für seine Uhrmacherkunst und Komplikationen, darunter ewige Kalender, Chronographen und Minutenrepetitionen. Uhren mit diesen Komplikationen haben oft ein höheres Investitionspotenzial aufgrund ihrer technischen Komplexität und Seltenheit.

Warum die Nautilus 5711/1A?
Elegantes Design und außergewöhnliche Handwerkskunst
Die Patek Philippe Referenz 5711/1A-011 ist eine äusserst begehrte Luxusarmbanduhr, die für ihr elegantes Design und außergewöhnliche Handwerkskunst bekannt ist. Sie gehört zur Nautilus-Kollektion von Patek Philippe, die 1976 erstmals vorgestellt wurde und vom renommierten Uhrendesigner Gerald Genta entworfen wurde.

Markantes Gehäuse und Edelstahlarmband
Die Referenz 5711/1A-010 zeichnet sich durch eine markante achteckige Gehäuseform mit abgerundeten Kanten aus, die von einem Bullaugen-Design inspiriert ist. Sie verfügt über ein Edelstahlgehäuse und ein Edelstahlarmband, was ihr ein schlankes und anspruchsvolles Erscheinungsbild verleiht.

Vielseitige Größe und angenehmer Tragekomfort
Der Gehäusedurchmesser beträgt 40 mm, was sie zu einer vielseitigen Uhr macht, die für lässige und formelle Anlässe gleichermaßen geeignet ist. Das Gehäuse ist relativ schlank, was einen angenehmen Sitz am Handgelenk gewährleistet.

Einzigartiges Zifferblatt
Die Uhr hat ein blaues Verlaufszifferblatt mit horizontal geprägten Linien, die an die Wellen im Ozean erinnern. Das Zifferblatt verfügt über leuchtende Stundenmarkierungen und Zeiger, die eine optimale Ablesbarkeit bei verschiedenen Lichtverhältnissen gewährleisten.

Praktische Datumsanzeige
Die Uhr enthält eine Datumsanzeige mit schwarzem Hintergrund und weißen Zahlen, die bei 3 Uhr positioniert ist und dem Design einen praktischen Aspekt verleiht.

Präzises und zuverlässiges Uhrwerk
Die Referenz 5711/1A-011 wird von dem automatischen mechanischen Uhrwerk Kaliber 324 S C angetrieben. Es ist bekannt für seine Präzision, Zuverlässigkeit und aufwendige Verarbeitung. Das Uhrwerk trägt auch das Patek Philippe Siegel, das auf seine hohe Qualität hinweist.

Geeignet für den täglichen Gebrauch
Dieses Modell hat eine Wasserdichtigkeitsbewertung von bis zu 120 Metern (12 bar), was es für den täglichen Gebrauch und gelegentliche Wasseraktivitäten geeignet macht.

Hoher Sammlerwert
Die Referenz 5711/1A-011 ist besonders bei Uhrenliebhabern und -sammlern begehrt. Sie erlangte aufgrund ihres eleganten Designs, ihrer begrenzten Verfügbarkeit und des allgemeinen Prestiges, das mit Patek Philippe Zeitmessern verbunden ist, erhebliche Beliebtheit. Es ist wichtig zu beachten, dass Patek Philippe die Einstellung der Nautilus-Referenz 5711/1A-010 im 2021 angekündigt hat, was zu einer erhöhten Nachfrage und einem entsprechenden Anstieg ihres Marktwerts geführt hat.

"Ich denke nicht über Kunst nach, wenn ich arbeite, ich versuche über das Leben nachzudenken." - Jean-Michel Basquiat


Wer ist Jean-Michel Basquiat?

Das dramatische Leben von Jean-Michel Basquiat und seine ikonischen Gemälde, die obsessive Kritzeleien, rätselhafte Symbole und Diagramme sowie eine Ikonographie mit Schädeln, Masken und der charakteristischen Krone des Künstlers enthalten, machen ihn zu einem der berühmtesten Künstler des 20. Jahrhunderts. Er fand einen Mentor und Freund in Andy Warhol, der dem jungen Künstler half, sich in der Kunstwelt New Yorks der 1980er Jahre zurechtzufinden.

Zeichnungen
Basquiats Kunst konzentrierte sich auf Dichotomien wie Reichtum versus Armut, Integration versus Segregation und innere versus äussere Erfahrung. Er eignete sich Poesie, Zeichnung und Malerei an und kombinierte Text und Bild, Abstraktion, Figuration und historische Informationen mit zeitgenössischer Kritik. Er bezog sich auf sein karibisches Erbe mit direkten Verweisen auf Rassismus, Sklaverei, die Menschen und die Strassenszene des New Yorks der 1980er Jahre sowie historische schwarze Persönlichkeiten, berühmte Musiker und Sportler, wie in seinen Notizbüchern und vielen wichtigen Zeichnungen zu sehen ist. Die Unmittelbarkeit und intellektuelle Tiefe seiner Gemälde brachten ihm sowohl vor als auch nach seinem frühen Tod im Alter von 27 Jahren breite Anerkennung. Nach Basquiats Tod wurde sein Nachlass von seinem Vater Gérard Basquiat verwaltet, der auch den Ausschuss leitete, der die Kunstwerke authentifizierte. Dieser Ausschuss war von 1994 bis 2012 tätig und überprüfte über 2.000 Werke, von denen die meisten Zeichnungen waren.

Aufstieg zum Erfolg
Er war ein amerikanischer Künstler, der in den 1980er Jahren als Teil der neo-expressionistischen Bewegung Erfolg hatte. Basquiat erlangte erstmals in den späten 1970er Jahren als Teil des Graffiti-Duos SAMO Bekanntheit. Anfang der 1980er Jahre wurden seine Gemälde weltweit in Galerien und Museen ausgestellt. Mit 21 Jahren wurde Basquiat der jüngste Künstler, der an der Documenta in Kassel, Deutschland, teilnahm. Mit 22 Jahren wurde er einer der jüngsten Künstler, die bei der Whitney Biennial in New York ausstellten.

Warum Basquiat-Drucke?

Seit seinem Tod im Alter von 27 Jahren im Jahr 1988 ist der Wert von Basquiats Arbeiten stetig gestiegen. Im Jahr 2017 wurde "Untitled", ein Gemälde aus dem Jahr 1982, das einen schwarzen Schädel mit roten und gelben Strömen zeigt, für einen Rekordpreis von 110,5 Millionen Dollar verkauft und wurde damit zu einem der teuersten jemals gekauften Gemälde. Das weltweite Interesse an Basquiat nimmt weiterhin zu und die Auktionsergebnisse übertreffen regelmässig die Schätzungen. Ein Beispiel ist ein Druck von "Hollywood Africans" mit den Massen 96,5 x 214,8 cm, der für £168.750 verkauft wurde, verglichen mit einer Schätzung von £30.000-50.000. Ein weiteres Highlight ist "Portfolio I", bestehend aus vier Drucken mit den Massen 101 x 101 cm, die für $604.800 gegen eine Schätzung von $300.000-500.000 verkauft wurden, was durchschnittlich $150.000 pro Druck ergibt.

Sammlungen:
Andy Warhol Museum, Pittsburgh, PA.
Brant Foundation Art Study Center, Greenwich, CT.
Broad Art Foundation, Santa Monica, CA.
Brooklyn Museum, Brooklyn, NY.
Daros Collection, Zurich, Switzerland.
Fondazione Bevilacqua La Masa, Venice, Italy.
Fukuoka Art Museum, Fukuoka, Japan.
Guggenheim Bilbao, Bilbao, Spain.
High Museum of Art, Atlanta, GA.
Homan Collection, Berlin, Germany.
Ludwig Forum for International Art, Aachen, Germany.
Menil Collection, Houston, TX.
Metropolitan Museum of Art, New York, NY.
Modern Art Museum of Fort Worth, TX.
Musee d’Art Contemporain, Marseilles, France.
Musée du Luxembourg, Paris, France.
Museu d’Art Contemporani, Barcelona, Spain.
Museum of Contemporary Art, Los Angeles, CA.
Museum of Fine Arts, Boston, MA.
Museum of Modern Art, New York, NY.
Nasher Museum of Art, Duke University, Durham, NC.
Portland Art Museum, Portland, OR.
Princeton University Art Museum, Princeton, NJ.
Rubell Family Collection, Miami, FL.
San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco, CA.
Whitney Museum of American Art, New York, NY.

Warum in Michael Jordan-Erinnerungsstücke investieren?
Michael Jordan, geboren am 17. Februar 1963 in Brooklyn, New York, ist ein amerikanischer Basketballspieler, der weithin als einer der Größten aller Zeiten gilt. Deshalb sind Erinnerungsstücke von ihm so begehrt. Er wuchs in Wilmington, North Carolina, auf und brillierte an der University of North Carolina in Chapel Hill. 1982 erzielte er den spielentscheidenden Wurf im NCAA-Meisterschaftsspiel. 1984 wählten ihn die Chicago Bulls im NBA-Draft. Jordan führte die Bulls in den 1990er Jahren zu sechs NBA-Meisterschaften. Seine Zusammenarbeit mit Nike führte zu den ikonischen Air Jordan Sneakers.

Warum in die Nike Off-White x Air Jordan 5 Retro SP 'Muslin' investieren?
Die Nike Off-White x Air Jordan 5 Retro SP 'Muslin' ist eine äußerst begehrte Sneaker-Kollaboration zwischen Nike und Off-White, entworfen vom verstorbenen Virgil Abloh. Die Schuhe wurden am 15. Februar 2020 veröffentlicht und erregten schnell die Aufmerksamkeit von Sneaker-Enthusiasten und Sammlern weltweit. Hier sind einige wichtige Details zu diesem Modell:

Design und Ästhetik
Die 'Muslin'-Edition weist eine dekonstruierte Ästhetik auf, die typisch für Virgil Ablohs Designphilosophie ist, und kombiniert Off-White, Schwarz und durchsichtige Elemente.
Der Schuh besteht aus einer Mischung aus Textil- und synthetischen Materialien, die eine einzigartige Textur und Erscheinung bieten. Das Obermaterial ist hauptsächlich in einem hellen Beige (Muslin) mit schwarzen Akzenten gehalten.
Es enthält charakteristische Off-White-Designelemente wie freiliegenden Schaumstoff, Kabelbinder und Helvetica-Text auf der Innenseite.

Bedeutung der Zusammenarbeit
Virgil Ablohs Einfluss verleiht dem klassischen Air Jordan 5-Silhouette einen zeitgenössischen, hochmodischen Touch.
Diese Zusammenarbeit überbrückt die Lücke zwischen High Fashion und Streetwear und macht sie zu einem begehrten Objekt für Modeenthusiasten und Sneaker-Sammler.

Limitierte Edition und signierte Versionen
Der Schuh wird in begrenzter Stückzahl herausgegeben, was ihn zu einem seltenen und wertvollen Stück macht.
Dieses Paar ist eine einzigartige, signierte Version, signiert von Michael Jordan selbst. Dieses 1-von-1-Paar ist aufgrund seiner Seltenheit und der durch den Upper Deck Authenticated’s Five-Step Process gewährleisteten Authentizität außergewöhnlich wertvoll.

Marktwert
Aufgrund der begrenzten Veröffentlichung und der hohen Nachfrage erzielen die Nike Off-White x Air Jordan 5 Retro SP 'Muslin' hohe Wiederverkaufspreise auf dem Sekundärmarkt. Sammler betrachten diesen Sneaker als eine solide Investition, dessen Wert aufgrund der ikonischen Zusammenarbeit und begrenzten Verfügbarkeit voraussichtlich im Laufe der Zeit steigen wird.

Kulturelle Bedeutung
Die Zusammenarbeit ist ein Beweis für die fortwährende Verschmelzung von Sportbekleidung und High Fashion und hebt die kulturelle Bedeutung von Sneakern in der zeitgenössischen Mode hervor.
Diese Veröffentlichung festigt weiter Virgil Ablohs Vermächtnis als Designer, der die Grenzen des Sneaker-Designs verschoben hat und zum kulturellen Dialog rund um Mode und Kunst beigetragen hat.

Die Nike Off-White x Air Jordan 5 Retro SP 'Muslin' bleibt ein bedeutendes Stück in der Geschichte der Sneaker-Kollaborationen und wird für ihr Design, ihre Exklusivität und die kulturelle Wirkung ihrer Schöpfer gefeiert.

Warum in En-Primeur Wein investieren?

Es handelt sich um die erste en primeur Anlage in diesem Jahr auf der Plattform. Bei en primeur (Subskription) Weinen investiert man in neuen, noch nicht in Flaschen abgefüllten Wein. Der Subskription Wein wird allerdings nicht in Fässern, sondern in Flaschen gehandelt. Die Käufe von Wein en primeur zu Investitionszwecken weisen Ähnlichkeiten zum Futures-Markt auf: Der Wein wird eingekauft, bevor er Reife erlangt, da der Käufer eine Preiserwartung für den Wein in der Zukunft hat.

Warum in Wein von Lafite investieren?

Prestige und historische Bedeutung
Château Lafite Rothschild, ein renommiertes Weingut in der Pauillac-Region des Médoc, ist bekannt für die Herstellung einiger der begehrtesten und teuersten Rotweine der Welt. Bekannt für seinen Duft, seine Eleganz, Finesse und Harmonie, hebt sich Château Lafite Rothschild von den kraftvolleren Weinen von Latour und Mouton Rothschild ab. Hervorragende Jahrgänge können 50 Jahre oder länger reifen, was die Langlebigkeit und das Investitionspotenzial dieser Weine unterstreicht.

Einzigartiger und qualitätsorientierter Weinherstellungsprozess
Die genaue Mischung des Grand Vin variiert je nach Jahrgang und enthält typischerweise 80-95% Cabernet Sauvignon, wobei Merlot den Großteil des Rests ausmacht. Im Weingut werden die Trauben jeder Parzelle separat vergoren, um ihren einzigartigen Terroir zu bewahren und maximale Kontrolle beim Mischen zu gewährleisten. Der Wein wird bis zu 20 Monate in neuen Eichenfässern gereift, was seine Qualität und Komplexität erhöht.

Hochwertiger Zweitwein
Carruades de Lafite, der Zweitwein des Weinguts, hat eine eigene starke Anhängerschaft gewonnen. Diese Mischung enthält mehr Merlot (30-50%) und wird 18-20 Monate gereift, wobei 80% in Fässern und 20% in Tanks gelagert werden. Dieser sorgfältige Prozess gewährleistet einen hochwertigen Wein, der den Grand Vin ergänzt und gleichzeitig ein eigenes Profil bietet.

Erstklassige Lage und Zusammensetzung des Weinbergs
Der Lafite Rothschild Weinberg erstreckt sich über etwa 112 Hektar (277 Acres) sonniger, gut durchlässiger Flächen mit feinem Kies und Sand über Kalksteinuntergrund. Der Weinberg ist in drei Teile unterteilt: die Hänge um das Château liefern das Kernmaterial für den Grand Vin, während das angrenzende Carruades-Plateau zum Zweitwein beiträgt. Darüber hinaus ist ein 4,5 Hektar großes Grundstück in Saint-Estèphe in die Pauillac-klassifizierten Weine einbezogen, was zur einzigartigen Zusammensetzung des Weinbergs beiträgt.

Vielfältige Bepflanzung im Weinberg
Etwa 70% der Weinberge sind mit Cabernet Sauvignon bepflanzt, 25% mit Merlot, 3% mit Cabernet Franc und 2% mit Petit Verdot. Das Durchschnittsalter der Reben beträgt 40 Jahre, was zur Tiefe und Komplexität der produzierten Weine beiträgt.

Angesehene Eigentümerschaft und Verwaltung
Die benachbarte Immobilie Duhart-Milon teilt sich Eigentümerschaft und Verwaltung mit Lafite. Das Anwesen ist Teil der Domaines Barons de Rothschild, zu denen auch andere renommierte Immobilien wie Château Rieussec in Sauternes und Château L'Évangile in Pomerol gehören. Dieses umfangreiche Portfolio unterstreicht die Expertise und das Prestige, das mit Lafite Rothschild verbunden ist.

Reiches historisches Erbe
Der Ruf von Château Lafite Rothschild geht auf das späte 17. Jahrhundert zurück, als Jacques de Ségur den Weinberg gründete. Im 18. Jahrhundert erwarb es den Titel "Wein des Königs" in Versailles, und 1787 erkannte der amerikanische Gründungsvater Thomas Jefferson seine Exzellenz an. Jeffersons Leidenschaft für die Weine von Lafite führte zu bedeutenden Bestellungen, und heute erzielen Flaschen aus dieser Zeit astronomische Preise bei Auktionen.

Investitionswürdiges Erbe
Das Anwesen wurde 1868 von Baron James de Rothschild erworben und blieb in der Familie Rothschild. Seit Mitte der 1990er Jahre ist das Weingut konstanter und zuverlässiger geworden. Mit einer Geschichte der Herstellung erhabener Weine und regelmäßigen Anerkennungen als Wein des Jahrgangs bietet Château Lafite Rothschild ein überzeugendes Investitionsargument, das historische Bedeutung, außergewöhnliche Qualität und starke Marktnachfrage vereint.

"Albert Willem ist ein belgischer Künstler, der im Alter von 36 Jahren mit dem Malen begann und sich schnell auf Instagram etablierte. Seine Arbeiten starteten im Mai 2022 auf dem Auktionsmarkt durch und erreichte bis zum Ende des Frühlings rapide einen Höchststand von 213.955 US-Dollar. Im Januar 2023 trieb ein Bieter den Rekord des Künstlers bei Sotheby's auf 295.219 US-Dollar." - James Kerbey, Experte bei Maddox Advisory


Warum Albert Willem?

Belgien (1979)
Albert Willem, ein zeitgenössischer figurativer Künstler aus Brüssel, ist bekannt für seine skurrilen Gemälde, die sich durch einen naiven Stil auszeichnen, der mit Witz und Humor durchdrungen ist. Obwohl er keine formale Kunstausbildung hatte, tauchte er in Galerien, Museen und die Kunstszene auf Social-Media-Plattformen ein. Obwohl er als Kind Talent zum Zeichnen zeigte, legte er die Kunst von seinem 12. bis zum 36. Lebensjahr aufgrund von Universitäts- und Familienverpflichtungen beiseite. Vor etwa vier Jahren entfachte er seine Leidenschaft neu, indem er ein Gemälde für seine Wohnkultur schuf, was einen Wendepunkt markierte, den er humorvoll als "Midlife-Krise" bezeichnet.

Künstlerischer Stil
Im Laufe der Zeit hat Willem verschiedene Medien und Techniken erforscht, von Nagellack über Sprühfarbe bis hin zur Textilkunst. Gegenwärtig verwendet er hauptsächlich Acrylfarbe mit einem Hochglanzlack, um lebendige Farben zu erzielen. Während die Mehrheit seiner Werke auf Leinwand sind, verwendet er auch recycelten Karton als Malgrund. Sein künstlerischer Prozess ist schnell, oft werden die Stücke innerhalb von höchstens 48 Stunden fertiggestellt. Über seine Kunstwerke
Seine Gemälde sind unkompliziert, manchmal wirken sie unfertig und zeigen kühn seine rudimentären technischen Fähigkeiten, während sie die rohe Energie eines Anfängers einfangen, der nicht durch künstlerische Konventionen eingeschränkt ist. Seine Werke stellen den Alltag auf eine humorvolle, aber ironische Weise dar und lassen sich oft von Künstlern wie LS Lowry, James Ensor und Breugel dem Älteren inspirieren, jedoch mit einem zeitgenössischen Twist. Willem hat seine Werke international in Deutschland, Russland und Belgien ausgestellt.

Die unendliche Conga
Im Januar 2021 begann Willem ein Projekt, eine ""nie endende Conga-Linie"" zu malen, indem er kontinuierlich weitere Kartonstücke mit Tanzfiguren verzierte, um ihre Länge zu verlängern. Das Kunstwerk kann zum Verkauf aufgeteilt werden, sodass Käufer Segmente des Tanzes besitzen und gemeinsam an der Kunst teilnehmen können.

Aufstrebender Stern
Willem führt einen Grossteil seiner künstlerischen Reise auf soziale Medien zurück und verbringt täglich Stunden damit, Kollegenkünstler zu beobachten und von ihnen zu lernen. Er glaubt, dass die Exposition gegenüber neuer Kunst seinen eigenen Stil ständig weiterentwickelt und ihn dazu treibt, mit verschiedenen Themen und Techniken zu experimentieren.

Präsenz bei Auktionen
Willem's rascher Aufstieg zum Ruhm war bemerkenswert, wobei seine Werke ständig die geschätzten Werte deutlich überschritten. Sein Debütgemälde, Pilgrim Street 8 (2021), wurde für 69.000 US-Dollar verkauft, weit über seinem geschätzten Wert von 8.000 bis 12.000 US-Dollar. Sein Rekordverkauf, Snowbound (2021), erzielte bei Sotheby's Hongkong erstaunliche 225.000 US-Dollar, obwohl der Schätzpreis bei 13.000 bis 19.000 US-Dollar lag. Die Hälfte der 14 bei Auktionen im Jahr 2022 verkauften Werke erzielte über 150.000 US-Dollar, trotz bescheidener Schätzungen.

Warum in die Nike Air Jordan 8 Kobe PE investieren?

Die Nike Air Jordan 8 Kobe PE (Player Exclusive) ist eine Sonderedition, die nie der Öffentlichkeit zugänglich gemacht wurde. Die Schuhe wurden nur an Kobes Familie und Freunde vergeben. Dieser Sneaker ist eines der seltensten Jordan 8-Modelle der Welt und begeistert sowohl Basketball-Enthusiasten als auch Sneaker-Sammler. Diese exklusive Version des klassischen Air Jordan 8 zollt zwei Basketballlegenden, Michael Jordan und Kobe Bryant, Tribut, indem sie ein ikonisches Design mit modernen Details kombiniert.

Anhaltende Nachfrage
Seit seinem tragischen Tod im Jahr 2020 hat die Nachfrage nach Kobe Bryant Erinnerungsstücken erheblich zugenommen. Fans und Sammler auf der ganzen Welt schätzen die Erinnerung an seine Karriere und sein Vermächtnis, was die Nachfrage und folglich den Wert seiner Memorabilien kontinuierlich in die Höhe treibt.

Design und Ästhetik
Der Air Jordan 8 Kobe PE beeindruckt mit seiner auffälligen Farbkombination in den Signaturfarben der Los Angeles Lakers: Lila und Gold. Das Obermaterial besteht aus hochwertigem Leder, das Langlebigkeit und ein luxuriöses Erscheinungsbild gewährleistet. Die markanten Kreuzriemen, die den Schuh umschliessen, bieten nicht nur zusätzlichen Halt, sondern sind auch ein unverwechselbares Designelement des Air Jordan 8.

Exklusivität
Die Schuhe sind extrem limitiert. Es könnte noch 1 oder 2 Paare auf der Welt geben, die neu und komplett unbenutzt sind. Es gibt fast keine Online-Angebote. Die Größe (US 13) ist ebenfalls besonders wertvoll, da sie vor allem bei vielen Basketballspielern sehr gefragt ist, andererseits aber extrem selten ist.

"Albert Willem ist ein belgischer Künstler, der im Alter von 36 Jahren mit dem Malen begann und sich schnell auf Instagram etablierte. Seine Arbeiten starteten im Mai 2022 auf dem Auktionsmarkt durch und erreichte bis zum Ende des Frühlings rapide einen Höchststand von 213.955 US-Dollar. Im Januar 2023 trieb ein Bieter den Rekord des Künstlers bei Sotheby's auf 295.219 US-Dollar." - James Kerbey, Experte bei Maddox Advisory


Warum Albert Willem?

Belgien (1979)
Albert Willem, ein zeitgenössischer figurativer Künstler aus Brüssel, ist bekannt für seine skurrilen Gemälde, die sich durch einen naiven Stil auszeichnen, der mit Witz und Humor durchdrungen ist. Obwohl er keine formale Kunstausbildung hatte, tauchte er in Galerien, Museen und die Kunstszene auf Social-Media-Plattformen ein. Obwohl er als Kind Talent zum Zeichnen zeigte, legte er die Kunst von seinem 12. bis zum 36. Lebensjahr aufgrund von Universitäts- und Familienverpflichtungen beiseite. Vor etwa vier Jahren entfachte er seine Leidenschaft neu, indem er ein Gemälde für seine Wohnkultur schuf, was einen Wendepunkt markierte, den er humorvoll als "Midlife-Krise" bezeichnet.

Künstlerischer Stil
Im Laufe der Zeit hat Willem verschiedene Medien und Techniken erforscht, von Nagellack über Sprühfarbe bis hin zur Textilkunst. Gegenwärtig verwendet er hauptsächlich Acrylfarbe mit einem Hochglanzlack, um lebendige Farben zu erzielen. Während die Mehrheit seiner Werke auf Leinwand sind, verwendet er auch recycelten Karton als Malgrund. Sein künstlerischer Prozess ist schnell, oft werden die Stücke innerhalb von höchstens 48 Stunden fertiggestellt. Über seine Kunstwerke
Seine Gemälde sind unkompliziert, manchmal wirken sie unfertig und zeigen kühn seine rudimentären technischen Fähigkeiten, während sie die rohe Energie eines Anfängers einfangen, der nicht durch künstlerische Konventionen eingeschränkt ist. Seine Werke stellen den Alltag auf eine humorvolle, aber ironische Weise dar und lassen sich oft von Künstlern wie LS Lowry, James Ensor und Breugel dem Älteren inspirieren, jedoch mit einem zeitgenössischen Twist. Willem hat seine Werke international in Deutschland, Russland und Belgien ausgestellt.

Die unendliche Conga
Im Januar 2021 begann Willem ein Projekt, eine ""nie endende Conga-Linie"" zu malen, indem er kontinuierlich weitere Kartonstücke mit Tanzfiguren verzierte, um ihre Länge zu verlängern. Das Kunstwerk kann zum Verkauf aufgeteilt werden, sodass Käufer Segmente des Tanzes besitzen und gemeinsam an der Kunst teilnehmen können.

Aufstrebender Stern
Willem führt einen Grossteil seiner künstlerischen Reise auf soziale Medien zurück und verbringt täglich Stunden damit, Kollegenkünstler zu beobachten und von ihnen zu lernen. Er glaubt, dass die Exposition gegenüber neuer Kunst seinen eigenen Stil ständig weiterentwickelt und ihn dazu treibt, mit verschiedenen Themen und Techniken zu experimentieren.

Präsenz bei Auktionen
Willem's rascher Aufstieg zum Ruhm war bemerkenswert, wobei seine Werke ständig die geschätzten Werte deutlich überschritten. Sein Debütgemälde, Pilgrim Street 8 (2021), wurde für 69.000 US-Dollar verkauft, weit über seinem geschätzten Wert von 8.000 bis 12.000 US-Dollar. Sein Rekordverkauf, Snowbound (2021), erzielte bei Sotheby's Hongkong erstaunliche 225.000 US-Dollar, obwohl der Schätzpreis bei 13.000 bis 19.000 US-Dollar lag. Die Hälfte der 14 bei Auktionen im Jahr 2022 verkauften Werke erzielte über 150.000 US-Dollar, trotz bescheidener Schätzungen.

Warum in die Glenfarclas Pagoda Serie investieren?

Bewährte Sammelbarkeit
Bei der Bewertung der Sammelbarkeit einer Whisky-Serie spielen mehrere Schlüsselfaktoren eine Rolle: ein bekannter Name der Brennerei, begrenztes Angebot, einzigartige Flaschen- und Etikettendesigns sowie eine historische Wertsteigerung für ein komplettes Set. Die Glenfarclas Pagoda Series Collection erfüllt all diese Kriterien und mehr.

Renommierte Brennerei mit reicher Geschichte
Glenfarclas ist eine der bekanntesten Brennereien Schottlands und bleibt eine der wenigen, die noch unabhängig sind. Die glanzvolle Geschichte der Brennerei spiegelt sich im Flaschendesign wider, das von dem ikonischen "pagodenartigen" Belüftungsturm der Brennerei inspiriert ist, der von Charles Doig entwickelt wurde. Diese architektonische Besonderheit wurde im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert zu einem integralen Bestandteil des Brennereidesigns in ganz Schottland.

Aussergewöhnliche und einzigartige Verpackung
Diese Serie geht weit über einfache individuelle Etiketten hinaus. Jeder Glencairn-Kristalldekanter ist mundgeblasen und mit einem markanten, pagodenförmigen, handgefertigten Magnetverschluss versehen, der sowohl ästhetisch als auch funktional ist. Die Dekanter sind zusätzlich mit Silber verziert, was außergewöhnliche Aufmerksamkeit auf Details zeigt und zwangsläufig zu ihrer begrenzten Produktion führte.

Sehr begrenzte Produktion
Es wurden nur 100 Flaschen (700 ml) für jede der Bronze-, Silber- und Goldabfüllungen produziert. Aufgrund der äusserst begrenzten Mengen mussten die meisten Sammler diese einzigartigen Flaschen direkt bei der Brennerei erwerben. Wir bieten diese Kollektion jedoch zu über 10% unter dem derzeit verfügbaren Online-Preis an.

Hervorragende Whisky-Qualität
Über das begrenzte Angebot und die einzigartige Verpackung hinaus ist das wahre Highlight dieser Kollektion der Whisky selbst. Der „jüngste“ Whisky in diesem Set ist 43 Jahre alt, der älteste 59 Jahre alt. Die Fässer für diese Abfüllungen wurden sorgfältig von Whisky-Experte und "Keeper of the Quaich" Stephen Notman und George Grant, einem Mitglied der 6. Generation der Glenfarclas Brennerei-Familie, ausgewählt. Vom Distillery als "quintessential and [the] very finest super-premium aged casks" beschrieben, übertrifft die Qualität des Whiskys jede vorherige Glenfarclas-Abfüllung und setzt einen neuen Maßstab für die Qualität des Whiskys, den die Brennerei seit dem 19. Jahrhundert produziert.

"Nach dem Pigeon Dunk kommen hier die nächsten beiden Highlights aus dem legendären Dunk City Pack: Tokyo und London! Eine gute Investment-Chance in gleich zwei Sneaker mit einer starken historischen Wertentwicklung zu investieren."- Constantin Philippi - Sneaker Experte


Warum in das Nike Dunk Low City Pack investieren?

Nach dem Nike SB Dunk Low Pigeon (der New York City repräsentiert), setzen wir unsere Reise mit zwei Dunk-Modellen fort, die ebenfalls wichtige Metropolen repräsentieren. Die Tokio- und London-Modelle des Nike SB City Pack gehören zu den wichtigsten und aussergewöhnlichsten Sneakers der Welt. Die in den letzten Jahren gestiegenen Werte zeigen ehrgeizige Perspektiven für die Zukunft. Das Konzept der beiden Dunks, das einzigartige Design und der Kultstatus rund um das City Pack werden auch in Zukunft bedeutend sein.

Repräsentation
Die Tokio- und London-Dunks von 2004. Die drei Sneakers sind Teil der White Dunk City-Serie. Diese Kollektion fängt den Geist von New York, Tokio, Paris und London in Form von Sneakers ein. Aufgrund ihrer strengen Limitierungen sind die Sneakers sehr begehrt und gehören zu den einflussreichsten Sammlerstücken von Nike. Sowohl die Tokio- als auch die London-Dunks sind auf nur 202 Paare limitiert, was sie zu einigen der seltensten und begehrtesten Sneakers der Welt macht.

Dunk London
Der Londoner Sneaker ist eine einfache Hommage an den oft grauen Himmel der englischen Hauptstadt. Ein weiteres Detail ist die Darstellung der Themse, die über die Ferse verläuft.

Dunk Tokio
Im Gegensatz dazu besteht er vollständig aus Leinwand, einer weissen Leinwand, die Kreativität einlädt und gleichzeitig elegant aussieht. Dieses Material verweist auf die White Dunk Ausstellung, die 2004 in Tokio stattfand.

Warum Deanston?
Geschichte
Die Destillerie wurde ursprünglich im Jahr 1785 von James Finlay als Baumwollspinnerei gegründet und fungierte viele Jahre lang als Textilfabrik. In den 1960er Jahren wurde sie in eine Whiskybrennerei umgewandelt, wobei sie von der natürlichen Wasserquelle des Flusses Teith profitierte, die sich im Gebäude befindet.

Whiskyproduktion
Deanston ist bekannt für die Herstellung von Single Malt Scotch Whisky. Sie verwenden traditionelle Methoden der Whiskyherstellung, einschließlich Kupferbrennblasen und hölzerner Gärbottiche für die Fermentation.

Auszeichnungen
In den letzten Jahren haben Deanston Whiskys zahlreiche Auszeichnungen und Lob für ihre Qualität und ihren einzigartigen Charakter erhalten.

Natürliche Zutaten
Deanston ist dafür bekannt, natürliche Zutaten in seiner Whiskyproduktion zu verwenden. Sie setzen auf ungetorftes Gerstenmalz und folgen einem naturverbundenen Ansatz bei der Herstellung von Whisky.

Besucherzentrum
Die Destillerie verfügt über ein Besucherzentrum, das Touristen und Whisky-Enthusiasten willkommen heißt. Besucher können geführte Touren unternehmen, um den Prozess der Whiskyherstellung kennenzulernen und Deanstons Produkte zu probieren.

Nachhaltigkeit
Deanston hat sich bemüht, umweltfreundlichere Betriebsmethoden einzuführen. Sie nutzen erneuerbare Energiequellen und wurden für ihre Nachhaltigkeitsinitiativen anerkannt.

Warum New Make Whisky von Deanston?
Eigentum
Deanston wurde im Jahr 2023 von der Heineken-Gruppe übernommen. Daher wird Deanston von dem globalen Vertriebsnetzwerk des Eigentümers profitieren, was es ihnen ermöglicht, internationale Markenbekanntheit aufzubauen. Mit ihrem jungen Fass und dem ausgewählten Anlagehorizont können Investoren von den Wachstumsambitionen des Unternehmens profitieren.

Warum in Platin investieren?

Vielseitigkeit und Diversifikation
Platin, ein Edelmetall, das in verschiedenen Sektoren eingesetzt wird, wird oft neben Gold und Silber gruppiert. Sein Einsatz in der Schmuckherstellung und als Methode zur Diversifizierung von Anlageportfolios macht es zu einer attraktiven Option für Investoren.

Schlüsselrolle in wichtigen Industrien
Platin spielt eine entscheidende Rolle in Katalysatoren, die in Dieselmotoren eingesetzt werden, und ist daher für die Emissionskontrolle unverzichtbar. Darüber hinaus ist es das bevorzugte Metall im expandierenden Sektor grünen Wasserstoffs und fungiert als Katalysator in wichtigen Anwendungen wie Elektrolyseuren und Wasserstoff-Brennstoffzellen.

Angebots- und Nachfrage-Dynamik
Der Preis von Platin wird massgeblich von der Wechselwirkung zwischen Angebot und Nachfrage beeinflusst. In den letzten Jahren kam es aufgrund der steigenden Nachfrage und Arbeitsniederlegungen in wichtigen Bergbauregionen zu Marktengpässen.

Positive Aussichten und starke Fundamentaldaten
Trotz Herausforderungen hat Platin aufgrund seiner robusten Fundamentaldaten vielversprechende Aussichten. Seine Kosteneffizienz im Vergleich zu Palladium in Katalysatoren erhöht seine Attraktivität für Investoren weiter. Darüber hinaus besteht trotz des globalen Wandels hin zu Elektrofahrzeugen und technologischen Fortschritten weiterhin eine hohe Attraktivität für Platin.

Widerstandsfähigkeit in wirtschaftlicher Unsicherheit
Ähnlich wie andere Edelmetalle wird Platin während Phasen wirtschaftlicher Instabilität oft als sichere Anlage betrachtet. Sein Wert bleibt tendenziell stabil oder steigt sogar, wenn andere Anlagemöglichkeiten schwächeln könnten.

Potenzial für Wachstum im medizinischen Sektor
Platin findet auch Anwendungen im medizinischen Bereich, einschliesslich seiner Verwendung in Herzschrittmachern, Stents und Krebstherapien. Mit den laufenden Fortschritten in der medizinischen Technologie könnte die Nachfrage nach Platin in diesem Sektor zunehmen.

Dominanz auf dem Markt für Hybridfahrzeuge
Obwohl vollelektrische Fahrzeuge kein Platin benötigen, bleibt es für Hybridfahrzeuge unerlässlich. Die Hybridfahrzeugindustrie repräsentiert einen bedeutenden Markt, auf dem Platin voraussichtlich seine Dominanz behalten wird.

Warum in Nike Dunk Low Pigeon investieren?

Die Geschichte dieser Sneaker ist eine faszinierende und bedeutende Episode in der Sneaker-Kultur, insbesondere in der Geschichte der Skateschuhe.

Konzept und Design
Der Nike SB Dunk Low Pigeon wurde 2005 in Zusammenarbeit mit dem New Yorker Designer und Gründer der urbanen Bekleidungsmarke Staple Design, Jeff Staple, entworfen. Das Design ist von den Tauben inspiriert, die in New York City allgegenwärtig sind. Die Farben des Schuhs (Grau, Weiss, Schwarz und ein auffälliger Lachsrosa-Akzent) spiegeln die Farben einer städtischen Taube wider. Auf der Ferse des Schuhs befindet sich ein gesticktes Taubenlogo, das zum ikonischen Markenzeichen des Modells geworden ist.

Limitierte Auflage
Der Nike SB Dunk Low ""Pigeon"" wurde in einer sehr begrenzten Auflage von nur 150 Paaren produziert. Diese Begrenzung trug massgeblich zur Beliebtheit und Sammlerwert des Schuhs bei.

Startveranstaltung
Der Schuh wurde am 22. Februar 2005 exklusiv in fünf Geschäften in New York City veröffentlicht. Tage vor dem Release begann sich vor Jeff Staples Geschäft (Reed Space) eine Schlange zu bilden, während Sneaker-Enthusiasten und Sammler auf die begehrten Schuhe warteten.

Chaos und mediale Aufmerksamkeit
Am Tag der Veröffentlichung verursachte die Menge chaotische Szenen, mit Zusammenstössen und Polizeieinsatz, um die Menge zu kontrollieren. Diese Ereignisse zogen mediale Aufmerksamkeit auf sich, was die Beliebtheit der Schuhe noch steigerte. Bilder der chaotischen Szene und Berichte darüber erschienen in verschiedenen Nachrichtensendern und Zeitungen.

Einfluss und Vermächtnis
Nike SB Dunk Low Pigeon gelten als einige der einflussreichsten und begehrtesten Sneaker in der Geschichte der Sneaker-Kultur. Es markierte einen Wendepunkt in der Sneaker-Szene und half, die Popularität von limitierten Auflagen und Zusammenarbeiten zu steigern.

Nachfolger und Tributes
Aufgrund seines Erfolgs und seiner Bedeutung hat Nike mehrere Nachfolger und Tributes zum originalen ""Pigeon"" veröffentlicht, darunter den ""Black Pigeon"" und den ""Panda Pigeon"". Jede dieser Veröffentlichungen weckte ebenfalls grosses Interesse und Aufregung in der Sneaker-Community

Warum Louis Roederer?

Tradition
Louis Roederer ist ein renommiertes Champagnerhaus mit Sitz in Reims, Frankreich. Das Unternehmen wurde 1776 gegründet und zählt zu den letzten grossen unabhängigen und familiengeführten Champagnerhäusern. Das Anwesen Roederer hat eine lange Geschichte in der Produktion von hochwertigem Champagner und zeichnet sich durch sein Bekenntnis zu traditionellen Weinherstellungsmethoden aus.

Prestige
Eine der bekanntesten und prestigeträchtigsten Cuvées von Louis Roederer ist der Cristal. Cristal ist ein Jahrgangschampagner, der 1876 für Zar Alexander II. von Russland geschaffen wurde. Er gilt als einer der feinsten und luxuriösesten Champagner der Welt. Die Trauben für Cristal stammen aus den eigenen Weinbergen des Anwesens, und der Wein ist in der Regel eine Mischung aus Chardonnay und Pinot Noir.

Nachhaltigkeit
Louis Roederer ist auch für sein Engagement für ökologische und biodynamische Anbaupraktiken in seinen Weinbergen bekannt. Das Haus legt großen Wert darauf, Weine zu produzieren, die das einzigartige Terroir ihrer Weinberge widerspiegeln.

Vielfalt
Neben Cristal produziert Louis Roederer eine Reihe anderer Champagner, darunter Brut Premier, Vintage Brut und Brut Nature, unter anderem.

Qualität
Das Haus hat durchweg Lob für seine Champagner erhalten und ist in der Welt der Schaumweine hoch angesehen für deren Qualität und Eleganz.

Warum der Cristal Rosé von 2012?
Louis Roederer produziert einen hoch angesehenen Rosé-Champagner als Teil seines Portfolios. Ein bemerkenswerter Rosé-Champagner von Louis Roederer ist der Cristal Rosé. Hier sind einige Schlüsselpunkte zum Cristal Rosé:

Cristal Rosé
Der Cristal Rosé ist eine Erweiterung der berühmten Cristal-Linie, die für ihre aussergewöhnliche Qualität und ihr Prestige bekannt ist. Wie der weisse Cristal ist der Cristal Rosé ein Jahrgangschampagner, was bedeutet, dass er aus Trauben eines bestimmten Jahrgangs hergestellt wird.

Mischung
Louis Roederer Cristal Rosé besteht in der Regel aus einer Mischung von Pinot Noir- und Chardonnay-Trauben. Die genaue Mischung kann von Jahrgang zu Jahrgang variieren, da das Haus bestrebt ist, die einzigartigen Merkmale jeder Wachstumssaison einzufangen.

Qualität und Prestige
Der Cristal Rosé, wie sein weisser Pendant, ist für seine herausragende Qualität, Komplexität und Eleganz bekannt. Er wird oft als einer der feinsten Rosé-Champagner der Welt betrachtet.

Reifung
Nach der ersten Produktion durchläuft der Cristal Rosé eine Reifezeit im Keller. Dieser Reifungsprozess trägt zur Entwicklung von Geschmacksrichtungen und Aromen bei und verleiht dem Champagner Tiefe und Fülle.

Bewertungen
Der Jahrgang 2012 erhielt hohe Bewertungen, mit 98 Punkten von Robert Parker und 99 Punkten von James Suckling. Solche Auszeichnungen sprechen für die aussergewöhnliche Qualität und Handwerkskunst des Champagners.

Warum der Cristal 2008 & 2012?
Exklusivität
Nichts ist mehr Synonym für Exklusivität, Extravaganz und Hochwertigkeit als der Prestige-Cuvée von Louis Roederer, der Cristal. Drehe die Qualität und Extravaganz auf und drehe das Angebot herunter - und schon hast du Cristal, und das sogar in Magnumflaschen, die eine bessere Lagerfähigkeit bieten. Cristal gehört zu den Favoriten der Prominenten, der Jungen und Schönen, und der grosse Verbrauch hat in der Vergangenheit zu soliden Renditen für die Anleger geführt.

Limitierte Produktion
Cristal wird in einer Menge von etwa 400.000 Flaschen pro Jahrgang produziert, und es gibt keineswegs ein Gleichgewicht zwischen Angebot und Nachfrage. Der Jahrgang 2008 sowie 2012 sind fantastische Jahrgänge in der Champagne. Louis Roederer hat in seinem Cristal-Jahrgang 2008 beeindruckende Bewertungen vorgelegt, die den Jahrgang 2008 als einen der besten Cristal-Jahrgänge aller Zeiten auszeichnen (100 Parker). Auch 2012 hat mit 98 Punkten eine Spitzenbewertung erhalten.

Wer ist Kikuo Saito?

Kikuo Saito (1939-2016) war ein japanisch-amerikanischer abstrakter Maler mit Verbindungen zur Color Field-Bewegung. Geboren in Tokio, kam er 1966 nach New York, wo er als Assistent für so bedeutende Maler wie Helen Frankenthaler, Kenneth Noland und Larry Poons arbeitete, ein Schritt, der den Beginn seiner transformativen künstlerischen Reise markieren sollte.

Die Reise eines Malers
Saito wurde als vielseitiger Künstler gelobt. Viel wurde über seine Theaterarbeit mit Robert Wilson, Peter Brook, Ellen Stuart, Jerome Robbins und anderen gesagt, aber Saito war in der Tat der ewige Maler. Die renommierte Kritikerin und Kuratorin der Color Field-Malerei, Karen Wilkin, schrieb: „Noch bevor er das Theater vollständig aufgab, konzentrierte er sich zunehmend auf die Malerei und entwickelte eine persönliche Version der Color Field-Abstraktion. Saitos reife Werke zeichnen sich durch erfinderische, oft überraschende Farbgebung aus, die von frank schillernd, reichhaltig variierter Intensität bis zu gedämpften nahezu Monochromen reicht, sowie durch eine ausdrucksstarke Zeichnung…“

Die Entwicklung der Color Field-Malerei
Saito, der Color Field-Maler, der anfangs den Spuren von Frankenthaler folgte, stieg schnell auf zu einer eigenen Malerei, die über Frankenthalers Farbfelder hinausging. Wie Basquiat, der die abstrakte expressionistische Malerei weiterentwickelte, um figurative und konzeptionelle Inhalte einzubeziehen, brachte Saito die Color Field-Malerei auf eine neue Ebene, strukturiert mit Inhalten und Stimmungen, gespickt mit Objekten, Wolken und römischen Buchstaben.

Anerkennung und Ruhm
"Erinnerungen oder Echos von Bewegungen werden zu autonomen Schwüngen über die Leinwand, die in Kritzeleien und Fetzen ausfransen… sinnliche Wirrungen und Schwünge, die fast von Referenzen losgelöst sind", schreibt Wilkin. In den letzten Jahren wurden Saitos originelle Herangehensweise an die Color Field-Malerei und die Schönheit seiner Werke zunehmend von Sammlern, Kritikern, Händlern und Institutionen anerkannt.
Saitos Werke finden sich in den Sammlungen bedeutender Museen und waren Gegenstand mehrerer Einzelausstellungen.

Begrenztes Angebot und wachsendes Interesse
Nach Saitos Tod im Jahr 2016 gab es keine neuen Kunstwerke mehr, was zu einem begrenzten Angebot seiner Werke führte. Trotz dieser Einschränkung wächst das Interesse an Saitos Kunst weiter, insbesondere mit dem jüngsten Eintritt grosser Auktionshäuser wie Sotheby's, Christie's und Phillips in den Markt. Dieser Zustrom an Interesse verspricht, die Auktionsliquidität zu verbessern und die Preise von Saito weiter zu steigern. Museum Kollektionen: The Museum of Modern Art, New York, New York Whitney Museum of Art, New York, New York The Aldrich Contemporary Art Museum, Ridgefield, Connecticut Nasher Museum of Art, Duke University, Durham, North Carolina Museum of Art, Fort Lauderdale, Fort Lauderdale, Florida Queens University, Ontario, Canada Ringling Museum of Art, Sarasota, Florida Peter Stuyvesant Foundation, Amsterdam, Netherlands Ulster Museum, Belfast, Northern Ireland.

Solo Ausstellungen:
2024 James Fuentes Gallery, New York, NY: Kikuo Saito: Color Codes,(Ongoing
2024 KinoSaito, Verplanck, NY: Kikuo Saito: Unraveling, (Ongoing
2023 KinoSaito, Verplanck, NY: Kikuo Saito: Pictorial Clay
2022 KinoSaito, Verplanck, NY: Kikuo Saito: Hatching Color
2022 Galerie Rüdiger Schöttle, Munich: Kikuo Saito
2022 KinoSaito, Verplanck, NY: Kikuo Saito: The Alphabet Paintings
2022 Altman Siegel Gallery, San Francisco, CA: Ouray
2021 Art Dealers Association of America, James Fuentes Gallery, New York, NY: Kikuo Saito
2021 KinoSaito, Verplanck, NY: Painting as Performance / Performance as Painting
2021 KinoSaito, Verplanck, NY: Kikuo Saito: Cloud Paintings
2021 James Fuentes Gallery, New York, NY: Kikuo Saito
2019 Loretta Howard, New York, NY: Kikuo Saito: To Paint with Drawing
2019 Lori Bookstein Projects, New York, NY: Lyrical Abstraction: Small Scale
2018 Lori Bookstein Projects, New York, NY: Saito: Works on Paper
2018 Loretta Howard, New York, NY: Kikuo Saito: Resonant Tension
2018 Octavia Art Gallery, Houston, TX: 40 Years
2018 Jonathan Novak Contemporary Art, Los Angeles, CA: Never Before Seen Paintings from the Estate

Warum in Michael Jordan Memorabilien investieren?
Geboren am 17. Februar 1963 in Brooklyn, New York, ist Michael Jordan ein amerikanischer Basketballspieler, der weithin als einer der größten aller Zeiten angesehen wird, was erklärt, warum sein Andenken so begehrt ist. Er wuchs in Wilmington, North Carolina, auf und brillierte an der University of North Carolina in Chapel Hill. 1982 erzielte er den spielentscheidenden Treffer im nationalen Meisterschaftsspiel der NCAA. 1984 wurde er von den Chicago Bulls beim NBA-Draft ausgewählt. Jordan führte die Bulls in den 1990er Jahren zu sechs NBA-Meisterschaften. Seine Zusammenarbeit mit Nike führte zu den ikonischen Air Jordan Sneakers.

Frühe Karriere
1984 wurde Michael Jordan von den Chicago Bulls gedraftet. Jordan war damals 21 Jahre alt und einer der besten College-Spieler des Landes. Jordan wurde Chicagos Franchise-Spieler, und der Rest ist Geschichte. Jordan zeigte bereits in seinem dritten Spiel eine herausragende Leistung, indem er gegen die Milwaukee Bucks punktete und verteidigte. Jordan beendete das Spiel mit 37 Punkten, sechs Steals, fünf Assists, vier Rebounds und zwei Blocks. Jordans Rookie-Saison beendete er mit den meisten Punkten (2.313) in der Liga und erzielte durchschnittlich 28,2 Punkte, 6,5 Rebounds, 5,9 Assists und 2,4 Steals pro Spiel für die Bulls in 82 Spielen. Jordans beeindruckende Statistiken brachten ihm einen NBA-All-Star-Platz ein und erhielten den Rookie des Jahres 1985.

Vermächtnis
Jordan spielte 13 Spielzeiten für die Bulls, gewann sechs Meisterschaften und wurde sechsmal zum Finals MVP gewählt. Jordans individuelle Auszeichnungen und Erfolge umfassen fünf Most Valuable Player (MVP) Awards, zehn All-NBA First Team Nominierungen, neun All-Defensive First Team Ehren, vierzehn NBA All-Star Game Teilnahmen, drei All-Star Game MVP Awards, zehn Scoring-Titel, drei Steals-Titel und den NBA Defensive Player of the Year Award 1988. Jordan gewann zwei olympische Goldmedaillen, darunter eine als Mitglied des Dream Teams von 1992. Die Bulls zogen Jordans Trikotnummer 23 zurück, und 2009 wurde Jordan in die Naismith Basketball Hall of Fame aufgenommen.

Autogramm "Air of Greatness" Trikot
Dieses einzigartige Sammlerstück ist das größte gerahmte Michael Jordan Doppeltrikot, das jemals veröffentlicht wurde, und es zeigt sechs Actionbilder aus seiner Rookie-Saison und seinem letzten Meisterschaftssieg, als er den spielentscheidenden Wurf im Spiel 6 gegen die Utah Jazz machte. Jordan hat dieses gerahmte 1984-85 Chicago Bulls rote Rookie- und 1997-98 Bulls rote Auswärtsauthentische Mitchell & Ness Trikot mit einem schwarzen und silbernen Farbstift signiert. Der Rahmen gibt ihm eine ungefähre Gesamtgröße von 97" x 45". Seine Unterschrift wird als authentisch betrachtet aufgrund des Five-Step Process von Upper Deck Authenticated.

Eintrag in die Geschichtsbücher
Am Ende der Saison wurde Jordan zum NBA Rookie des Jahres ernannt - und der Verkauf der Jordan 1 brachte insgesamt 126 Millionen Dollar ein.
Der Sneaker wurde so beliebt und erfolgreich, dass Nike jedes Jahr neue signierte Air Jordans herstellte. Von Anfang an waren Air Jordans das Nonplusultra der Sneaker, unübertroffen in ihrer Qualität, Verarbeitung, Innovation, Leistung und Stil.
Es war ein Mode- und Marketing-Alley-Oop - der Höhepunkt für ein Markenprodukt eines Athleten und eine Leistung, die von niemand anderem übertroffen wurde. Das Ergebnis ist, dass die Jordan 1 heute zu den begehrtesten Schuhen gehören. Im Jahr 2020 verkaufte das Auktionshaus Sotheby's ein Paar Jordan 1 für 560.000 Dollar.

Warum in den Nike Air Jordan 3 Kobe PE investieren?
Der Nike Air Jordan 3 Kobe PE 2016 (Player Exclusive) ist ein spezielles Modell, das zu Ehren von Kobe Bryant, einer der größten Basketball-Legenden aller Zeiten, entworfen wurde. Diese exklusive Version des Air Jordan 3 kombiniert die ikonischen Designelemente des Originalmodells mit besonderen Details, die das Vermächtnis von Kobe Bryant ehren.

Anhaltende Nachfrage
Seit seinem tragischen Tod im Jahr 2020 hat die Nachfrage nach Kobe Bryant Erinnerungsstücken erheblich zugenommen. Fans und Sammler auf der ganzen Welt schätzen die Erinnerung an seine Karriere und sein Vermächtnis, was die Nachfrage und damit den Wert seiner Memorabilien kontinuierlich steigert.

Design und besondere Merkmale
Der Air Jordan 3 Kobe PE verfügt über ein Farbschema, das stark mit Kobe Bryant und den Los Angeles Lakers assoziiert wird. Die Hauptfarben der Schuhe sind Weiss, Lila und Gold, entsprechend den Farben der Lakers. Der Schuh ist aus hochwertigem weissen Leder gefertigt, mit dem charakteristischen Elefantenprint in Lila auf der Zehenkappe und der Ferse.

Besondere Details
Goldene Details an den Ösen und das Jumpman-Logo auf der Zunge verleihen eine besondere Note. Kobes persönliches Logo erscheint auf der Innensohle und betont die Exklusivität dieses Modells. Diese speziellen Designelemente machen den Kobe PE zu einem einzigartigen Sammlerstück, das sowohl der Air Jordan Serie als auch dem Vermächtnis von Kobe Bryant huldigt.

Komfort und Leistung
Wie das Originalmodell des Air Jordan 3 bietet der Kobe PE hervorragenden Komfort und Leistung. Die sichtbare Air-Sole-Einheit in der Ferse und die Polyurethan-Zwischensohle sorgen für ausgezeichnete Dämpfung und Unterstützung. Das gepolsterte Innenfutter und die verstärkte Knöchelunterstützung bieten zusätzlichen Komfort und Stabilität, was diesen Schuh ideal für sportliche Aktivitäten und den täglichen Gebrauch macht.

Einfluss und Vermächtnis
Der Nike Air Jordan 3 Kobe PE ist mehr als nur ein Sneaker; er ist ein Symbol des gegenseitigen Respekts und der Bewunderung zwischen Michael Jordan und Kobe Bryant. Dieses spezielle Modell wurde nie kommerziell verkauft und war ausschliesslich für Kobes Freunde und Familie bestimmt, was seine Exklusivität und seinen Reiz bei Sneaker-Sammlern und Basketballfans weltweit weiter erhöht.

Fazit
Der Nike Air Jordan 3 Kobe PE 2016 ehrt einen der grössten Basketballspieler aller Zeiten, indem er die ikonischen Designelemente des Air Jordan 3 mit den einzigartigen Farben und Details kombiniert, die Kobe Bryant repräsentieren. Dieser Schuh bleibt ein begehrtes Sammlerstück und ein stolzes Symbol für die Verbindung zwischen zwei Basketball-Legenden.

Der künstlerische Werdegang von Andrew Cooper
Frühe Einflüsse und Signaturmotive
Andrew Coopers frühe Jahre wurden von der Musik beeinflusst, die auf dem Plattenspieler seiner Großeltern gespielt wurde, und diese Musik wurde ein prägender Teil seiner Kindheit. Die Formen und Silhouetten dieses Haushaltsgegenstands prägten sich in seinem Geist ein und wurden später zu einem Signaturmotiv in seinen großformatigen Gemälden.

Rückkehr zu den Wurzeln
Geboren und aufgewachsen in Evansville, Indiana, hat Cooper – der jetzt nur noch unter dem Namen „Cooper“ bekannt ist – an verschiedenen Orten gelebt, wohnt und arbeitet aber jetzt wieder in seinem Heimatstaat. Sein Atelier und seine Wohnung befinden sich im selben Gebäude, wobei das Atelier aufgrund der Größe seiner Werke allmählich in die Wohnräume eindringt. Diese Mischung aus Wohnen und Arbeiten inspiriert offenbar auch die Szenen, die er malt, da er seine Werke oft als eine Art Selbstporträt beschreibt.

Aspirationen und Inspirationen
Coopers Aspirationen werden als astronomisch beschrieben, wobei seine Fähigkeit, seine Leidenschaft und seinen Schaffensprozess zu artikulieren, bemerkenswert ist. Seine Inspirationen sind bescheiden und stammen aus der Einfachheit des täglichen Lebens. Objekte wie kleine Topfpflanzen, Bücher, gemusterte Tapeten, Plattenhüllen, Lautsprecher und Soundsysteme sind häufig in seinen Gemälden zu sehen. Diese Elemente, inspiriert durch seine Ausbildung im Grafikdesign und seinen Kampf gegen Angstzustände, wurden in seine Arbeit integriert. Diese Reise führte ihn nach West-London für eine Einzelausstellung in der Maddox Gallery.

Grosse Erfolge und Kollaborationen
Im Jahr 2018 schuf Cooper sein bisher größtes Wandgemälde, „Flower Fields“, im Kunstviertel der Innenstadt von Los Angeles. Dieses monumentale Werk markierte einen bedeutenden Meilenstein in seiner Karriere. Zusätzlich hat Cooper mit namhaften Marken wie Puma, WeTransfer und Vans zusammengearbeitet, was seine Präsenz in der Kunst- und Geschäftswelt weiter festigte.

Hintergrund im Design
Coopers Weg zur bildenden Kunst begann mit einem Hintergrund im Grafikdesign, was sich in den starken Designelementen seiner Werke widerspiegelt. Trotz seines anfänglichen Wunsches, Malerei zu studieren, wurde er ermutigt, Grafikdesign wegen der Berufsaussichten zu verfolgen.

Die Rolle der sozialen Medien
Soziale Medien, insbesondere Instagram, spielten eine entscheidende Rolle dabei, seine Arbeit sichtbar zu machen. Durch Instagram wurde Jay Rutland, der Direktor der Maddox Gallery, auf seine Kunst aufmerksam. Ohne eine eigene Website ist Instagram die primäre Plattform für die Präsentation und den Verkauf seiner fertigen Gemälde.

Kreativer Prozess
Cooper beginnt seinen kreativen Prozess typischerweise mit einer Bleistiftskizze, wobei er etwa 50 % des Werkes skizziert, bevor er mit dem Malen beginnt. Der Rest des Gemäldes wird dann basierend auf einer mentalen Blaupause ausgefüllt, was eine rhythmische Vollendung des Werkes ermöglicht.

Einfluss der Musik
Musik spielt eine wesentliche Rolle in Coopers Arbeit, wobei Lautsprecher und wiederholte Motive von Musikequipment häufig in seiner Kunst auftauchen. Das Malen dieser Motive wird als meditativ empfunden, was dazu beiträgt, seine Angstzustände zu lindern und eine zenartige Konzentration auf die Formen zu schaffen.

Kindheitserinnerungen
Ein bedeutendes persönliches Element in Coopers Arbeit ist die HiFi-Stereoanlage, eine geschätzte Erinnerung aus dem Haus seiner Großeltern, die familiäre Zusammenkünfte und musikalische Erlebnisse symbolisiert.

Unterschiedliche Sammler
Coopers Sammler stammen aus verschiedenen Hintergründen und Regionen, darunter Taiwan, China und Korea. Seine Ausstellungen ziehen ein breites Publikum an und demonstrieren die große Anziehungskraft seiner Gemälde.

Lieblingskünstler
Zu Coopers künstlerischen Einflüssen gehören David Hockney, Hilary Pecis, Mark Paul Deren (Madsteez) und Greg Mike, unter anderen. Besonders Hockney hat Coopers Farbgebrauch beeinflusst, obwohl er ihn persönlich nie getroffen hat.

Warum in Daisy Dodd-Noble investieren?

Daisy Dodd-Noble, geboren 1989, ist eine herausragende Malerin aus London, England. Sie schloss ihr Masterstudium in Bildender Kunst an der angesehenen New York Academy of Art im lebhaften Viertel TriBeCa, New York, im Jahr 2016 ab.

Künstlerische Reise:
Dodd-Nobles künstlerische Reise war eine faszinierende Entwicklung. Anfangs in der Welt der politischen Kunst vertieft, durchlief sie während ihrer Zeit an der New York Academy of Art eine bedeutende Transformation. Unter der Anleitung von Inka Essenhigh, einer renommierten figurativen Malerin, die für ihre einfallsreichen Kompositionen gefeiert wird, fand sich Dodd-Noble zu der Ruhe von Landschaften hingezogen, die sich mitten im geschäftigen Chaos von Manhattan befinden. Fasziniert von den Bäumen der Stadt, fand sie Trost und Stabilität darin, sie zu skizzieren. Diese Praxis entwickelte sich bald zu einer tiefgreifenden Erforschung erfundener Umgebungen, in denen sie reale Bäume mit phantastischen Landschaften kunstvoll verflocht. Ihr charakteristischer Stil, gekennzeichnet durch gesättigte Himmel und unbewohnte Weiten, dient als Leinwand für ihre idealisierten Darstellungen der Natur. Dodd-Nobles Œuvre geht über die blosse Darstellung hinaus; es taucht in bewegende Themen wie Umweltschutz und die symbiotische Beziehung der Menschheit zur natürlichen Welt ein. Ihre technicolor Landschaften, obwohl lebhaft und bukolisch, bergen eine tiefere Botschaft des Umweltschutzes. Durch sorgfältige Manipulation von Farbe und Licht verleiht sie ihren Werken eine ätherische Qualität, die die Betrachter in eine Welt einlädt, in der Unschuld herrscht.

Wahrnehmung und Ausdruck:
Nach ihrem Umzug nach London richtet Dodd-Noble nun ihre künstlerische Vision auf Bäume aus ihrem Heimatland UK sowie auf Orte wie Costa Rica und Südfrankreich. Weit entfernt von blossen Reproduktionen idyllischer Landschaften dienen ihre lebhaften Leinwände als Manifestationen von Selbstwahrnehmung. In ihren eigenen Worten erläutert sie: "Ich versuche definitiv nicht, eine neue 'Welt' zu konstruieren. Ich bemühe mich, meine eigene Wahrnehmung der Welt um mich herum zu vertiefen... und dann meine Vorstellung von der Natur der Realität und der Beziehung zwischen uns und der Welt um uns herum visuell zu kommunizieren."

Höhepunkte der Ausstellungen:
Dodd-Nobles künstlerisches Können hat Anerkennung auf beiden Seiten des Atlantiks gefunden. Im Jahr 2020 feierte sie ihr Debüt mit einer Einzelausstellung in der angesehenen Roman Road Gallery, die sich im historischen Columbia Hotel in London befindet. Darüber hinaus wurden ihre Werke in prominenten Gruppenausstellungen in ganz Europa und den Vereinigten Staaten präsentiert. Bemerkenswerte Veranstaltungsorte sind die Stems Gallery in Ixelles, Belgien; Roman Road Gallery in London; G/A R T/E N in Como, Italien; Unit Gallery in London; Bowes-Parris Gallery in London und Tchotchke Gallery in New York. Um ihren Status als aufstrebender Star in der Kunstwelt weiter zu festigen, hat Dodd-Noble an renommierten Residenzprogrammen teilgenommen. Besonders hervorzuheben sind ihre Einzelausstellungen mit den Titeln "Grounded" und "Origins" während ihres Aufenthalts in der L21 Gallery in Spanien im Jahr 2022.

Im Wesentlichen ist die Investition in Daisy Dodd-Noble nicht nur eine finanzielle Entscheidung; es ist eine Investition in die grenzenlose Kreativität und das tiefe Verständnis einer visionären Künstlerin, die darauf ausgerichtet ist, einen unauslöschlichen Eindruck auf die zeitgenössische Kunstszene zu hinterlassen.

Warum in David Salle investieren?
David Salle ist ein amerikanischer Künstler, der im September 1952 in Norman, Oklahoma, geboren wurde und in Brooklyn, New York, lebt und arbeitet. Er ist bekannt für seine Gemälde und andere Werke, die kontrastierende visuelle Elemente der Populärkultur gegenüberstellen. Seine Kreationen beinhalten oft Anspielungen auf Pop Art, durchdrungen von einer surrealistischen Vision.

Frühe Anfänge und Ausbildung
Salle kam bereits in jungen Jahren zur Kunst. Mit acht Jahren lernte er Aktzeichnen und besuchte während der Highschool regelmäßig Kunstunterricht. Später studierte er am California Institute of the Arts (CalArts) und schloss 1973 mit einem BFA und 1975 mit einem MFA ab. Er wurde von Künstlern wie John Baldessari und Vito Acconci ausgebildet.

Aufstieg zur Prominenz
Der Künstler stieg in den 1980er Jahren neben einer Generation von Malern wie Julian Schnabel und Eric Fischl auf, die in einem neuen expressionistischen Stil arbeiteten. Er wird auch mit Künstlern der Pictures Generation wie Cindy Sherman, Barbara Kruger und Richard Prince in Verbindung gebracht, die Massenmedienbilder und Werbung in ihren Werken neu interpretierten. Salles erste bedeutende Galeriepräsentation erfolgte bei Mary Boone, der renommierten Talentsucherin, die seine Arbeit erstmals 1981 ausstellte.

Repräsentation und Anerkennung
Heute wird Salle von renommierten internationalen Galerien vertreten: Gladstone Gallery in New York und Brüssel Thaddaeus Ropac in Paris und London Max Hetzler in Berlin Lehmann Maupin in Asien Skarstedt, die Blue-Chip-Galerie, die in den letzten zehn Jahren sieben Einzelausstellungen von Salle veranstaltet hat, bleibt auf dem Sekundärmarkt aktiv, obwohl der Künstler jetzt von Gladstone in New York vertreten wird.

Künstlerisches Erbe
Salles Gemälde wurden in Einzel- und Gruppenausstellungen sowie in bedeutenden internationalen Ausstellungen in Museen und Galerien weltweit seit über vierzig Jahren gezeigt. Seine Werke finden sich in den ständigen Sammlungen zahlreicher renommierter Institutionen auf der ganzen Welt.

Ausgewählte Einzelausstellungen
Upcoming 2025: David Salle: Galerie Thaddaeus Ropac, Paris, Frankreich - April.
2024: David Salle: Gladstone Gallery, New York, USA - kommender September.
2024: David Salle: Arbeiten auf Papier, Edward Hopper House Museum & Study Center, Nyack, USA.
2023: David Salle: Das sportliche Leben, Dylan Brant Fine Art, Palm Beach, USA.
2023: David Salle: Tree of Life, This Time with Feeling, Galerie Thaddaeus Ropac-Marais, Paris, Frankreich.
2022: David Salle: Barbara Gladstone, Brüssel, Belgien.

Ausgewählte Gruppenausstellungen
2023: Über Kunst, Makasiini Contemporary, Logomo, Türkei.
2023: Kartierung einer Kunstwelt: Los Angeles in den 1970er-80er Jahren, Museum of Contemporary Art Los Angeles Grand Avenue, Los Angeles, USA.
2023: Das gelbe Licht um 18 Uhr: Erinnern, Visionieren, Landschaft wahrnehmen, Galerie Max Hetzler, Berlin, Deutschland.
2023: Schön, lebendig, in sich geschlossen, kuratiert von David Salle, Hill Art Foundation, New York, USA.
2023: Wellenmuster, Dylan Brant und Max Werner, New York, USA.

Künstlerischer Stil und Philosophie
Salle ist auch ein produktiver Schriftsteller und Kritiker, dessen Essays und Interviews in verschiedenen renommierten Publikationen veröffentlicht wurden. Seine Arbeit zeichnet sich durch Kompression und Prägnanz aus und erforscht Bildgegensätze und Paarungen von Skala, Farbe und Berührung. Salles Gemälde enthalten oft Hintergrunddetails aus Werbung, Magazinfotos und Zeitungsartikeln, die den Betrachter dazu einladen, ihre konzeptionellen Verbindungen zu den Vordergrundbildern zu entschlüsseln.

""In diesen Gemälden interessiere ich mich für Kompression und Prägnanz - den Haiku statt der Ode. Ich arbeite nicht nur mit Bildgegensätzen, sondern auch mit Paarungen von Skala, Farbe, Berührung und so weiter. Ich möchte eines durch das andere sehen; der sogenannte 'Hintergrund' ist wirklich eine andere Figur."" - David Salle"