"Der Lotus Esprit Series 4 Twin Turbo V8 erfüllt fast alle Kriterien für einen investierbaren Klassiker. Mit einem massiven Motor mit 2 Garret-Turboladern, 350 PS, analogem Fahrverhalten und einem ikonischen Status dank seiner Hauptrolle in einem der denkwürdigsten Spiele der 90er Jahre. Es ist keine Überraschung, dass die Wertschätzung in den letzten 4 Jahren stark gestiegen ist, und mit nur etwas mehr als 1000 hergestellten Exemplaren werden sie zu einem sehr seltenen und sehr begehrten Stück Automobilgeschichte." - David Spickett, Experte bei TheCarCrowd

Warum der Lotus Esprit V8?
V8 Power
Als Nachfolger des äußerst beliebten Lotus Elan präsentiert, wurde der Esprit 1975 auf der Pariser Motor Show der Welt vorgestellt. Das Styling des Esprit Serie 4 war im Vergleich zum Original der Serie 1 ein riesiger Fortschritt, jedoch war das nichts im Vergleich zum Fortschritt unter der Motorhaube. Im Jahr 1996 erhielt der Serie 4 Lotus Esprit den Twin-Turbo-V8, einen Ersatz und ein ernsthaftes Upgrade gegenüber dem bisherigen 4-Zylinder-Antrieb.

Elegantes Design und Leistung
Der Esprit S4 V8 zeigte eine niedrige, breite und elegante Haltung und verkörperte damit das Ideal des Mittelmotor-Supersportwagens. Hochgradige Beschleunigung und auffälliges Styling sind nur ein Teil des beeindruckenden Lebenslaufs des Esprit V8. Ein atemberaubendes Handling und phänomenale Straßenlage gehören ebenfalls zum Paket, zusammen mit einem hohen Maß an Raffinesse und den ikonischen aufklappbaren Scheinwerfern, was den Esprit V8 bei Sammlern besonders beliebt gemacht hat.

Lotus-Motoreninnovation
Im Herzen des Esprit V8 befindet sich ein vollständig von Lotus entwickelter 3,5-Liter-Aluminium-V8-Motor. Dies war eine Neuentwicklung für Lotus und keine Wiederauflage der beliebten Rover-V8-Motoren, die von den meisten anderen Herstellern in den 90er Jahren verwendet wurden. Der Lotus-Motor verfügte über zwei obenliegende Nockenwellen und vier Ventile pro Zylinder, die 350 PS leisteten und mit einem 5-Gang-Schaltgetriebe den Esprit in ca. 4,4 Sekunden von 0 auf 100 km/h beschleunigten und eine Höchstgeschwindigkeit von 280 km/h erreichten.

Seltene Produktion und nostalgischer Status
Der Serie-4-Esprit profitierte auch von unglaublich niedrigen Produktionszahlen mit insgesamt etwa 1231 produzierten Exemplaren während seiner kurzen Lebensdauer, was dieses Modell zu einem äußerst seltenen macht. Der S4 Lotus Esprit V8 rühmt sich auch eines nostalgischen Status aufgrund seiner Herkunft im Spiel Lotus Esprit Turbo Challenge aus den mittleren 90er Jahren. Viele Enthusiasten werden dieses Spiel gespielt und sich an dieses Auto erinnern, was seine Begehrlichkeit und seinen Status als investierbare moderne Ikone unter Sammlern erhöht.

Supersportwagen-Legacy
Insgesamt wird der Lotus Esprit V8 oft als ein äußerst seltener Hochleistungs-Supersportwagen in Erinnerung behalten, der es schaffte, die Leistung eines Ferrari zu übertreffen, mit einem schlanken Design und dem fokussierten Fahrerlebnis, für das Lotus bekannt ist.

Warum dieser, S4 Esprit?
Begehrt von Sammlern
Der Lotus Esprit V8 verfügt über ein zeitloses und exotisches Design, das Enthusiasten seit seiner Einführung fasziniert hat. Seine schlanke und aerodynamische Form, gepaart mit den aufklappbaren Scheinwerfern und den markanten Linien, verleiht ihm eine einzigartige Präsenz auf der Strasse. Das Esprit-Modell hat eine reiche Tradition und wurde in mehreren James-Bond-Filmen gezeigt, wobei das S4-Modell speziell eines der erfolgreichsten Spiele der 90er Jahre anführte; das Lotus Turbo Challenge. Wie viele exotische Autos mit limitierter Produktion hat der Esprit V8 in den letzten Jahren einen starken Wertzuwachs verzeichnet, da Sammler sich vermehrt den analogen Supersportwagen der 90er Jahre zuwenden.

Der Lotus Esprit erfüllt viele Bedingungen der Investmentthese von TheCarCrowd mit seinen geringen Produktionszahlen, seinem ikonischen Status und seinem markanten Design sowie einer unglaublich starken jährlichen Wertschätzung seit 2020. Daher ist er eine sehr starke Option für zukünftige Wertsteigerungen.

Dieser spezifische Esprit hat ein geliebtes und gut dokumentiertes Leben hinter sich. Das Auto wird mit dem originalen Lotus Green-Serviceheft geliefert, das eine starke Historie und wenige Vorbesitzer dokumentiert.

Dieses Auto hat kürzlich eine mechanische Auffrischung und Wiederinbetriebnahme nach mehreren Jahren in der Lagerung erlebt, was Kosten von über £21.000 verursacht hat. Das Auto ist mechanisch einwandfrei, mit allen erforderlichen Arbeiten, die in den Schlüsselintervallen durchgeführt wurden, und befindet sich bis heute in seinem British Racing Green Originalanstrich, der sich in einem fantastischen Zustand befindet, wie es bei der detaillierten Geschichte und der geringen Laufleistung zu erwarten ist.

Echte Investitions-Kilometer
Dieses spezielle Exemplar hat in seinen 27 Lebensjahren weniger als 2.400 Kilometer pro Jahr zurückgelegt, mit einer umfassenden Historie, die vollständig in den Schlüsselintervallen dokumentiert ist.

Historische Wertsteigerung
Der Lotus Esprit S4 V8 hat von 2018 bis 2023 einen durchschnittlichen Preisanstieg von 45,51% verzeichnet (jährlich 9,1%), ist jedoch seit 2020 auf 102,04% (jährlich 34,01%) beschleunigt. Gemäß den Daten von The Classic Valuer.

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Warum in Banksy investieren?

Ikone Status
Banksy ist vielleicht die bekannteste Figur in der Strassenkunst von heute, bekannt für seine städtischen Interventionen, die respektlose Witz und eine scharfe politische Kante zeigen.

Anonymität und Mystik
Die Entscheidung des Künstlers, anonym zu bleiben, verstärkt seine Mystik und fügt seinem Werk ein Element der Intrige hinzu.

Internationale Anerkennung
Die Kunst von Banksy hat internationale Aufmerksamkeit erregt, mit Ausstellungen in grossen Städten wie Los Angeles, New York, London und Bethlehem.

Interesse am Sekundärmarkt
Seine Kunst hat auf dem Sekundärmarkt weit verbreitetes Interesse geweckt, wobei Stücke bei Auktionen oft beträchtliche Summen erzielen, manchmal sogar achtstellige Beträge.

Warum in Nola investieren?

Antwort auf den Hurrikan Katrina
Banksys Nola, oder Schirmmädchen, wurde zuerst im Marigny-Viertel von New Orleans, USA, als Reaktion auf die Verwüstung durch den Hurrikan Katrina gemalt. Das Werk war Teil einer Serie von 14 Wandgemälden, die sich auf die Naturkatastrophe bezogen, die 2005 in New Orleans verheerende Folgen hatte. Der Titel bezieht sich auf den liebevollen Spitznamen der Stadt: "Nola".

Limitierte Editionsdrucke
Der erste signierte Druck von Nola wurde später im Jahr 2008 in einer limitierten Auflage von 289 signierten Werken veröffentlicht. Das Bild zeigt ein junges Mädchen im strömenden Regen, das einen Regenschirm trägt; in einer charakteristischen Banksy-Wendung streckt das Mädchen eine vorsichtige, umschlossene Hand aus, nur um festzustellen, dass der Regenschirm tatsächlich die Quelle des Wolkenbruchs ist - im Gegensatz zu einem Schutz davor.

Varianten und Editionen
Heute einer der beliebtesten Banksy-Drucke, zeigte die erste Ausgabe von Nola weise Regentropfen, während spätere, grössere Ausgaben 63 Drucke mit grauem Regen umfassten. In dieser Ausgabe zeigten 32 Drucke neonorangenen Regen, während 31 andere die gleiche Niederschlagsmenge in neonfarbenem Gelb darstellten. 66 Künstlerbeweise, die ungefähr zur gleichen Zeit herausgegeben wurden, zeigen auch mehrfarbigen Regen. Alle diese Werke sind nummeriert und vom Künstler signiert.


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"Der Markt von Saito wächst rapide und wird exklusiv von der James Fuentes Gallery in New York und Los Angeles vertreten. Pläne zur Expansion in große Galerien in Europa sind bereits in Arbeit, wobei die Händlerpreise eng mit den von der Estate festgelegten Galeriepreisen übereinstimmen und oft höhere Summen erzielen. Gemälde in Standardgröße bewegen sich typischerweise im Bereich von 100.000 bis 175.000 US-Dollar und verzeichnen in den letzten drei Jahren einen signifikanten Anstieg von über 100 %. Bei aktuellen Auktionen zeigte sich ein stetiger Preisanstieg, mit einem bemerkenswerten Zuwachs von 296 % in den letzten fünf Jahren. Der Eintritt großer Akteure wie Sotheby's, Christie's und Phillips verspricht eine erhöhte Liquidität bei Auktionen und weiteres Preiwachstum." - Asher Edelman, Experte bei M&A Arts

Warum in Kikuo Saito investieren?

Vorstellung des Künstlers
Kikuo Saito (1939-2016) war ein Farbfeldmaler, Bühnenbildner und Theaterregisseur, geboren 1939 in Tokyo. 1966, im Alter von 27 Jahren, zog Saito nach New York, ein Schritt, der den Beginn seiner transformatorischen künstlerischen Reise markierte.

Die Reise eines Malers
Kikuo Saito, der Maler, wurde als vielseitiger Künstler gefeiert. Viel wurde über seine Theaterarbeit mit Robert Wilson, Peter Brook, Ellen Stuart, Jerome Robbins und anderen gesagt, aber Saito war in der Tat der ewige Maler. Wir verweisen auf seine Arbeit als Assistent von Helen Frankenthaler, Kenneth Noland und Larry Poons, seine Lehrtätigkeit und die Stärke seines Engagements, aber Kikuo Saito war immer ein Maler.

Die Entwicklung des Farbfeldes
Saito, der Farbfeldmaler, der anfangs in den Fußstapfen von Frankenthaler schritt, stieg schnell auf und schuf seine eigene Kunst, tatsächlich jenseits von Frankenthalers Farbströmen. Wie Basquiat, der die abstrakte Expressionismusmalerei vorantrieb, um figurative und konzeptionelle Inhalte einzuschließen, erhob Saito das Farbfeld auf eine neue Ebene, strukturiert mit Inhalten und Stimmungen, durchsetzt mit Objekten, Wolken und römischen Buchstaben.

Anerkennung und Lob
"Erinnerungen oder Echos von Bewegungen werden zu autonomen Streifen auf der Leinwand, die sich in Kritzeleien und Fetzen zersetzen... sinnliche Gewirre und Wischmuster, die fast völlig von Referenzen gelöst sind", schreibt Wilkin. In den letzten Jahren hat Saitos originelle Interpretation des Farbfeldes und die Schönheit seiner Werke zunehmend Anerkennung bei Sammlern, Kritikern, Händlern und Institutionen gefunden.

Begrenztes Angebot und wachsendes Interesse
Nach Saitos Tod im Jahr 2016 gab es keine neuen Kunstwerke mehr, was zu einem begrenzten Angebot seiner Werke führte. Trotz dieser Einschränkung wächst das Interesse an Saitos Kunst weiter, insbesondere mit dem jüngsten Eintritt großer Auktionshäuser wie Sotheby's, Christie's und Phillips in den Markt. Dieser Zustrom von Interesse verspricht, die Auktionsliquidität zu verbessern und weiterhin die Preise für Saitos Werke zu steigern.

Museum Kollektionen
The Museum of Modern Art, New York, New York Whitney Museum of Art, New York, New York
The Aldrich Contemporary Art Museum, Ridgefield, Connecticut Nasher Museum of Art, Duke University, Durham, North Carolina
Museum of Art, Fort Lauderdale, Fort Lauderdale, Florida Queens University, Ontario, Canada
Ringling Museum of Art, Sarasota, Florida
Peter Stuyvesant Foundation, Amsterdam, Netherlands Ulster Museum, Belfast, Northern Ireland

Solo Ausstellungen
2024 James Fuentes Gallery, New York, NY: Kikuo Saito: Color Codes,(Ongoing)
2024 KinoSaito, Verplanck, NY: Kikuo Saito: Unraveling, (Ongoing)
2023 KinoSaito, Verplanck, NY: Kikuo Saito: Pictorial Clay
2022 KinoSaito, Verplanck, NY: Kikuo Saito: Hatching Color
2022 Galerie Rüdiger Schöttle, Munich: Kikuo Saito
2022 KinoSaito, Verplanck, NY: Kikuo Saito: The Alphabet Paintings
2022 Altman Siegel Gallery, San Francisco, CA: Ouray
2021 Art Dealers Association of America, James Fuentes Gallery, New York, NY: Kikuo Saito
2021 KinoSaito, Verplanck, NY: Painting as Performance / Performance as Painting
2021 KinoSaito, Verplanck, NY: Kikuo Saito: Cloud Paintings
2021 James Fuentes Gallery, New York, NY: Kikuo Saito
2019 Loretta Howard, New York, NY: Kikuo Saito: To Paint with Drawing
2019 Lori Bookstein Projects, New York, NY: Lyrical Abstraction: Small Scale
2018 Lori Bookstein Projects, New York, NY: Saito: Works on Paper
2018 Loretta Howard, New York, NY: Kikuo Saito: Resonant Tension
2018 Octavia Art Gallery, Houston, TX: 40 Years
2018 Jonathan Novak Contemporary Art, Los Angeles, CA: Never Before Seen Paintings from the Estate.


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"JETZT IST EIN GROSSARTIGER ZEITPUNKT, UM IN MACALLAN WHISKY ZU INVESTIEREN. In Zeiten von Krisen, geprägt von einer Pandemie, Krieg und Rezession, herrscht große Unsicherheit, insbesondere für Investoren. Whisky hingegen erweist sich als zuverlässige Investitionsoption. Im Gegensatz zu anderen Vermögenswerten, die von Marktschwankungen betroffen sind, neigt Whisky dazu, im Laufe der Zeit an Wert zu gewinnen, was ihn zu einer stabilen Wahl inmitten von Turbulenzen macht. Marken wie Macallan bieten vielversprechende Anlagemöglichkeiten und profitieren sowohl von ihrem guten Ruf als auch vom aktuellen Marktrückgang der Spirituosenpreise. Durch kluge Investitionen jetzt, insbesondere in renommierte Marken wie Macallan, können Investoren bedeutende Renditen erwarten, sobald die Stabilität auf dem Markt wiederhergestellt ist." - Jay Sadarangani, Experte bei Vintage Acquisitions

Warum in The Macallan The Marriage 31 Year Old investieren?

Venture in die Investition
Bei Vintage Bottlers entstand eine faszinierende Möglichkeit, als zwei Fässer gereiften Macallan-Whiskys empfangen wurden. Dieser unerwartete Glücksfall regte zur Überlegung der potenziellen Investitionsmöglichkeit an, die in diesen Fässern verborgen liegt. Es markiert eine von nur drei Gelegenheiten, bei denen Macallan die Vereinigung von zwei einzelnen Fässern erlaubt hat. Die ersten Male geschahen bei den Hochzeiten von Charles und Diana sowie von William und Kate. Dies ist erst das dritte Ereignis in der Geschichte, bei dem zwei einzelne Fässer vereint und als Teil einer Flaschensammlung veröffentlicht wurden. Nur 271 Flaschen resultierten aus dieser Vereinigung.

Bewertung der Kompatibilität
Die Fässer mit den Bezeichnungen Cask 2598 und Cask 5447 versprachen mehr als ihre unscheinbaren Namen. Trotz des Mangels an romantischer Anziehungskraft deutete ihre gemeinsame Geschichte als Nachbarn in verschiedenen Destillerien über mehr als fünfundzwanzig Jahre auf Kompatibilität hin. Mit Reife versehen, besaßen beide Fässer distinctive Eigenschaften, die darauf hindeuteten, dass eine harmonische Mischung möglich wäre.

Enthüllung von Unterschiedlichen Aromen
Cask 5447, das jüngere und hellere der beiden, verströmte fruchtige Aromen mit Anklängen von Vanille und Kiwi. Doch sein Geschmack entlarvte seine sanfte Fassade, indem er eine kräftige Explosion von Toffee, Kaffee und bourbon-getränkter Fülle bot. Cask 2598 hingegen präsentierte die Wärme gerösteter Getreide und eine subtile Süße aus seiner Reifung in Bourbon- und Sherry-Fässern, ergänzt durch einen Hauch von Rauch.

Einleitung des Mischprozesses
Trotz Vintage Bottlers' Mangel an Vermittlungserfahrung wurde unter Anleitung des Master-Blenders beschlossen, Cask 5447 und Cask 2598 zu vermischen. Mit sorgfältiger Überlegung und Erwartung wurden die beiden unterschiedlichen Whiskys Tropfen für Tropfen vereint.

Erfolg erzielen
Die Angst wandelte sich in Freude, als der resultierende vermischte Macallan-Whisky die Erwartungen übertraf. Mit einem Alkoholgehalt von 45,5% ABV verkörpert er die feinsten Eigenschaften des Speyside-Whiskys - reich an Getreide, Frucht und einem Hauch von Rauch. Vintage Bottlers präsentiert stolz seinen Vatted Macallan als Zeugnis für den erfolgreichen Investment und einer köstlichen Verschmelzung von Aromen.

Fazit der Investition
Zusammenfassend ruht das Vertrauen in den Erfolg des Investmentrisikos von Vintage Bottlers, das einen Whisky-Blend hervorbringt, der den Gaumen erfreut und anspruchsvolle Whisky-Enthusiasten zufriedenstellt. Vintage Bottlers' Vatted Macallan steht als Zeugnis für den Erfolg des Vorstoßes in die Welt des Whisky-Blendings, und zeigt die Kunst, Tradition, Fachwissen und eine Prise Glück zu vereinen.

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"Erstklassiger Champagner, wie er in dieser Kollektion präsentiert wird, ist aus einem einfachen Grund äusserst begehrt: Es gibt keinen Ersatz in den Köpfen der Verbraucher. Angesichts der aktuellen Marktbedingungen, die in jüngster Erinnerung 'investorenfreundlich' sind, gab es nie einen besseren Zeitpunkt, Champagner in ein Anlageportfolio zu integrieren." - Callum Woodcock, Experte bei WineFi

Warum in das Champagne Star-Portfolio investieren?

Über Champagne
Als Kernregion für hochwertige Weine sticht die Champagne aus einem einfachen Grund heraus - es gibt einfach keinen Ersatz.
Ikonische Champagnermarken, wie die in dieser Sammlung vorgestellten, haben eine zeitlose Anziehungskraft sowohl in Bezug auf Markenbekanntheit als auch aus dem einfachen Grund, dass man nicht von erstklassigem Champagner auf eine Alternative wie Prosecco oder Cava umsteigt.
Im Jahr 2023 fielen die Champagnermärkte um fast 15%. Als Folge davon bietet diese Region aussergewöhnlichen Wert für Investoren, die in die Weinmärkte einsteigen möchten.
Die Weine in dieser Sammlung sind bei Sammlern äusserst begehrt und bieten einen aussergewöhnlichen Wert in einem schwachen Markt.

Dom Perignon
Dom Perignon ist ein ikonischer Champagner, benannt nach dem gleichnamigen Benediktinermönch, der eine so entscheidende Rolle bei der Verfeinerung dessen spielte, was der ikonische Schaumwein werden würde, den wir heute kennen.
Das Flaggschiff-Angebot der Marke verbringt mindestens sieben Jahre im Keller und produziert Weine von aussergewöhnlicher Qualität.
Wir freuen uns, Weine dieses ikonischen Produzenten in "Magnum"-Formaten anzubieten, die aufgrund ihrer "Massenappeal"-Eigenschaften oft einen Aufschlag beim Verkauf erzielen.

Krug Jahrgang
Krug lagert seine Vintage-Champagnerangebote durchschnittlich 10 Jahre in den Krug-Kellern, über die gesetzliche Anforderung von 3 Jahren hinaus.
Es werden nur 42.000 Kisten für ihren Vintage-Champagner produziert, was bedeutet, dass die Verfügbarkeit auf dem Sekundärmarkt äusserst gering ist.
Krug Vintage-Weine werden aus einer Vielzahl von Weinen eines einzigen Jahres hergestellt und gelten als "Ausdruck dieses Jahres".

Cristal
Cristal ist seit Jahrhunderten ein Statussymbol und wurde erstmals in den 1850er Jahren für die Zaren von Russland produziert.
Wie Salon wird Cristal nur aus Trauben hergestellt, die in den besten Jahren des Weinbergs geerntet wurden. Seit den 1990er Jahren ist Cristal mit der populären Musikszene verbunden - eine Assoziation mit Status und Luxus, die bis heute anhält.

Pol Roger - Sir Winston Churchill
Pol Roger ist vielleicht am besten als Lieblingschampagner von Winston Churchill bekannt. Der grosse Mann gab 1908 seine erste Bestellung beim Champagnerhaus auf und bestellte ein Dutzend Flaschen des berühmten Jahrgangs 1895.
Nach dem Waffenstillstand und der Befreiung von Paris im November 1944 traf Churchill Odette Pol Roger (die Frau des Eigentümers des Champagnerhauses, Jacques Pol Roger), die Churchill jedes Jahr zum Geburtstag eine Kiste Champagner schickte.
Churchill starb 1965 und hinterliess ein trauerndes Land, eine nach ihm benannte Strasse in Epernay und viele noch nicht geöffnete Flaschen in seinen Kellern. Nach der Teilnahme an der Beerdigung in der St. Paul's Cathedral erklärte Odette, dass das ikonische weisse Etikett von Pol Roger als Hommage mit Schwarz umrandet werden sollte, eine Tradition, die Jahrzehnte lang fortgesetzt wurde.
Das ikonische Champagnerhaus bleibt in Familienbesitz, und das Cuvée Sir Winston Churchill wurde 1984 als Hommage an den grossen Mann eingeführt.
Es bleibt ein Champagner von exquisiter Finesse und Ausgewogenheit.

Taittinger
Das Taittinger-Weingut umfasst 288 Hektar, die sich auf 37 verschiedene Weinberge verteilen, die zu den besten der Champagner-Herkunftsbezeichnung ("AOC") gehören. Es wird immer noch von der Familie Taittinger geführt.
Dieser Jahrgangs-Champagner kam erst 2022 auf den Markt, nachdem er 10 Jahre in den Kalksteingalerien von Saint-Nicaise gereift war, einer ehemaligen Abtei in Reims.
"Blanc de Blancs" bedeutet "Weiss aus Weissen" und bezieht sich auf einen Champagner, der ausschließlich aus weißen Trauben hergestellt wird - fast immer Chardonnay (im Gegensatz zu "Blanc de Noirs", der schwarze Trauben wie Pinot Noir enthält). "Brut" bezieht sich einfach auf trockenen Champagner mit weniger als 12 Gramm Zucker.

Salon
Salon ist ein einziger Champagner mit einem charakteristischen grünen Etikett und serpentinem Kapital, der seit mehr als einem Jahrhundert aus den gleichen Weinbergen und unter fast dem gleichen Verfahren produziert wird.
Salon ist berüchtigt dafür, der Champagner zu sein, der, sobald man ihn probiert hat, dafür sorgt, dass kein Champagner mehr ganz gleich erscheint.
Bemerkenswert ist, dass dieses Champagnerhaus nicht mehr als 60.000 Flaschen pro Jahr produzierte. Selbst dann wird es nur in Jahrgängen hergestellt, die als aussergewöhnlich angesehen werden, und diese Seltenheit - zusammen mit den geringen Produktionsmengen - sichert sowohl eine Kultanhängerschaft als auch eine starke historische Preisentwicklung.


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"Unbehandelte rosa Saphire sind eine seltene Entdeckung auf dem Edelsteinmarkt und machen sie zu einer außergewöhnlichen Wahl für Investoren, die nach einzigartigen und wertvollen Vermögenswerten suchen. Die Seltenheit, ein passendes Paar zu finden, erhöht ihren Wert erheblich und positioniert sie als erstklassige Investition für diejenigen, die ihr Portfolio mit wirklich seltenen und exquisiten Stücken diversifizieren möchten." - Peter Janowski, Experte bei Ceylons München

Warum in Saphire investieren?

Greifbares Gut
Saphire sind ein greifbares Gut, das Sie in Ihrem Besitz halten können. Im Gegensatz zu Aktien oder Anleihen können Sie sie physisch aufbewahren und geniessen.

Schutz vor Inflation
Ähnlich wie andere greifbare Vermögenswerte wie Immobilien und Gold können Saphire als Schutz vor Inflation dienen. Ihr Wert kann im Laufe der Zeit steigen und mit oder über Inflationsraten Schritt halten.

Portabilität
Saphire sind äusserst portabel und können leicht transportiert werden, was sie zu einem potenziell wertvollen Vermögenswert für internationale Diversifikation macht.

Geringe Korrelation
Qualitativ hochwertige Edelsteine weisen eine geringe Korrelation mit traditionellen Finanzmärkten auf, was bedeutet, dass ihr Wert nicht immer im Einklang mit Aktien, Anleihen oder anderen Investitionen steht. Dies kann vorteilhaft für Diversifikationszwecke sein.

Tiefe Volatilität
Der Gemval Aggregate Index (GAV) hat seit 2006 eine jährliche Volatilität von knapp 4%.

Inneren Wert
Edelsteine haben einen inneren Wert aufgrund ihrer Seltenheit und der für ihre Gewinnung und Verarbeitung erforderlichen Ressourcen. Dieser Wert kann den Investoren ein gewisses Mass an Sicherheit bieten.

Warum dieser Edelstein?

Fokus auf Liquidität in Bezug auf Grösse und Qualität
Saphire mit einer Grösse von 4 bis 6 Karat , welche unbehandelt sind gelten als hochwertige Diamanten, die in der Schmuckindustrie sehr wertvoll und daher liquide sind. Diese Edelsteine werden oft in hochwertigen Schmuckstücken verwendet, da sie als selten und wertvoll gelten.

Hohe Farbintensität und höchste Klarheit
Der Edelstein weist mit "vivid pink" (lebhaftes rosa) eine der höchsten Farbintensitäten auf. Der Stein ist "eye clear" (klar für das Auge) was der höchste Güte entspricht.

Tiefer Einstandspreis
Durch die Annahme einer direkten Lieferkette eliminiert unser Experte die Zwischenhändler, was sich postiv auf die Rendite auswirken sollte.


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"Entdeck die faszinierende Welt vergangener Zeiten mit unseren coolen LEGO Mittelalter Bundles. Check mal die "Burg der Löwenritter (10305)" von 2022 - die hat 4.514 Teile und 22 Minifiguren für stundenlangen Bauspass. Die "Mittelalterliche Schmiede (21325)" aus der LEGO Ideas Serie ist auch mega beliebt, aber sie wird seit Ende 2023 nicht mehr gemacht. Die Sets "Ritterturnier (10223)" und "Grosse Königsburg (7946)" von LEGO Kingdoms sind echte Klassiker, die seit über zehn Jahren nicht mehr erhältlich sind. Und vergiss nicht die coolen Sets "Überfall auf das Mühlen-Dorf (7189)" und "Grosse Königsburg (70404)" aus der LEGO Castle Serie von 2011 bzw. 2013. Alle Sets sind im Sammlerzustand «MISB», was total wichtig ist für eine gute Wertsteigerung." - André Schulze, GOLDSTEIN.SHOP


Warum LEGO Mittelalter Sets?

LEGO hat im Laufe der Jahre zahlreiche mittelalterliche und Burg-Themen-Sets produziert, die bei Kindern und erwachsenen Sammlern gleichermassen beliebt sind. Diese Sets beinhalten typischerweise verschiedene Elemente wie Ritter, Soldaten, Burgen, Dörfer, Belagerungswaffen und mythologische Kreaturen. Hier sind einige wichtige Punkte zu LEGO Mittelalter-/Burg-Sets:

Historische Genauigkeit
Während LEGO Burg-Sets oft Inspiration aus dem Mittelalter ziehen, beinhalten sie oft eine Mischung aus historischer Genauigkeit und Fantasy-Elementen. Dies ermöglicht kreatives Spielen und Geschichtenerzählen und bietet dennoch eine gewisse historische Kontextualisierung.

Themen
LEGO Burg-Sets wurden im Laufe der Jahre unter verschiedenen Themen veröffentlicht, darunter klassische Burg, Kreuzfahrer, Schwarze Falken, Löwenritter, Drachenritter und mehr. Jedes Thema beinhaltet typischerweise einzigartige Minifiguren, Strukturen und Handlungsstränge.

Minifiguren
Minifiguren sind ein integraler Bestandteil von LEGO Burg-Sets und beinhalten oft Ritter, Könige, Königinnen, Soldaten, Bogenschützen, Zauberer, Drachen, Trolle und andere fantastische Charaktere. Diese Minifiguren vertiefen das Geschichtenerzählen und können durch den Austausch von Zubehör und Rüstungsteilen angepasst werden.

Strukturen
Burg-Sets beinhalten typischerweise eine Vielzahl von Strukturen wie Burgen, Türme, Festungen, Tore, Mauern und Dörfer. Diese Strukturen sind modular und können neu konfiguriert werden, um verschiedene Layouts zu erstellen, was endlose kreative Möglichkeiten bietet.

Zubehör
Neben Strukturen und Minifiguren werden LEGO Burg-Sets mit verschiedenen Zubehörteilen wie Waffen (Schwerter, Speere, Bögen usw.), Rüstungen, Schatztruhen, Flaggen, Pferden und anderen Requisiten geliefert, um das Spielerlebnis zu verbessern.

Spielbarkeit
LEGO Burg-Sets sind sowohl für die Ausstellung als auch für das Spielen konzipiert. Sie beinhalten oft interaktive Elemente wie Öffnungstore, funktionierende Zugbrücken, Katapulte, Geheimgänge und Falltüren, was immersive Spiel-Szenarien und Geschichtenerzählen ermöglicht.

Sammlerwert
Viele LEGO Burg-Sets sind bei Sammlern sehr begehrt, insbesondere solche aus eingestellten Themen oder limitierten Auflagen. Sammler suchen oft nach diesen Sets aufgrund ihres nostalgischen Werts, einzigartiger Minifiguren und seltener Teile.

Unsere Mittelalter-Veröffentlichung enthält die folgenden Sets:
LEGO® Icons - Burg der Löwenritter (10305)
LEGO® Ideas - Mittelalterliche Schmiede (21325)
LEGO® Kingdoms - Grosse Königsburg (7946)
LEGO® Kingdoms - Ritterturnier (10223)
LEGO® Castle - Überfall auf das Mühlen-Dorf (7189)
LEGO® Castle - Grosse Königsburg (70404)

Gründe für die Auswahl dieser Sets:
Burg der Löwenritter
Das LEGO Set 10305 Burg der Löwenritter, das 2022 veröffentlicht wurde, ist ein exklusives Icons-Set mit 4.514 Teilen und 22 Minifiguren. Auf der LEGO CON vorgestellt und zum Gedenken an den 90. Jahrestag der LEGO-Gruppe produziert, dient diese Burg als bewegende Hommage an eine nostalgische Ära.

Mittelalterliche Schmiede
Das LEGO Set 21325 Mittelalterliche Schmiede, das 2021 herausgebracht wurde, bestand aus 2.164 Teilen und enthielt vier Minifiguren. Dazu gehörten ein Schmied, ein Bogenschütze und zwei Schwarze-Falken-Ritter. Das Set umfasste ein dreistöckiges Gebäude mit abnehmbarem Dach sowie zusätzliche Elemente wie einen Apfelbaum und einen Brunnen. Nach einer Verfügbarkeit von 34 Monaten wurde es im Dezember 2023 eingestellt.

Grosse Königsburg
Das LEGO Set 7946 Grosse Königsburg, das 2010 herausgebracht wurde, bestand aus 933 Teilen und enthielt 8 Minifiguren. Unter diesen Minifiguren befanden sich der Löwenkönig, zwei Glaive-Löwenritter, zwei Armbrust-Löwenritter, ein Speer-Drachenritter, ein Armbrust-Drachenritter und ein Elite-Drachenritter.

Ritterturnier
Das LEGO Set 10223 Ritterturnier, das 2012 herausgebracht wurde, bestand aus 1.575 Teilen und enthielt 9 Minifiguren. Diese Minifiguren umfassten einen König, eine Königin, eine Prinzessin, einen Löwenritter, einen Falkenritter, einen Knappe, einen Adligen und zwei Soldatenfiguren. Nach einer Verfügbarkeit von 36 Monaten wurde es im Dezember 2014 eingestellt.

Überfall auf das Mühlen-Dorf
Das LEGO Set 7189 Überfall auf das Mühlen-Dorf, das 2011 eingeführt wurde, bestand aus 663 Teilen und enthielt 6 Minifiguren. Diese Minifiguren bestanden aus einem Speer-Drachenritter, einem Armbrust-Drachenritter, einem Drachensoldaten, einer Milchmagd, einem Bauern und einem Stallburschen.

Grosse Königsburg
Das LEGO Set 70404 Grosse Königsburg, das 2013 herausgebracht wurde, bestand aus 996 Teilen und enthielt 7 Minifiguren. Diese Minifiguren umfassten den König, den Weißen Ritter, 2 Königssoldaten und 3 Drachensoldaten. Nach einer Verfügbarkeit von 19 Monaten wurde es im Dezember 2014 eingestellt.


Frühzeitiger Verkauf deiner Splints: Wir bieten dir die Möglichkeit, deine Splints jederzeit zum Marktwert zurückzukaufen. Jedoch ist zu beachten, dass eine zusätzliche Bearbeitungsgebühr anfällt. Die Bearbeitungsgebühr ist abhängig vom Volumen, der Anlage und deiner Haltedauer. Benutze das Kontaktformular, um den Prozess zu starten.

"Raghav Babbar's einzigartiger Stil, technisches Können, steigende Marktnachfrage, Investitionspotenzial und wachsende Anerkennung machen ihn zu einem überzeugenden Künstler für Investitionen. Mit einer Erfolgsbilanz und einer vielversprechenden Zukunft bietet Babbar's Kunst sowohl ästhetischen Genuss als auch finanzielle Chancen für Sammler und Investoren gleichermassen.." - James Kerbey, Experte bei Maddox Advisory


Die künstlerische Verdienst von Raghav Babbar: Eine ansprechende Investitionsmöglichkeit

Künstlerische Exzellenz und persönlicher Ausdruck
Die Kunst von Raghav Babbar erweist sich als verlockende Investitionsmöglichkeit aufgrund ihrer einzigartigen Fusion von zutiefst persönlichen figurativen Gemälden, die von Einflüssen seiner indischen Herkunft und den malerischen Traditionen der britischen Kunst des mittleren 20. Jahrhunderts geprägt sind. Sein grosszügiger Einsatz von Ölfarbe verleiht eine üppige Textur und unterstreicht seinen akribischen Ansatz beim Schichten. Während seine Technik und Interaktionen mit seinen Motiven Parallelen zu britischen Künstlern vergangener Tage hervorrufen, bleibt noch viel zu erkunden.

Subtile Gespräche mit den Motiven
Jenseits des Investitionspotenzials von Ragahavs Kunst zeichnen sich seine Interaktionen mit den Motiven durch ihre sanfte Haltung und Eleganz aus, die sein eigenes bescheidenes und nachdenkliches Naturell widerspiegeln. Oft entnommen aus seinem Freundes- und Bekanntenkreis sowie gewöhnlichen Menschen, die sich durch das Geflecht der indischen Gesellschaft bewegen, werden seine Motive mit bemerkenswerter Empathie und Finesse erhöht und gewürdigt, indem er die rohesten Emotionen in ihren alltäglichen Momenten einfängt.

Meisterschaft im Spiel von Licht und Schatten
Ragahavs Vorliebe dafür, Motive im natürlichen Licht darzustellen, wird von der indischen Lebensweise beeinflusst, die dem drückenden Innenraumklima und dem harten Sonnenlicht im Freien ausweicht. Das weiche Sonnenlicht, unter dem seine Motive oft Zuflucht suchen, wirft markante Schatten, die seinen Kompositionen Tiefe und Dramatik verleihen und ihre emotionale Resonanz weiter verstärken.

Künstlerische Entwicklung und vielfältige Methoden
Als aufstrebender Künstler befindet sich Ragahavs Stil in einem ständigen Zustand der Verfeinerung. Er legt beharrlich Schichten von Ölfarbe über längere Zeiträume, manchmal bis zu 15 Tagen, bevor er die nächste Schicht aufträgt. Doch bestimmte Motive erfordern einen direkteren und rhythmischeren Ansatz, was ihn dazu veranlasst, gemahlenen Kreide mit Ölfarben zu mischen, um den Prozess zu beschleunigen. Sein Repertoire umfasst nun Mehrfigurenkompositionen, in denen sich Formen nahtlos ineinanderfügen, und Einzelfigurendarstellungen, die sich zu subtil abstrahierten Motiven entwickeln und seinem Werk Vielfalt und Tiefe verleihen.

Bemerkenswerte Auktionserfolge
Ein überzeugendes Argument, Raghav Babbar's Kunst als Investition in Betracht zu ziehen, liegt in seiner konsistenten Erfolgsbilanz bei Auktionen, die oft die anfänglichen Schätzungen bei weitem übertreffen. Im Durchschnitt erzielen seine Kunstwerke Preise, die 15 Mal höher sind als ihre anfänglichen Schätzungen, was eine potenziell lukrative Investitionsmöglichkeit darstellt. Zum Beispiel wurde das Kunstwerk "Der Kohlenhändler", das ursprünglich auf 22.543 EUR geschätzt wurde, bei einer Auktion von Sotheby's für beeindruckende 541.033 EUR verkauft.
Raghav Babbars künstlerischer Weg, von seinen Wurzeln in Rohtak bis hin zu seinen Ausbildungswegen in Singapur und London, unterstreicht seine unermüdliche Hingabe und angeborenes Talent. Mit einem sich ständig weiterentwickelnden Stil und einem unverwechselbaren Geschick, die Essenz seiner Motive einzufangen, bietet seine Arbeit eine verlockende Investitionsmöglichkeit im Bereich der zeitgenössischen Kunst.


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"Frühzeitiger Investorenvorteil: David Yarrows Verkaufsstrategie basiert auf einer gestaffelten Preisgestaltung. Bei limitierten Auflagen bedeutet gestaffelte Preisgestaltung, dass der Preis eines Bildes steigt, je näher die Auflage dem Ausverkauf kommt. Dies ist ein entscheidendes Element beim Investieren in David Yarrow, da Investoren höhere Renditen erzielen, je früher sie ein Kunstwerk erwerben." - James Kerbey, Experte bei Maddox Advisory


Warum in die feine Kunstfotografie von David Yarrow investieren?

Frühe Erfolge und Unvergessliche Momente
David Yarrow, aus Glasgow, Schottland stammend, geboren 1966, begann seine fotografische Reise in jungen Jahren. Mit 20 Jahren hielt er als Fotograf für The London Times während des Finales der Fussball-Weltmeisterschaft in Mexiko-Stadt bedeutende Momente fest. Sein ikonisches Bild von Diego Maradona, der den Weltcup hielt, brachte ihn ins Rampenlicht und eröffnete ihm Möglichkeiten, andere bedeutende Sportereignisse wie die Olympischen Spiele zu dokumentieren.

Übergang zur Fine Art Fotografie
Im Laufe der Zeit wechselte Yarrow zur Fine Art Fotografie und konzentrierte sich darauf, die natürliche Welt aus einzigartigen Perspektiven festzuhalten. Dieser Wandel hat seine künstlerische Laufbahn geprägt und ihm Anerkennung in führenden Galerien und Museen in Europa und Nordamerika als einen der meistverkauften Fine Art Fotografen eingebracht.

Besonderes Künstlerisches Talent und Globale Anerkennung
Yarrows Arbeit, gekennzeichnet durch ihre eindringliche und immersive Natur, insbesondere in der Darstellung des Lebens auf der Erde, hat ihm weltweite Anerkennung eingebracht. Er hat auch beratende und Botschafterrollen in der Branche übernommen und sich für den Naturschutz und philanthropische Zwecke eingesetzt.

Einfluss in der Branche und Engagement für Philanthropie
In Anerkennung seiner einflussreichen Position in der Branche hat David Yarrow verschiedene beratende und Botschafterrollen übernommen, um Naturschutzorganisationen wie WildArk und die Kevin Richardson Foundation zu vertreten, und gleichzeitig als europäischer Botschafter für Nikon tätig zu sein. Er beteiligt sich aktiv an bedeutenden Branchenveranstaltungen und unterstützt Kampagnen für Organisationen wie die Berenberg Bank, Best Buddies und die African Community and Conservation Foundation, was sein Engagement für Philanthropie zeigt.

Erweiterung Künstlerischer Grenzen und Kollaborative Kreativität
Die Anerkennung von David Yarrow als einer der meistverkauften Fotografen weltweit beruht auf seiner Fähigkeit, die natürliche und menschliche Welt mit einem einzigartigen und fantasievollen Ansatz einzufangen. Sein Erfolg wird weiter durch die Integration von Kunst und Philanthropie beflügelt und führt zu Zusammenarbeiten mit bedeutenden Persönlichkeiten aus Sport, Mode und Unterhaltung.

Philanthropischer Einfluss und Wirtschaftlicher Erfolg
Über seine künstlerischen Leistungen hinaus haben die philanthropischen Bemühungen von David Yarrow eine tiefgreifende Wirkung gehabt. Durch den Verkauf seiner Bilder hat er seit 2019 über 10 Millionen US-Dollar an Spenden gesammelt. Sein Fotografie "The Wolves of Wall Street" erzielte bemerkenswerte Ergebnisse bei der Art Miami im Dezember 2019, wobei die Erlöse Naturschutzorganisationen unterstützten. Er hat auch zu Ursachen wie den Wiederaufbauanstrengungen in Australien nach Buschbränden und der Kampagne "Art for Heroes" während der Covid-19-Pandemie aktiv beigetragen.

Innovative Integration von Kunst und Philanthropie
Die innovative Herangehensweise von David Yarrow an die Verbindung von Kunst und Philanthropie spricht nicht nur Kunstsammler an, sondern unterstützt auch wichtige Zwecke. Seine einzigartige künstlerische Reise hat seinen Fanstamm unter Kunstenhusiasten erweitert und ihm Vertretung von führenden zeitgenössischen Galerien weltweit eingebracht. Die Veröffentlichung seines dritten Buches "Storytelling" von Rizzoli im Herbst 2022 markiert eine fortlaufende Entwicklung seiner künstlerischen Reise und der narrativen Ausdruck durch seine Fotografie.

Über The Siberian
In einer abgelegenen Ecke des nördlichen Chinas, wo sich der Schnee in Bergen sammelt, stellte sich David Yarrow eine Herausforderung: den majestätischen Sibirischen Tiger in seinem natürlichen Lebensraum zu fotografieren, aber das war keine leichte Aufgabe.
Sibirische Tiger sind die optisch auffälligste Art und gleichzeitig die gefährlichste. Sie können einen Menschen in acht Sekunden töten und tun dies aus Spass; das Gleichgewicht zwischen Sicherheit und Nähe stand im Mittelpunkt dieses Projekts.
Das Foto zeigt den Sibirischen Tiger in all seiner Pracht. Seine Streifen erscheinen wie Tintenstriche im Schnee, und seine intelligente Tarnung verbirgt ihn zwischen den Bäumen. Majestät und Gefahr verschmelzen in diesem Bild.

Passende Bedingungen
Zwei Schlüsselentscheidungen trugen zum Erfolg dieses Fotos bei: viel Zeit im Norden zu verbringen, um auf das richtige Licht und den Schnee zu warten. Er wollte die hellen, trockenen Himmel vermeiden, die typisch für sibirische Winter sind.
Zusammenarbeit mit chinesischen Behörden: Die enge Zusammenarbeit mit chinesischen Behörden war entscheidend. Der Zugang wurde durch Respekt und Investitionen in Beziehungen erreicht. David hat nicht nur das Bild des Tigers eingefangen, sondern auch die Essenz der Region.

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"Die Winterlandschaften von Albert Willem gehören zu den beliebtesten bei Käufern und werden im Durchschnitt 10 bis 15 Mal über den niedrigen Schätzungen verkauft. Von den fünf höchsten Verkaufspreisen von Willem sind 4 Winterlandschaften." - James Kerbey, Experte bei Maddox Advisory


Warum Albert Willem?

Belgien (1979)
Albert Willem ist ein zeitgenössischer figurativer Künstler aus Brüssel, bekannt für seine naiven Gemälde voller Witz und Humor. Obwohl er keine formale Kunstausbildung hatte, besuchte er oft Galerien und Museen und durchforstete ständig Kunst in sozialen Medien. Obwohl er als Kind gerne zeichnete, griff er von seinem 12. bis zum 36. Lebensjahr nicht mehr zum Stift. Universität und Familienleben lenkten seine Aufmerksamkeit von der Kunst ab, aber vor etwa vier Jahren beschloss Willem, ein Gemälde für sein eigenes Zuhause zu schaffen. Dabei fand er Freude am Prozess und hat seitdem unermüdlich gemalt, indem er seine gesamte Freizeit seiner Kunst widmete. Er beschreibt seine Rückkehr zur Kunst als "Midlife-Crisis".

Stil
Im Laufe der Zeit hat er mit verschiedenen Medien und Stilen experimentiert, von Nagellack über Sprühfarbe bis hin zur Textilkunst. Gegenwärtig verwendet Willem hauptsächlich Acrylfarbe in Kombination mit einem Hochglanzlack, da er feststellt, dass dies die kräftigsten Farben hervorbringt. Während die meisten seiner Werke auf Leinwand sind, verwendet der Künstler auch Karton von Online-Einkäufen als Leinwand. Sein künstlerischer Prozess ist schnell, und er beendet seine Arbeiten in höchstens 48 Stunden.

Über seine Gemälde
Seine Gemälde sind einfach, schlicht, manchmal unfertig. Einerseits verkünden sie kühn, dass die technischen Fähigkeiten des Künstlers auf einem elementaren Niveau verweilen. Andererseits gelingt es ihm, die destillierte, reine Energie eines Anfängers einzufangen, der nicht von dem Druck, sich dem Kanon anzupassen, belastet ist, was zu Werken ohne Vorwand führt. Seine Gemälde zeigen den Alltag auf eine heiter-ironische Weise, oft umgehen sie komplexere Themen. Sie zeigen häufig humorvolle Momente, wie Menschen, die auf einer Hochzeit streiten, oder eine endlose Conga-Linie. Indem er Humor einsetzt, um vergangene und gegenwärtige Ängste zu konfrontieren, einschliesslich einer Angst vor Tanzflächen, ist sein Malstil stark von LS Lowry, James Ensor und Breugel dem Älteren beeinflusst, was einen Hauch von Normalität und Primitivismus mit einem modernen Touch des 21. Jahrhunderts verleiht. Willem hat seine Werke in Deutschland, Russland und Belgien ausgestellt.

Die unendliche Conga
Im Januar 2021 begann der Künstler damit, eine 'nie endende Conga-Linie' zu malen. In diesem Stück arrangiert er mehrere Kartonstücke nebeneinander und malt eine lange, ununterbrochene Linie von tanzenden Figuren. Durch kontinuierliches Hinzufügen weiterer Stücke mit mehr Tänzern verlängert er die Länge der Conga-Linie. Das Kunstwerk kann zum Verkauf aufgeteilt werden, sodass Käufer jeweils Segmente des Tanzes besitzen und gemeinsam an der Kunst teilhaben können.

Der Aufstieg eines Stars
Willem schreibt den sozialen Medien den primären Einfluss auf seine künstlerische Reise zu. Er widmet mindestens zwei Stunden täglich dem Beobachten und Lernen von anderen Künstlern. Er behauptet, dass sein eigener Kunststil sich kontinuierlich weiterentwickelt, indem er regelmässig mit neuer Kunst konfrontiert wird. Er experimentiert ständig mit neuen Stilen, Themen und Techniken. "Probiere selbst alle möglichen Dinge aus, und dann wirst du schliesslich zu einem persönlichen Stil gelangen." - Willem.

Präsenz bei Auktionen
Albert Willems Aufstieg zu Ruhm war nichts weniger als aussergewöhnlich. Selbst er war von seinem Erfolg überrascht und kommentierte gegenüber Artnet News: "Da wir uns im 21. Jahrhundert befinden, passieren in der Welt viele verrückte Dinge. Ich denke, das ist einfach nur ein weiteres." Sein Debütgemälde Pilgrim Street 8 (2021), mit einem geschätzten Wert von 8.000 bis 12.000 US-Dollar, wurde für erstaunliche 69.000 US-Dollar verkauft. Willems Werke übertreffen konsequent ihre Schätzungen um das Zehnfache oder mehr. Sein aktueller Rekord wurde bei Sotheby's Hongkong aufgestellt, wo sein Werk Snowbound (2021) trotz einer Schätzung von 13.000 bis 19.000 US-Dollar erstaunliche 225.000 US-Dollar erzielte. Von den 14 bei Auktionen im Jahr 2022 verkauften Werken erzielte die Hälfte über 150.000 US-Dollar, obwohl die Schätzungen zwischen 10.000 und 15.000 US-Dollar lagen.

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Warum Albert Willem?
Belgien (1979)
Albert Willem, ist ein zeitgenössischer figurativer Künstler aus Brüssel, bekannt für seine naiv anmutenden Gemälde voller Witz und Humor. Obwohl er nie eine formelle künstlerische Ausbildung hatte, besuchte er oft Galerien und Museen und schaute ständig Kunst auf sozialen Medien an. Als Kind zeichnete er viel, aber von seinem 12. bis zum 36. Lebensjahr berührte er nie einen Bleistift. Universität und Familienleben lenkten ihn von der Kunst ab, aber vor etwa vier Jahren beschloss Willem, etwas zu malen, um sein eigenes Zuhause zu schmücken. Es gefiel ihm, und seitdem hat er nicht aufgehört zu malen. Alle seine freie Zeit widmet er seiner Kunst. Die Rückkehr zu seiner Praxis beschrieb er als "Midlife-Crisis".

Stil
Im Laufe der Jahre hat er mit einer Vielzahl von Medien und Stilen experimentiert, von Nagellack bis Sprühfarbe bis hin zur Textilkunst. Heutzutage arbeitet Willem hauptsächlich mit Acrylfarbe in Verbindung mit einem Hochglanzlack, da er festgestellt hat, dass dies die kräftigsten Farben ergibt. Die meisten seiner Werke sind auf Leinwand, aber der Künstler recycelt auch Karton von Online-Einkäufen, um ihn als Basis zu verwenden. Sein künstlerischer Prozess ist schnell, er vollendet seine Werke innerhalb von maximal 48 Stunden.

Über seine Gemälde
Die Gemälde sind einfach, unverblümt, manchmal halbgar. Einerseits behaupten sie kühn, dass die technische Fähigkeit des Künstlers auf elementarem Niveau verweilt. Auf der anderen Seite ist er in der Lage, die destillierte, reine Energie eines Anfängers zu nutzen, der sich nicht darum kümmert, gegen den Kanon anzutreten, und daher sind die Werke frei von Vorurteilen. Seine Werke zeigen das tägliche Leben auf eine heiter-ironische Weise, oft ohne komplexere Themen. Seine Werke zeigen oft humorvolle Momente des täglichen Lebens, wie Menschen, die auf einer Hochzeit kämpfen oder eine unendliche Conga-Linie. Er greift auf Humor zurück, um mit seinen vergangenen und gegenwärtigen Ängsten umzugehen, einschliesslich der Angst vor Tanzflächen. Sein Malstil ist stark beeinflusst von LS Lowry, James Ensor und Breugel dem Älteren und bringt eine Sensation von Normalität und Primitivismus mit einem 21. Jahrhundert Twist. Willem hat seine Werke in Deutschland, Russland und Belgien ausgestellt.

Die unendliche Conga
Im Januar 2021 begann der Künstler, eine 'endlose Conga-Linie' zu malen. In diesem Werk platziert der Künstler mehrere Stücke Karton nebeneinander und malt eine lange, einzelne Linie tanzender Figuren. Der Künstler fügt kontinuierlich weitere Stücke mit mehr Tänzern hinzu, sodass jedes Stück die Conga-Linie verlängert. Das Werk kann zum Kauf aufgeteilt werden, sodass Käufer jeweils Teile des Tanzes besitzen und die Kunst gemeinsam teilen können.

Der Aufstieg eines Stars
Willem schreibt den sozialen Medien den grössten Einfluss auf seine künstlerische Praxis zu. Er verbringt täglich mindestens zwei Stunden damit, Kunst von anderen Künstlern anzusehen und zu lernen. Er sagt, dass sein Kunst durch das regelmässige Betrachten neuer Kunst ständig im Wandel ist. Er experimentiert ständig mit neuen Stilen, Themen und Techniken. 'Probiere selbst alle möglichen Dinge aus, und dann wirst du irgendwann zu einem persönlichen Stil kommen.' - Willem.

Präsenz bei Auktionen
Albert Willem's Aufstieg zum Ruhm war nichts weniger als bemerkenswert. Selbst er war von seinem Erfolg überrascht und bemerkte gegenüber Artnet News: "Da es das 21. Jahrhundert ist, passieren in der Welt viele verrückte Dinge. Ich denke, das ist nur eine weitere." Sein Debütgemälde Pilgrim Street 8 (2021), das auf 8.000 bis 12.000 US-Dollar geschätzt wurde, wurde für erstaunliche 69.000 US-Dollar verkauft. Willem's Werke haben ihre Schätzungen konsequent um den Faktor 10 oder mehr übertroffen. Sein aktueller Rekord wurde bei Sotheby’s Hongkong erreicht, wo sein Stück Snowbound (2021) unglaubliche 225.000 US-Dollar einbrachte, bei einer Schätzung von 13.000 bis 19.000 US-Dollar. Von den 14 Werken, die 2022 bei Auktionen verkauft wurden, wurden die Hälfte für mehr als 150.000 US-Dollar verkauft, obwohl die Schätzungen im Bereich von 10.000 bis 15.000 US-Dollar lagen.


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«Die Silver Tempest Booster Box überzeugt nicht nur mit dem äusserst gefragten Pokémon Lugia, sondern steht auch als glorreicher Höhepunkt, als das finale Hauptset der Sword & Shield-Reihe, in Erinnerung.» - Thomas Kovacs, Trading Card Experte bei Amazingtoys.ch

Mach dich bereit für neue Abenteuer entdecke mächtige Pokémon V!
Tauche ein in die faszinierende Welt von Pokémon TCG: Sword & Shield, der ersten Erweiterung der Sword & Shield Serie im Pokémon Sammelkartenspiel. Dieses Set führt Generation VIII Pokémon ein, darunter Pokémon V und Pokémon VMAX, die aufregende neue Spielerfahrungen bieten.

Erkunde die Galar-Region & triff auf ikonische Pokémon!
Entdecke die lebendige Galar-Region und triff auf über ein Dutzend beeindruckende neue Pokémon V, wie die legendären Zacian und Zamazenta, sowie ikonische Favoriten in ihren galarischen Formen. Von charmanten Starter-Pokémon wie Grookey, Scorbunny und Sobble bis hin zu niedlichen Kreaturen wie Wooloo und Yamper lädt diese Erweiterung Spieler ein, sich in die neueste Generation von Pokémon zu vertiefen.

Exklusive Sammlerkunstwerke & limitierte Editionssets
Tauche ein in eine Welt der Sammlerfreuden mit der exklusiven Trainer Gallery von Sword & Shield, die 30 einzigartige Kunstwerke präsentiert, die Pokémon-Enthusiasten und Sammler gleichermaßen begeistern sollen. Diese besonderen Ergänzungen sind nur in den letzten fünf Sets der Sword & Shield-Ära erhältlich und verleihen deiner Sammlung Seltenheit und Prestige.

Strategische Investitionsmöglichkeiten
Mit insgesamt 17 Haupt- und Nebensets in der Sword & Shield-Ära, ergänzt durch Promo-Sets und exklusive Veröffentlichungen, bietet das Pokémon TCG vielfältige Investitionsmöglichkeiten für Sammler und Anleger gleichermaßen. Basierend auf umfangreichen Recherchen zeigen die Pull-Raten eine signifikante Chance auf den Erwerb hochbegehrter Trainer-Gallery, Ultra-Rare- oder Secret-Rare-Karten, mit einer 31%igen Chance laut Daten von über 8.000 Silver Tempest Booster Packs. Diese Karten, wie die Lugia V Alt Art 186/195, werden für 206 EUR für eine PSA 10-graduierte Karte gehandelt.

Langfristiges Wachstumspotenzial & Marktdynamik
Die Erfahrung hat gezeigt, dass Pokémon Trading Card Sets typischerweise innerhalb von 20-24 Monaten nach Veröffentlichung erste Bewegungen zeigen, oft zusammenfallend mit dem "Out-of-Print"-Datum. Dieser entscheidende Moment markiert das Ende von Neuauflagen der Booster-Boxen und signalisiert potenzielle Wertsteigerungen für Sammler und Anleger.

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Wer ist Miguel Covarrubias?

Miguel Covarrubias (1904-1957)
War ein mexikanischer Maler, Karikaturist, Illustrator, Ethnologe und Kunsthistoriker, der die amerikanische Kunst nachhaltig beeinflusste und die mexikanische Kultur über ihre Grenzen hinaus förderte. Nach seinem Umzug nach New York begann Covarrubias für mehrere führende Zeitschriften zu zeichnen und wurde schliesslich einer der führenden Karikaturisten des Vanity Fair Magazins. Heute wird seine Arbeit neben den künstlerischen Beiträgen von Frida Kahlo, ihrem Ehemann Diego Rivera und anderen Schlüsselfiguren der mexikanischen Kunst des 20. Jahrhunderts anerkannt. Der Covarrubias-Markt hat besonders seit 2011 zugenommen, und sein Index ist um etwa 170% gestiegen, wobei er den Index von Kunstmarktgrössen wie Pablo Picasso und Claude Monet in dem jeweiligen Zeitraum übertroffen hat. Im selben Jahr wie Salvador Dali geboren und mit Frida Kahlo und ihrem Ehemann Diego Rivera befreundet, widmete er einen wichtigen Teil seines Werkes seiner Zeit in Bali und Südasien. Als leidenschaftlicher Ethnologe hielt er die lokalen Traditionen fest und bewahrte seine Eindrücke vom balinesischen Leben in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts für die Nachwelt.

Der "mexikanische Gauguin"
Er zeigte ein tiefes Interesse an ethnologischen Studien und widmete einen grossen Teil seiner Kunst der Darstellung des ländlichen, traditionellen Lebens der Ureinwohner Mexikos und Südasiens. Wie der Künstler Paul Gauguin tauchte Covarrubias in das Leben der von ihm gemalten Ureinwohner ein, und seine Kunst aus dieser Zeit ist das Ergebnis sorgfältiger Beobachtung und des Ziels, die Schönheit dieser Lebensweise an die vermeintlich "zivilisierte" Welt zu vermitteln. Heute erreichen Werke von Gauguin Preise im neunstelligen Bereich und bestätigen das starke Markinteresse an ethnologisch inspirierter Kunst.

Investitionspotenzial: Covarrubias' Marktanziehungskraft
Insbesondere Covarrubias' Darstellungen von traditionellen und folkloristischen Szenen erfreuen sich einer Marktwertschätzung und werden konsequent über dem hohen Schätzwert verkauft. Darüber hinaus liegt die aktuelle Marktbewertung für dieses Kunstwerk deutlich über dem Kaufpreis, was für Investoren einen eingebauten Spielraum über dem ehrgeizigen Szenario schafft.
 

Warum dieses Kunstwerk?

Das Kunstwerk zeigt ein Mädchen, das auf ihren Knien sitzt und ihre Hände sanft über ihre Beine legt. Barfuss und oben ohne trägt sie nur einen dunklen langen Rock mit grünen und gelben Details an ihrer Taille, das Mädchen wird von einem Huhn begleitet, das Mais vom Boden pickt. Ihr Kopf ist von einem hellrosa/orangefarbenen Schal umgeben, der einen Teil ihres dunklen Haares und einen prominenten runden Ohrring freilässt. Mit einem aufmerksamen Ausdruck im Gesicht finden wir sie auf einem hellen Teppich vor einem Haus mit gewebten Wänden. Auf der Rückseite dieser eindringlichen Darstellung eines traditionellen balinesischen Mädchens in traditionellem Lebensraum skizzierte Covarrubias einen ersten Versuch einer Karikatur in der Nickolas Muray-Sammlung mit dem Titel "Tourist saved by Cheap Chinese Labor'', die im Vanity Fair Magazine, März 1931, veröffentlicht wurde. Muray, viele Jahre lang die Affäre von Frida Kahlo, war ein enger Freund von Covarrubias und Kollege, da sie beide für Vanity Fair arbeiteten, und die Verbindung dieses Werkes zu Muray trägt sicherlich zu seiner Attraktivität auf dem Markt bei.

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Warum Annandale Fässer?

Geschichte
Die Annandale Brennerei, in Annan, Dumfries und Galloway, Schottland gelegen, kann auf eine bewegte Vergangenheit zurückblicken, die bis ins Jahr 1836 reicht, als sie zunächst gegründet wurde. Die Produktion wurde jedoch Anfang des 20. Jahrhunderts eingestellt, was sie fast ein Jahrhundert lang brach liess, bis zu ihrer Wiederbelebung und Renovierung im Jahr 2007. Unter neuer Eigentümerschaft und Leitung wurde die Annandale Brennerei mit dem Fokus auf die Herstellung von erstklassigem Single Malt Scotch Whisky wiederbelebt. Sie hält an traditionellen Methoden und handwerklichem Können fest und verbindet alte Techniken mit moderner Technologie, um ein unverwechselbares Geschmacksprofil zu erreichen. Die Brennerei bietet zwei Hauptausdrücke von Single Malt Scotch Whisky an: Man O' Sword und Man O' Words, Namen, die von der lokalen Geschichte und den Verbindungen zu Persönlichkeiten wie Robert the Bruce und der Familie Balliol inspiriert sind, die unauslöschliche Spuren in der schottischen Geschichte hinterlassen haben. Beide Ausdrücke zollen den Rittern der Schlacht von Annan im Jahr 1328 Tribut.

Einzigartiger Reifeprozess
Die Annandale Brennerei legt Wert auf den Reifeprozess, indem sie ihre Whiskys in verschiedenen Arten von Fässern wie Ex-Bourbon-, Sherry- und Weinfässern reifen lässt. Dies erhöht die Komplexität und Tiefe der Endprodukte und bereichert ihr Gesamtgeschmacksprofil. Es ist erwähnenswert, dass die Whiskyherstellung eine langsame Angelegenheit ist und die Annandale Brennerei ihre Whiskys in der Regel in begrenzten Mengen herausbringt, was bei Enthusiasten aufgrund ihrer Seltenheit Interesse weckt. Man O' Sword ist ein stark getorfter Whisky, bekannt für sein rauchiges und kräftiges Geschmacksprofil, der aus schottischer Gerstenmalz mit Torf hergestellt wird, um eine charakteristische Rauchigkeit zu verleihen. Im Gegensatz dazu ist Man O' Words ein ungetorfter Whisky, der die natürlichen Eigenschaften von gemälzter Gerste betont und zu einem fruchtigeren und leichteren Geschmacksprofil führt. Die Annandale Brennerei bemüht sich, das Wesen der traditionellen schottischen Whiskyherstellung einzufangen, während sie zeitgenössische Elemente integriert. Ihre Wiederbelebung des Erbes und ihr Engagement für handwerkliche Qualität haben sie als bedeutende Präsenz in der schottischen Whiskyindustrie etabliert.

Warum ein Sherryfass?
Der Kauf eines Sherryfasses bietet eine verlockende Aussicht für Personen, die vom Bereich des Whiskys und unkonventionellen Investitionsmöglichkeiten fasziniert sind. Hier sind ein paar überzeugende Gründe, um in ein Sherryfass zu investieren:

Einzigartiges Aroma-Profil
Sherryfässer sind bekannt dafür, Whisky mit einzigartigen Aromen zu durchdringen. Das Zusammenspiel zwischen dem Holz und dem zuvor im Fass enthaltenen Sherry kann reiche, fruchtige und nussige Untertöne hervorbringen und den Geschmackstiefe des Whiskys verstärken. Ein solch markantes Profil macht Whisky, der in Sherryfässern gereift ist, oft besonders begehrt bei Sammlern und Liebhabern.

Potenzial für Wertsteigerung
Die Wertsteigerung von in Sherryfässern gereiftem Whisky liegt normalerweise über der von Standard-Eichenfässern.

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"Denis Flageollet ist einer der besten lebenden Uhrmacher mit einer wahren Vision. Hier sprechen wir von einer sehr spezialisierten Marke, die etwa 300 Uhren pro Jahr herstellt. Die Qualitätsstandards gehören zu den höchsten in der Branche. Die Produktion beträgt ein Drittel von F.P. Journe (1000 Uhren/Jahr), und die Marke kann der Nachfrage nicht gerecht werden. Die höhere Nachfrage als das Angebot impliziert eine Preiserhöhung auf dem Sekundärmarkt und stellt ein gutes Investitionspotenzial dar." - Samy Lachhab, Experte bei WatchBox

Warum De Bethune?

De Bethune ist eine Marke, die die Vereinigung der traditionellen Uhrmacherkunst mit zeitgenössischer Innovation repräsentiert. Sie wurde 2002 in L'Auberson, einem kleinen Dorf im Jura-Gebirge an der Grenze zwischen der Schweiz und Frankreich, gegründet. Die Gründer von De Bethune sind David Zanetta, ein italienischer Sammler und Händler von Kunst- und Antikuhren, und Denis Flageollet, ein Uhrmacher der vierten Generation aus Frankreich. Die Geschichte von De Bethune beginnt mit der Vision dieser beiden Männer, die sich bei der Arbeit bei Techniques Horlogères Appliquées (THA) kennengelernt haben. Dort haben sie sich auf die Herstellung komplizierter und hochwertiger Uhrwerke für Marken wie Breguet, Cartier, Franck Muller und Bucherer spezialisiert.

Handwerkskunst
Mit De Bethune suchten Zanetta und Flageollet nach totaler Unabhängigkeit in der Uhrmacherkunst, um einzigartige horologische Richtungen zu erkunden und ihre Freiheit zu nutzen, die Richtung zu verfolgen, die sie für angemessen hielten. Dies spiegelt sich in der beeindruckenden Ästhetik ihrer Uhren wider, die oft von der Sprache des klassischen Uhrendesigns abweichen, an das wir gewöhnt sind.
Im Laufe der Jahre wurde De Bethune für seine technischen Innovationen in der Balance-Architektur und seinen fest etablierten Ruf für Innovationen in den Materialwissenschaften anerkannt. Die Marke feierte ihr 20-jähriges Bestehen und festigte damit ihre Position als eine der ersten Bewegungen der Gruppe unabhängiger Uhrmacher, die um die Jahrtausendwende auftauchten.

Limitierte Produktion
Jede De Bethune Uhr ist ein limitiertes Stück und unterstreicht die Exklusivität und das handwerkliche Können der Marke. Die DB25 Starry Varius ist keine Ausnahme, und ihre limitierte Produktion stellt sicher, dass jede Uhr ein seltenes und sammlerwürdiges Ausdrucksmittel der Vision von De Bethune ist.
 

Warum ein DB25VTIS3-Modell?

Die Geschichte von De Bethune und seinem Modell DB25 Starry Varius ist eine Erzählung, die die Vereinigung zwischen traditioneller Uhrmacherkunst und moderner Innovation feiert. Die ästhetische Verbindung von De Bethune mit dem Weltraum und der klassischen Science-Fiction, bekannt für ihre Eleganz und ästhetische Reinheit, erhielt mit der Veröffentlichung des Starry Varius neuen Schwung, der eine poetische und persönliche Interpretation des Nachthimmels bietet. Der Starry Varius ist eine Hommage an die Majestät des Universums und ermöglicht es den Besitzern, eine Darstellung des Firmaments basierend auf einem bestimmten Datum und Standort am Handgelenk zu tragen. Diese Anpassung macht jedes Stück einzigartig und für seinen Besitzer tiefgreifend bedeutungsvoll. Das Modell ist Teil einer Aktualisierung der bekannten DB25-Linie von De Bethune, die eine neue Gehäusegrösse, eine neue Form der Bügel und ein Zifferblatt umfasste, das individuell angepa

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"Veröffentlicht als Limited Edition im Rahmen der FW 2023 Kollektion, wurden diese Taschen im Nieten-Design ausschliesslich in Mini Kelly und Constance in begrenzten Stückzahlen veröffentlicht. Box-Leder ist eines der ältesten und original handgefertigten Leder für Hermès, wie die Kelly-Tasche, die Grace Kelly berühmt über ihren Bauch hielt, um ihren Babybauch zu verbergen." - Melissa Afonso, Expertin bei Threads Styling

Warum eine Kelly-Bag?
Der zeitlose Reiz und die Eleganz der ikonischen Kelly-Tasche
Ursprünglich als Sac-à-Depêche benannt und vom renommierten französischen Luxuslabel Hermès im Jahr 1935 entworfen, erhielt die ikonische Kelly-Tasche später ihren Namen von der geschätzten amerikanischen Schauspielerin und Fürstin von Monaco, Grace Kelly. Graces Verbindung zur Tasche, insbesondere ihre Verwendung, um ihre Schwangerschaft vor den Paparazzi zu verbergen, trug zu ihrer Anziehungskraft und Mystik bei. Seitdem ist die Kelly-Tasche zu einem Synonym für zeitlosen Stil, makellose Handwerkskunst und unvergleichliche Eleganz geworden und zählt zu den begehrtesten Luxushandtaschen weltweit.

Exklusivität und Seltenheit auf dem Hermès-Markt
Hermès ist für seine strengen Kaufrichtlinien bekannt, die die Anzahl der Taschen begrenzen, die eine Person pro Jahr kaufen kann. Die Produktion bleibt absichtlich begrenzt, was zu Wartezeiten von mehreren Jahren für potenzielle Käufer führt. Folglich wird der Sekundärmarkt zur bevorzugten Option für diejenigen, die Wartelisten umgehen möchten. Selbst gebrauchte Kelly-Taschen in stark gebrauchtem Zustand erzielen Preise von über 10.000 Euro und unterstreichen ihre aussergewöhnliche Seltenheit und Nachfrage.

Warum eine Kelly Clouté?
Ikonisches Design-Erbe👜
Die Hermès Kelly Clouté Black Box Palladium Hardware verkörpert zeitlose Eleganz innerhalb der Hermès-Kollektion. Diese Kelly-Tasche, im Stil von Sellier gefertigt, dient als Zeugnis für das herausragende Handwerk und das ikonische Design von Hermès.

Besondere Merkmale und Flexibilität💼
Hergestellt aus schwarzem Leder mit Palladium-Hardware, prahlt diese Kelly Sellier 20 Clouté mit runden Palladium-Nieten, tonaler Naht, zwei vorderen Riemen mit Knebelverschluss, einem gerollten Griff und einem abnehmbaren Schultergurt. Ihre Vielseitigkeit und einzigartigen Eigenschaften machen diese Tasche zu einem herausragenden Modeaccessoire.

Investitionsmöglichkeiten und Seltenheit💰
Als limitierte Edition mit einem Erbe, das mit einem ikonischen Design verbunden ist, bietet die Kelly Clouté Investitionspotenzial. Ihre Seltenheit und Beliebtheit bei Sammlern und Enthusiasten tragen dazu bei, dass sie im Laufe der Zeit an Wert gewinnt.

Hoch begehrter Sammlerstatus🔍
Die Kelly Clouté hat sich einen Ruf als äusserst begehrtes Sammlerstück erworben. Der Besitz einer solchen Tasche verbessert nicht nur den eigenen Stil, sondern fügt auch ein bedeutendes Stück zur Geschichte der Mode hinzu.

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"Duncan McCormicks jüngster Erfolg bei Auktionen ist bemerkenswert, wobei Kunstwerke wie Villa Mallorca und Trevors Traum erstaunliche Ergebnisse erzielen und jeweils um 1.855% bzw. 1.678% über den niedrigen Schätzungen verkauft werden. McCormicks Wechsel von Öl zu Acryl während des Lockdowns und sein Fokus auf ruhige Landschaften und Innenräume haben beim Publikum Anklang gefunden und sie in seine Welt der Flucht und Positivität gezogen. McCormicks Auktionsleistungen unterstreichen das wachsende Interesse an seiner Arbeit und deren tiefgreifende Auswirkungen auf Kunstliebhaber." - James Kerbey, Experte bei Maddox Advisory

Warum solltest du in die Gemälde von Duncan McCormick investieren?
Enthüllung von Duncan McCormicks Optimistischen Schöpfungen

Eine Vision von Positivität auf Leinwand:
Tauche ein in die Welt von Duncan McCormicks Kunst, wo bewusste Positivität durch seine Pinselstriche Form annimmt. Mit jedem Strich haucht er Bildern Leben ein, die Erinnerungen an freudige Tagträume wecken. Von Kindheitserlebnissen entlang der Küste von Salcombe Bay in Devon, die an Kalifornien und das Mittelmeer erinnern, bis zur Neugestaltung von schneebedeckten schottischen Berglandschaften als alpine Wunder und der Verwandlung vergessener Strassen und verlassener Gärten in von der Sonne durchflutete Heiligtümer.

Expressiver Prozess und Leuchtendes Farbschema:
McCormicks künstlerischer Prozess beginnt mit sanften Pigmentschichten, die er schnell mit Acrylfarbe überzieht, um die Spontaneität seiner Arbeit einzufangen. Sein Hauptaugenmerk liegt auf der Erfassung der Lebendigkeit der Farben auf Leinwand. Das Ergebnis ist eine Kollektion, die mit lebendigen und leuchtenden Tönen durchdrungen ist und die traumhafte Qualität jedes Meisterwerks verstärkt.

Kunst als Reaktion auf Veränderung:
Diese Kunstwerke bieten eine bewusste Antwort auf die Ära von Covid-19 und ihre resultierenden Lockdown-Massnahmen. Nach der Feier seiner Hochzeit und der Geburt von Zwillingen tauschte McCormick die Vororte von London gegen die ruhigen Landschaften von North Shropshire. Die Isolation der Pandemie veranlasste einen Wechsel von komplexen, symbolbeladenen Erzählungen zu einfacheren, absichtlich eskapistischen Szenen in Acrylfarbe.

Die Künstlerische Reise von Duncan McCormick:
Geboren in Birmingham im Jahr 1977, begann Duncan McCormicks künstlerische Reise an der Hallfield Preparatory School und setzte sich am Ellesmere College in Shropshire fort. Sein angeborenes künstlerisches Talent führte ihn zu einem Grundstudium am Bournville College in Birmingham, das in einem Abschluss in Kunst und Drama am St. Martin's College in Lancaster gipfelte. Während seiner Karriere hat McCormick seine künstlerischen Bestrebungen mit seinem Lebensunterhalt in Einklang gebracht. Zunächst arbeitete er im Theater, bevor er sich als professioneller Druckgrafiker etablierte, ausgestattet mit seiner eigenen Siebdruckpresse. Seine Werke schmücken nun renommierte private und Unternehmenssammlungen, darunter ein Auftrag von Morgan Stanley im Jahr 2018 für eine Serie von 11 Gemälden, die in ihren Büros in Canary Wharf ausgestellt wurden. In letzter Zeit erzielt seine Kunst beeindruckende Preise bei Auktionen und zieht Bieter aus Taiwan, der Türkei, Hongkong, Europa und Amerika an.

Die Künstlerische Entwicklung geht weiter:
Durch den bedeutenden Einfluss des renommierten David Hockney steht McCormicks Stil kurz davor, sich in ähnlich ikonischen Sphären zu entwickeln, was seine Kunstwerke zu einer vielversprechenden Investitionsmöglichkeit macht. Während jeder Pinselstrich weiterhin Geschichten von Optimismus und Schönheit webt, erwäge, dich uns auf dieser Reise der Kunst und des Potenzials anzuschliessen. Entdecke den fesselnden Zauber von Duncan McCormicks Kunst und die Möglichkeiten, die sie birgt.

Frühzeitiger Verkauf deiner Splints: Wir bieten dir die Möglichkeit, deine Splints jederzeit zum Marktwert zurückzukaufen. Jedoch ist zu beachten, dass eine zusätzliche Bearbeitungsgebühr anfällt. Die Bearbeitungsgebühr ist abhängig vom Volumen, der Anlage und deiner Haltedauer. Benutze das Kontaktformular, um den Prozess zu starten.

"Duncan McCormicks jüngster Erfolg bei Auktionen ist bemerkenswert, wobei Kunstwerke wie Villa Mallorca und Trevors Traum erstaunliche Ergebnisse erzielen und jeweils um 1.855% bzw. 1.678% über den niedrigen Schätzungen verkauft werden. McCormicks Wechsel von Öl zu Acryl während des Lockdowns und sein Fokus auf ruhige Landschaften und Innenräume haben beim Publikum Anklang gefunden und sie in seine Welt der Flucht und Positivität gezogen. McCormicks Auktionsleistungen unterstreichen das wachsende Interesse an seiner Arbeit und deren tiefgreifende Auswirkungen auf Kunstliebhaber." - James Kerbey, Experte bei Maddox Advisory

Warum investieren in Duncan McCormicks Gemälde?
Enthüllung von Duncan McCormicks optimistischer Kunstfertigkeit

Ein Blick auf Positivität auf Leinwand:
Betrete das Reich von Duncan McCormicks Kkreativem Ausdruck, wo bewusster Optimismus durch seine Maltechnik Gestalt annimmt. Mit jedem Pinselstrich erweckt er Bilder zum Leben, die Erinnerungen an fröhliche Träumereien hervorrufen. Von nostalgischen Abenteuern entlang der Devon-Küste von Salcombe Bay, die an Orte in Kalifornien und am Mittelmeer erinnern, bis hin zur Neugestaltung von schneebedeckten schottischen Bergausblicken als majestätische alpine Szenen und der Verwandlung vernachlässigter Strassen und verlassener Gärten in sonnenverwöhnte Rückzugsorte.

Expressive Methode und strahlende Farbpalette:
McCormicks kreativer Prozess beginnt mit zarten Pigmentschichten, die schnell mit Acrylfarbe aufgetragen werden, um die Spontaneität seiner Arbeit einzufangen. Sein Hauptaugenmerk liegt auf der Erfassung der Lebendigkeit der Farben auf Leinwand. Das Ergebnis ist eine Sammlung, die von lebendigen und leuchtenden Farben durchdrungen ist und die traumhafte Essenz jedes Meisterwerks verstärkt.

Künstlerische Antwort auf Veränderung:
Diese Kunstwerke dienen als bewusste Antwort auf die Ära von Covid-19 und ihre daraus resultierenden Sperrmassnahmen. Nach der Feier seiner Hochzeit und der Ankunft von Zwillingen tauschte McCormick die Vororte von London gegen die ruhigen Landschaften von North Shropshire. Die Isolation, die die Pandemie mit sich brachte, führte zu einem Übergang von komplexen, symbolbeladenen Erzählungen zu einfacheren, absichtlich eskapistischen Szenen, die in Acrylfarbe dargestellt wurden.

Die künstlerische Reise von Duncan McCormick:
Geboren in Birmingham im Jahr 1977, begann Duncan McCormicks künstlerische Reise an der Hallfield Preparatory School und setzte sich am Ellesmere College in Shropshire fort. Sein angeborenes künstlerisches Talent brachte ihn zu einem Grundstudium am Bournville College in Birmingham, das in einem Abschluss in Kunst und Drama am St. Martin's College in Lancaster gipfelte. Während seiner Karriere hat McCormick seine künstlerischen Bestrebungen mit seinem Lebensunterhalt in Einklang gebracht. Zunächst im Theater tätig, etablierte er sich später als professioneller Druckgrafiker mit seiner eigenen Siebdruckpresse. Seine Werke schmücken nun angesehene private und Unternehmenssammlungen, darunter ein Auftrag von Morgan Stanley im Jahr 2018 für eine Serie von 11 Gemälden, die in ihren Büros in Canary Wharf präsentiert werden. In letzter Zeit haben seine Kunstwerke auf Auktionen beeindruckende Preise erzielt und Bieter aus Taiwan, der Türkei, Hongkong, Europa und Amerika angezogen.

Die künstlerische Reise geht weiter:
Stark beeinflusst vom renommierten David Hockney, ist McCormicks Stil darauf ausgerichtet, sich in ähnlich ikonische Bereiche zu begeben und seine Kunstwerke als vielversprechende Investitionsmöglichkeit zu präsentieren. Während jeder Pinselstrich weiterhin Geschichten von Hoffnung und Schönheit erzählt, laden wir Sie ein, uns auf dieser künstlerischen Reise voller Potenzial zu begleiten. Entdecken Sie den bezaubernden Reiz von Duncan McCormicks Kunst und die unendlichen Möglichkeiten, die sie birgt.

Frühzeitiger Verkauf deiner Splints: Wir bieten dir die Möglichkeit, deine Splints jederzeit zum Marktwert zurückzukaufen. Jedoch ist zu beachten, dass eine zusätzliche Bearbeitungsgebühr anfällt. Die Bearbeitungsgebühr ist abhängig vom Volumen, der Anlage und deiner Haltedauer. Benutze das Kontaktformular, um den Prozess zu starten.

"Frühzeitiger Investorenvorteil: David Yarrows Verkaufsstrategie basiert auf einer gestaffelten Preisgestaltung. Bei limitierten Auflagen bedeutet gestaffelte Preisgestaltung, dass der Preis eines Bildes steigt, je näher die Auflage dem Ausverkauf kommt. Dies ist ein entscheidendes Element beim Investieren in David Yarrow, da Investoren höhere Renditen erzielen, je früher sie ein Kunstwerk erwerben." - James Kerbey, Experte bei Maddox Advisory

Warum in die feine Kunstfotografie von David Yarrow investieren?

Frühe Erfolge und unvergessliche Momente
David Yarrow, geboren in Glasgow, Schottland im Jahr 1966, begann seine Karriere als Fotograf früh. Im Alter von 20 Jahren fing er bedeutende Momente als Fotograf für die Londoner Times beim Finale der Fussball-Weltmeisterschaft in Mexiko-Stadt ein. Sein ikonisches Bild von Diego Maradona, der den Weltcup hielt, brachte ihn ins Rampenlicht und öffnete Türen, um andere wichtige Sportveranstaltungen wie die Olympischen Spiele zu dokumentieren.

Übergang zur feinen Kunstfotografie
Im Laufe der Jahre wechselte Yarrow zur feinen Kunstfotografie und konzentrierte sich darauf, die natürliche Welt aus einzigartigen Perspektiven zu dokumentieren. Dieser Wandel in seiner Herangehensweise hat seine künstlerische Entwicklung geprägt und ihm Anerkennung in führenden Galerien und Museen in Europa und Nordamerika als einer der meistverkauften feinen Kunstfotografen eingebracht. Hier findest du den Link zu seiner Homepage mit viele imposanten Einblicke in seinen einzigartigen Arbeitsplatz.

Hervorragendes künstlerisches Talent und weltweite Anerkennung
Yarrows Arbeit, gekennzeichnet durch ihre eindringliche und immersive Natur, insbesondere die Darstellung des Lebens auf der Erde, hat ihm weltweite Anerkennung eingebracht. Er hat auch beratende und Botschafterrollen in der Branche übernommen und sich für den Naturschutz und philanthropische Zwecke eingesetzt.

Einfluss in der Branche und Engagement für philanthropische Unternehmungen
David Yarrow hat aufgrund seiner prominenten Position in der Branche verschiedene beratende und Botschafterrollen übernommen. Dazu gehört die Vertretung von Naturschutzorganisationen wie WildArk und der Kevin Richardson Foundation sowie die Tätigkeit als europäischer Botschafter von Nikon. Er war aktiv an bedeutenden Branchenveranstaltungen beteiligt und hat zu bemerkenswerten Kampagnen für Organisationen wie die Berenberg Bank, Best Buddies und die African Community and Conservation Foundation beigetragen, was sein Engagement für Philanthropie unterstreicht.

Erkundung künstlerischer Grenzen und gemeinsame Kreativität
Yarrows Ruhm als einer der meistverkauften Fotografen weltweit beruht auf seinem Talent, die natürliche und menschliche Welt mit einem einzigartigen und einfallsreichen Ansatz einzufangen. Ein entscheidender Faktor für seinen Erfolg ist die Verbindung von Kunst und Philanthropie, was zu Partnerschaften mit prominenten Persönlichkeiten aus Sport, Mode und Unterhaltung führt. Zusammenarbeiten mit Cindy Crawford, Cara Delevingne, Ciara und Russell Wilson sowie Alessandra Ambrosio unterstreichen die breite und bedeutende Wirkung seiner Arbeit.

Philanthropischer Einfluss und wirtschaftliche Erfolge
Die philanthropischen Bemühungen von David Yarrow haben eine tiefgreifende Wirkung gehabt, die über seine künstlerischen Leistungen hinausgeht. Durch den Verkauf seiner Bilder hat er seit 2019 über 10 Millionen Dollar an Spenden für wohltätige Zwecke gesammelt. Auf der Art Miami im Dezember 2019 erzielte sein Foto "The Wolves of Wall Street" bemerkenswerte Ergebnisse, darunter ein von Leonardo DiCaprio und Martin Scorsese signierter Druck mit dem echten Wolf of Wall Street, Jordan Belfort, der für 200.000 Dollar verkauft wurde, wobei die Erlöse die Arbeit von Naturschutzorganisationen unterstützten. Er hat auch aktiv zu Ursachen wie den Erholungsbemühungen in Australien nach verheerenden Buschbränden und der Art for Heroes-Kampagne während der Covid-19-Pandemie beigetragen. Diese erfolgreiche Integration von Kunst und Philanthropie spricht nicht nur Kunstsammler an, sondern unterstützt auch wichtige Anliegen. Yarrows innovative Herangehensweise hat seine Position in der Kunstwelt gestärkt.

Fortgesetztes Künstlerisches Wachstum und Globale Vertretung
David Yarrows einzigartige künstlerische Entwicklung in den letzten Jahren hat nicht nur seine Fangemeinde unter Kunstbegeisterten erweitert, sondern ihm auch eine Vertretung von führenden zeitgenössischen Galerien auf der ganzen Welt eingebracht. Die Veröffentlichung seines dritten Buches, "Storytelling", von Rizzoli im Herbst 2022 markiert eine kontinuierliche Entwicklung in seiner künstlerischen Reise und narrative Ausdruckskraft durch seine Fotografie.

Über Pride Rock
Es kombiniert zwei beeindruckende Bilder. Eins davon wurde vom Gipfel des Pride Rock in der Borana Conservancy, Kenia, aufgenommen, und das andere wurde 4000 km südlich im berühmten Löwenreservat von Kevin Richardson aufgenommen.

"Die Idee hinter diesem Foto war eine gemeinsame Anstrengung zwischen meinem Team und Kevin Richardson. Darüber hinaus war die Mittelbeschaffung für Kevins Kreuzzug für das Projekt entscheidend. Warum 2019? Weil es das Jahr war, in dem Disney 'Der König der Löwen' neu veröffentlichte. Wir wollten diese Verbindung nutzen und auf die schwierige Situation der Löwen aufmerksam machen", sagt Yarrow.

Pride Rock ist die spirituelle Heimat des Films, und er wollte um diese physische Lage herum arbeiten, ähnlich wie Disney. Es gab jedoch eine Herausforderung: Löwen kommen selten auf den Felsen. Daher musste ein Teil der Arbeit in Südafrika erledigt werden. Die Bilder mussten sich nahtlos in Bezug auf Winkel und Licht verbinden, und viele Stunden wurden an beiden Standorten mit der Planung verbracht.

Die grösste Schwierigkeit war nicht das Licht, da beide Bilder mit der Kamera in die gleiche Richtung, etwa 45 Minuten nach Sonnenaufgang, aufgenommen wurden. Die eigentliche Herausforderung bestand darin, die gleiche Flugbahn an beiden Orten zu erreichen. Um sicherzustellen, dass die Winkel zum Felsen an beiden Orten identisch waren, mieteten sie sogar einen Hubsteiger in Südafrika. Die Position und Haltung des Löwen waren entscheidend, und nur Kevin konnte es schaffen. Dieses Projekt war eines der größten und herausforderndsten seiner Karriere.

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"Diamanten mit einem Gewicht von über 1 Karat und mit der höchsten Graduierung, wie der vorliegende Brillant, sind äusserst selten. Die Natur produziert seit Millionen von Jahren keine Diamanten mehr und sind deshalb ein endliches Gut. Diese Faktoren führen dazu, dass natürliche Diamanten sehr wertstabil sind und somit einen Schutz vor Inflation bilden. Diamanten sind physische Vermögenswerte, welche auf der ganzen Welt als sehr wertvoll angesehen werden." - Patrick Zeunert, Gründer von The BrandZ GmbH

Warum in Diamanten investieren?
Körperliche Anlage
Diamanten symbolisieren eine konkrete Investition, die physisch besessen werden kann, im Gegensatz zu Aktien oder Anleihen, und bieten ein Gefühl von Besitz und Freude.

Werterhaltung
Seit Jahrhunderten werden Diamanten aufgrund ihrer beständigen Natur und ihrer Fähigkeit, Korrosion zu widerstehen, als Mittel zur Wertsicherung anerkannt, was sie zu einer verlässlichen Wahl für langfristige Investitionen macht.

Schutz vor Inflation
Wie Immobilien und Gold können Diamanten als Schutz gegen Inflation dienen und sich im Laufe der Zeit im Wert steigern, um mit oder sogar die Inflationsraten zu übertreffen.

Transportleichtigkeit
Diamanten sind leicht transportierbar, was eine internationale Diversifikation ermöglicht und ihren Wert als mobile Anlage erhöht.

Diversifikationsvorteile
Diamanten bieten Diversifikationsvorteile aufgrund ihrer potenziell geringen Korrelation mit herkömmlichen Finanzmärkten. Dies bedeutet, dass ihr Wert möglicherweise nicht immer mit Aktien, Anleihen oder anderen Anlageinstrumenten übereinstimmt und somit das Gesamtportfoliorisiko mindert.

Stabilität
In den letzten fünf Jahren haben Diamanten im Gewicht von 1 bis 2 Karat eine jährliche Schwankung von weniger als 2% gezeigt, was darauf hindeutet, dass sie eine relativ konsistente Anlageoption darstellen.

Innate Wert
Die Knappheit von Diamanten sowie die erheblichen Ressourcen, die für ihre Förderung und Veredelung benötigt werden, verleihen ihnen einen inneren Wert, der den Anlegern ein Gefühl der Sicherheit gibt.

Warum dieser Diamant?

Schwerpunkt auf Liquidität je nach Grösse und Qualität Im Schmucksektor gelten Diamanten zwischen 1 und 2 Karat und mit der Bewertung D-IF oder D-Fl als erstklassig und leicht handelbar. Weit verbreitet in Verlobungsringen und hochwertigen Schmuckstücken, werden diese Diamanten aufgrund ihrer Seltenheit und ihres Werts geschätzt. Der Bereich von 1 bis 2 Karat ist besonders begehrt für Verlobungsringe, weil er eine Mischung aus Grösse und Kostenwirksamkeit bietet.

Höchste Qualität: D-IF
Die Note D-IF steht für die Farbe und Reinheit des Diamanten, wobei D die höchste Farbnote (völlig farblos) kennzeichnet und Internally Flawless (IF) bedeutet, dass der Diamant frei von inneren Mängeln ist, wenn er unter 10-facher Vergrösserung untersucht wird. IF-Diamanten können jedoch geringfügige Oberflächenfehler aufweisen, obwohl sie unter 10-facher Vergrösserung unmerklich bleiben.

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"In meiner lebenslangen Auseinandersetzung mit aufstrebenden Künstlern habe ich nur wenige gefunden, die ich mit Móyòsóré Martins vergleichen würde. Dazu gehören Johns, Rauschenberg, Twombly, Marden, Basquiat und einige andere. Dies sind Künstler, die ich gesammelt habe, als sie sich in ihrer Karrierephase befanden, wie Martins es heute ist."- Asher Edelman, Experte bei M&A Arts

Warum in Móyòsóré Martins Kunst investieren?
Künstlerisches Schaffen und Einflüsse
Móyòsóré Martins, ein nigerianischer zeitgenössischer Künstler aus New York, erobert die Kunstwelt im Sturm. Als Universalgelehrter widmet er sich Grafikdesign, Produktgestaltung und Musik. MOYO's Gemälde sind tiefgründig narrativ und verkörpern seine persönliche Reise. Er lässt seine traditionellen afrokulturellen und spirituellen Wurzeln mit einem ausgeprägten ästhetischen Sinn für Mode verschmelzen.

Künstlerische Entwicklung und Stil
Geboren in Brasilien, mit beiden Elternteilen aus dem Bundesstaat Ekiti, Nigeria, entwickelte MOYO ein Gefühl der kulturellen Unabhängigkeit aus seiner familiären Stammesgeschichte und formte seine künstlerische Vision durch Reisen und Aufwachsen. Seine Arbeit spiegelt die Einflüsse der Straßen von London und New York sowie seine Studienjahre in Ghana und der Elfenbeinküste wider und drückt dabei seine Yoruba-Kultur aus.

Künstlerische Herangehensweise und Technik
MOYO ist Autodidakt und lässt sich hauptsächlich von seiner inneren Vision inspirieren und nicht unbedingt von anderen Künstlern. Seine Werke sind für ihn von spiritueller Natur und repräsentieren seine Wünsche, Träume und seinen Weg nach vorne. Seine Malereien vereinen abstrakte, figurative und ikonographische Symbolik und zeichnen sich durch eine tiefgreifende narrative und realistische Herangehensweise aus.

Einfluss auf dem Kunstmarkt
Die Preise für Móyòsóré Martins' Gemälde der Größe 180 x 150 cm haben sich in den letzten dreieinhalb Jahren von 5.000 USD auf aktuell 27.500 USD entwickelt. Seine Arbeiten wurden von mehr als 125 Sammlern gesammelt, wobei über den Zeitraum etwa 170 Gemälde verkauft wurden. Er ist zu einer Art Kultfigur geworden.

Bevorstehende und kürzliche Ausstellungen
Martins' Arbeit hat bereits an fünfzehn Galerieausstellungen teilgenommen, darunter namhafte Veranstaltungen wie Scope Miami, Art Basel Hongkong und Now, They Know… in Beirut. In der Zukunft plant er weitere Ausstellungen, darunter Galerie T in Paris im Oktober 2024 und eine Residenz als Künstler bei der Arms Around The Child Foundation in Ghana im April 2024. Diese Ausstellungen sind entscheidend, um Martins' Bekanntheit zu steigern und sein internationales Ansehen weiter zu festigen.

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