Warum Ardmore?
Historische Beständigkeit und Strategische Lage
Eingebettet auf dem höchsten Punkt der Northern Railway Line, 600 Fuß über dem Meeresspiegel, rühmt sich die Ardmore-Destillerie einer strategischen Lage, die eine entscheidende Rolle in ihrem historischen Erfolg spielte. Die Voraussicht des Gründers Adam Teacher bei der Auswahl eines Standorts in der Nähe der Bahnlinie ermöglichte einen effizienten Transport von Materialien und trug zum florierenden Betrieb der Destillerie bei. Diese historische Widerstandsfähigkeit, kombiniert mit ihrer strategischen Positionierung, bietet eine solide Grundlage für Investitionen.

Zeitlose Handwerkskunst und Natürliche Wasserquelle
Die Verbundenheit der Ardmore mit ihren Wurzeln zeigt sich in ihren unveränderten Praktiken, einschließlich der Nutzung von Wasser aus den natürlichen Quellen auf dem 1.500 Fuß hohen Knockandy Hill. Diese Hingabe an zeitlose Handwerkskunst und die Verwendung natürlicher Wasserquellen bewahrt nicht nur das Erbe der Destillerie, sondern verstärkt auch die Wahrnehmung von Authentizität und zieht Investoren an, die an Investitionen in traditionelle, qualitativ hochwertige Produktionsmethoden interessiert sind.

Integration mit Natur und Highland-Kultur
Die wilden Ränder der Highlands inspirieren die Verbindung der Ardmore mit der Natur. Diese Integration mit der großartigen Natur, die sich in jedem Tropfen Whisky widerspiegelt, spricht Verbraucher an, die Produkte schätzen, die auf natürlichen Elementen basieren. Investoren können von der Ausrichtung der Marke auf die Highland-Kultur und naturzentriertes Marketing profitieren und sich somit dem wachsenden Bedarf an Produkten anschließen, die eine echte Verbindung zu ihren Ursprüngen verkörpern.

Historische Bedeutung und Stabilität der Eigentümerschaft
Gegründet im Jahr 1898 von Adam Teacher, hat die Ardmore Stabilität innerhalb der Familie Teacher und später unter der Eigentümerschaft von Beam Suntory bewahrt. Die historische Bedeutung der Destillerie als Teil der Familie Teacher und der anschließende Übergang in das Portfolio von Beam Suntory vermitteln Investoren ein Gefühl von Stabilität der Eigentümerschaft, das für langfristige Anlagestrategien wesentlich ist.

Nischenanspruch und Unabhängige Abfüllungen
Die einzigartigen Merkmale von Ardmore, einschließlich seiner Torfigkeit und Apfel-/blumigen Noten, haben eine engagierte Fangemeinde unter Single Malt-Aficionados geschaffen. Die Verfügbarkeit von unabhängigen Abfüllungen von renommierten Quellen wie Gordon & MacPhail und Signatory Vintage verleiht eine Exklusivität und Nischenattraktivität. Investoren, die nach Chancen im Whiskymarkt suchen, können von diesem Marktsegment profitieren und das Potenzial für Wertsteigerung im Laufe der Zeit erkennen.

Innovation und Diversifikation
Die Anpassung der Destillerie an Marktveränderungen, wie die Einführung einer ungetorften Variante namens Ardlair, zeigt ein Bekenntnis zur Innovation und Diversifikation. Diese Fähigkeit, sich an Verbrauchervorlieben anzupassen, positioniert die Ardmore als dynamischen Akteur in der Whiskyindustrie. Investoren, die nach Möglichkeiten mit einer zukunftsorientierten und anpassungsfähigen Destillerie suchen, können in der Bereitschaft von Ardmore, zu experimentieren und ihre Produktpalette zu diversifizieren, einen Anreiz finden.

Warum in Saphire investieren?

Greifbares Gut
Saphire sind ein greifbares Gut, das Sie in Ihrem Besitz halten können. Im Gegensatz zu Aktien oder Anleihen können Sie sie physisch aufbewahren und geniessen.

Schutz vor Inflation
Ähnlich wie andere greifbare Vermögenswerte wie Immobilien und Gold können Saphire als Schutz vor Inflation dienen. Ihr Wert kann im Laufe der Zeit steigen und mit oder über Inflationsraten Schritt halten.

Portabilität
Saphire sind äusserst portabel und können leicht transportiert werden, was sie zu einem potenziell wertvollen Vermögenswert für internationale Diversifikation macht.

Geringe Korrelation
Qualitativ hochwertige Edelsteine weisen eine geringe Korrelation mit traditionellen Finanzmärkten auf, was bedeutet, dass ihr Wert nicht immer im Einklang mit Aktien, Anleihen oder anderen Investitionen steht. Dies kann vorteilhaft für Diversifikationszwecke sein.

Tiefe Volatilität
Der Gemval Aggregate Index (GAV) hat seit 2006 eine jährliche Volatilität von knapp 4%.

Inneren Wert
Edelsteine haben einen inneren Wert aufgrund ihrer Seltenheit und der für ihre Gewinnung und Verarbeitung erforderlichen Ressourcen. Dieser Wert kann den Investoren ein gewisses Mass an Sicherheit bieten.

Warum dieser Edelstein?
Fokus auf Liquidität in Bezug auf Grösse und Qualität
Saphire mit einer Grösse von 4 bis 6 Karat , welche unbehandelt sind gelten als hochwertige Diamanten, die in der Schmuckindustrie sehr wertvoll und daher liquide sind. Diese Edelsteine werden oft in hochwertigen Schmuckstücken verwendet, da sie als selten und wertvoll gelten.

Hohe Farbintensität und höchste Klarheit
Der Edelstein weist mit "vivid blue" (lebhaftes blau) eine der höchsten Farbintensitäten auf. Der Stein ist "eye clear" (klar für das Auge) was der höchste Güte entspricht.

Tiefer Einstandspreis
Durch die Annahme einer direkten Lieferkette eliminiert unser Experte die Zwischenhändler, was sich postiv auf die Rendite auswirken sollte.

Warum in die Audemars Piguet Royal Oak investieren?

Das Erbe von Audemars Piguet
Die Manufaktur Audemars Piguet wurde 1875 gegründet. Die Royal Oak feiert 2022 das 50-jährige Jubiläum und gehört zu den beliebtesten Uhren der Welt.

Produktion und Exklusivität
Die Produktionsmenge von Audemars Piguet liegt bei maximal 40.000 Uhren pro Jahr. Nur ein Bruchteil davon sind Royal Oaks. Zum Vergleich, Rolex produziert jährlich rund 1.000.000 Uhren.

Ein Revolutionäres Konzept
Die Royal Oak ist eine exklusive Uhr, die sich dem Lebensstil ihres Besitzers anpasst - nicht umgekehrt. Dies mag heute fast selbstverständlich klingen, aber zu Beginn der 1970er Jahre war es keineswegs eine Selbstverständlichkeit. Obwohl die Kluft zwischen Sport- und eleganter Uhr damals unüberbrückbar schien, war es im Zuge des kulturellen Wandels der Zeit generell üblich, alle Unterschiede zu beseitigen.

Der Pionier der Luxus-Sportuhren
Die Royal Oak war der erste Zeitmesser, der als hochwertige Sportuhr entworfen wurde. Seitdem hat sie immer wieder ihre stilistischen Merkmale erneuert und in jeder Ära unverwechselbare Akzente gesetzt. Die Kollektion umfasst 50 Jahre später mehr als 500 Modelle. Ein Rückblick auf fünf Jahrzehnte kreativen Designs.

50 Jahre Feier mit dem neuesten Modell
Dieser 41-mm-Chronograph aus Edelstahl schmückt ein silberfarbenes Zifferblatt mit "Grande Tapisserie"-Muster, das das schlankere Design der neuen Royal Oak-Entwicklung gekonnt ergänzt. Er ist ausserdem mit dem ""50 Jahre""-Schwunggewicht ausgestattet.

Performance der Audemars Piguet 26331ST.OO.1220ST.03
Diese Referenz hat über die letzten fünf Jahre einen Wertzuwachs von über 116% erzielt. Im vergangenen Jahr betrug die durchschnittliche Verweildauer auf dem Markt für Audemars Piguet 26331ST.OO.1220ST.03-Angebote 93,2 Tage. Die mittlere Verweildauer lag bei 34 Tagen, wobei 25% der Angebote innerhalb von 10 Tagen und 75% der Angebote innerhalb von 92 Tagen verkauft wurden. Die Volatilität liegt bei niedrigen 6% und in den letzten 12 Monaten wurden insgesamt 211 Modelle auf dem Sekundärmarkt gehandelt.

"Albert Willem ist ein belgischer Künstler, der im Alter von 36 Jahren mit dem Malen begann und sich schnell auf Instagram etablierte. Seine Arbeiten starteten im Mai 2022 auf dem Auktionsmarkt durch und erreichte bis zum Ende des Frühlings rapide einen Höchststand von 213.955 US-Dollar. Im Januar 2023 trieb ein Bieter den Rekord des Künstlers bei Sotheby's auf 295.219 US-Dollar." - James Kerbey, Experte bei Maddox Advisory


Warum Albert Willem?

Belgien (1979)
Albert Willem, ein zeitgenössischer figurativer Künstler aus Brüssel, ist bekannt für seine skurrilen Gemälde, die sich durch einen naiven Stil auszeichnen, der mit Witz und Humor durchdrungen ist. Obwohl er keine formale Kunstausbildung hatte, tauchte er in Galerien, Museen und die Kunstszene auf Social-Media-Plattformen ein. Obwohl er als Kind Talent zum Zeichnen zeigte, legte er die Kunst von seinem 12. bis zum 36. Lebensjahr aufgrund von Universitäts- und Familienverpflichtungen beiseite. Vor etwa vier Jahren entfachte er seine Leidenschaft neu, indem er ein Gemälde für seine Wohnkultur schuf, was einen Wendepunkt markierte, den er humorvoll als "Midlife-Krise" bezeichnet.

Künstlerischer Stil
Im Laufe der Zeit hat Willem verschiedene Medien und Techniken erforscht, von Nagellack über Sprühfarbe bis hin zur Textilkunst. Gegenwärtig verwendet er hauptsächlich Acrylfarbe mit einem Hochglanzlack, um lebendige Farben zu erzielen. Während die Mehrheit seiner Werke auf Leinwand sind, verwendet er auch recycelten Karton als Malgrund. Sein künstlerischer Prozess ist schnell, oft werden die Stücke innerhalb von höchstens 48 Stunden fertiggestellt.

Über seine Kunstwerke
Seine Gemälde sind unkompliziert, manchmal wirken sie unfertig und zeigen kühn seine rudimentären technischen Fähigkeiten, während sie die rohe Energie eines Anfängers einfangen, der nicht durch künstlerische Konventionen eingeschränkt ist. Seine Werke stellen den Alltag auf eine humorvolle, aber ironische Weise dar und lassen sich oft von Künstlern wie LS Lowry, James Ensor und Breugel dem Älteren inspirieren, jedoch mit einem zeitgenössischen Twist. Willem hat seine Werke international in Deutschland, Russland und Belgien ausgestellt.

Die unendliche Conga
Im Januar 2021 begann Willem ein Projekt, eine "nie endende Conga-Linie" zu malen, indem er kontinuierlich weitere Kartonstücke mit Tanzfiguren verzierte, um ihre Länge zu verlängern. Das Kunstwerk kann zum Verkauf aufgeteilt werden, sodass Käufer Segmente des Tanzes besitzen und gemeinsam an der Kunst teilnehmen können.

Aufstrebender Stern
Willem führt einen Grossteil seiner künstlerischen Reise auf soziale Medien zurück und verbringt täglich Stunden damit, Kollegenkünstler zu beobachten und von ihnen zu lernen. Er glaubt, dass die Exposition gegenüber neuer Kunst seinen eigenen Stil ständig weiterentwickelt und ihn dazu treibt, mit verschiedenen Themen und Techniken zu experimentieren.

Präsenz bei Auktionen
Willem's rascher Aufstieg zum Ruhm war bemerkenswert, wobei seine Werke ständig die geschätzten Werte deutlich überschritten. Sein Debütgemälde, Pilgrim Street 8 (2021), wurde für 69.000 US-Dollar verkauft, weit über seinem geschätzten Wert von 8.000 bis 12.000 US-Dollar. Sein Rekordverkauf, Snowbound (2021), erzielte bei Sotheby's Hongkong erstaunliche 225.000 US-Dollar, obwohl der Schätzpreis bei 13.000 bis 19.000 US-Dollar lag. Die Hälfte der 14 bei Auktionen im Jahr 2022 verkauften Werke erzielte über 150.000 US-Dollar, trotz bescheidener Schätzungen.

Warum in Günther Förg investieren?
Ein visionärer Künstler
Geboren 1952 und verstorben 2013, wurde Günther Förg zu einem der bedeutendsten Künstler der deutschen Nachkriegsgeneration. Er läutete eine neue Ära künstlerischer Erkundung ein und sprengte die Grenzen traditioneller Medien. Eines der bestimmenden Merkmale von Förgs Œuvre ist seine bemerkenswerte Vielfalt. Er bewegte sich nahtlos zwischen Skulptur, Malerei, Druckgrafik, Fotografie und Zeichnung und vermischte oft diese Medien, um hybride Werke zu schaffen, die künstlerische Konventionen herausforderten. Dieser interdisziplinäre Ansatz kündigte den Aufstieg der Installationskunst an und machte Förg zu einem Visionär seiner Zeit voraus.

Frühe Jahre und konzeptionelle Grundlagen
Er studierte von 1973 bis 1979 an der Akademie der Bildenden Künste München. In diesen frühen Jahren malte Förg fast ausschliesslich schwarze monochrome Acrylbilder mit einem durchscheinenden grauen Überzug, der eine verschleierte Oberflächenwirkung erzeugte. Diese frühen Untersuchungen von Monochromie und Abstraktion bildeten die Grundlage für sein Engagement für den Konzeptualismus im Gegensatz zum vorherrschenden Trend der figürlichen Malerei zu dieser Zeit.

Fotografie und internationale Anerkennung
Anfang der 1980er Jahre gab Förg die Malerei vorübergehend auf, um sich auf die Fotografie zu konzentrieren und bedeutende Architektur aus einzigartigen Perspektiven zu dokumentieren. Seine grossformatigen, körnigen fotografischen Werke erhielten kritische Anerkennung und wurden international in grossen Museen ausgestellt.

Grenzen verwischen: Skulptur und Malerei
Ende der 1980er Jahre kehrte Förg zur Malerei zurück, jedoch mit der Einbeziehung neuer Materialien wie Holz, Blei und Bronze, wodurch die Grenzen zwischen Skulptur und Malerei verwischt wurden. Bei der Schaffung von Bronzeskulpturen behandelte er die Oberfläche wie Pinselstriche, wodurch er eine malerische Qualität in die dreidimensionale Kunst einbrachte.

Die ikonischen Gitterbilder
Ab den 1990er Jahren tauchten die berühmten "Gitterbilder" in Förgs Werk auf. Eine Art Synthese, die seine Experimente mit Konzeptualismus und seine Forschungen zur Architektur umfasste, schufen die Gitterbilder die Illusion von Raum und Struktur. Später integrierte Förg eine hellere Farbpalette und einen expressiveren Ansatz in seine Gitter durch die Verwendung von sich kreuzenden Farben und lebhaften Pinselstrichen.

Arbeiten auf Papier und das modernistische Erbe
Förg beschäftigte sich auch mit Arbeiten auf Papier, wobei er Acryl, Öl und Gouache auf verschiedenen Oberflächen mit gestischer Leichtigkeit anwendete. In verschiedenen Masstäben arbeitend, ging er seine Werke mit gestischer Leichtigkeit und einer improvisierten Hand an, wobei er formale und chromatische Beziehungen auf einer zweidimensionalen Oberfläche ansprach. Während seiner gesamten Karriere blieb Förg dem Erforschen des Modernismus und seines Erbes verpflichtet und sprengte mit jeder neuen Erkundung künstlerische Grenzen.

Renommierte Sammlungen
Heute befinden sich seine Werke in den Sammlungen des Hamburger Bahnhofs in Berlin, der Tate Modern in London, des Museums für Moderne Kunst in Frankfurt, des Museum of Modern Art in New York, des San Francisco Museum of Modern Art, des Broad in Los Angeles und des Louisiana Museum of Art in Dänemark, unter anderen.

Ausgewählte Einzelausstellungen
2024
Galerie Edouard Simoens, 'Günther Förg', Knokke-Heist, Belgien
CAC Málaga, 'Günther Förg: Legacy of Modernism', Málaga, Spanien
Galerie Max Hetzler, 'Häuser Und Fenster', Berlin, Deutschland

2023
Galerie Bärbel Grässlin, 'Günther Förg: A Silence Already Filled With Noises', Frankfurt, Deutschland Hauser & Wirth, ‘Günther Förg: Tupfenbilder,’ London, UK
Galerie Lelong & Co., 'Peintures sur Canson', Paris, Frankreich

2022
Galerie Thomas, 'Günther Förg', München, Deutschland
Galerie Max Hetzler, 'Günther Förg: Exposition Collective 1974-2007', Berlin, Deutschland

2021
Tarmak22, 'Günther Förg: Mostly Landscapes', Gstaad, Schweiz
Galerie Lelong & Co.,'Günther Förg: Petits Formats', Paris, Frankreich
Galerie Max Hetzler, 'Günther Förg: Constellations of Color', London, UK
Hauser & Wirth, 'Günther Förg: Appearance', Los Angeles, CA
Almine Rech Gallery, 'Günther Förg: A Game of Chess', Paris, Frankreich

2020
Galerie Edouard Malingue, 'Günther Förg: 1986-1992', Hongkong
Galerie Lelong, 'Günther Förg: ""Standomi un giorno solo a la fenestra...”', Paris, Frankreich
Galerie Bärbel Grässlin, 'Günther Förg: Ohne Titel, 2008', Frankfurt, Deutschland
Hauser & Wirth, 'Günther Förg: Surface of Bronze', Zürich, Schweiz
Galerie Mikael Andersen, 'Günther Förg: Works 1988-2007', Kopenhagen, Dänemark

Ausgewählte Gruppenausstellungen
2024
Galerie Thomas, 'Diversity in Visions', München, Deutschland
Almine Rech, 'Monaco Opening Show', Monaco
Galerie Max Hetzler, 'On Paper', Paris, Frankreich
Galerie Max Hetzler, 'Works from the Eighties and Nineties', Berlin, Deutschland
Skarstedt, 'Selected Works', Paris, Frankreich

2023
Galerie Max Hetzler, 'Remembering, Envisioning, Sensing Landscape', Berlin, Deutschland
Galerie Max Hetzler, 'Surface Works', London, UK

2022
Galerie Thomas, 'Works on Paper - Highlights', München, Deutschland
Almine Rech, 'Dialogues', Paris, Frankreich
Hauser & Wirth, 'Chromophilia', Zürich, Schweiz
macLYON Musée d'art contemporain de Lyon, 'Une histoire de famille : Collection(s) Robelin', Lyon, Frankreich

2021
Almine Rech, 'Portraits / Abstraits', Paris, Frankreich
Almine Rech, 'Un Hiver à Paris', Paris, Frankreich
Galerie Arnoldi-Livie, 'Master Drawings 1500-1950: Kulmbach to Beckmann and Picasso. In Dialogue with works by Günther Förg and Fred Sandback', München, Deutschland
Galerie P. W. Richard, 'Sean Scully / Robert Mangold / Günther Förg / etc.', Berlin, Deutschland

2020
Galerie Thomas, 'Shaping Contemporary Art', München, Deutschland
Galerie Max Hetzler, 'FIAC at the gallery', Paris, Frankreich
Salon Dahlmann, 'Abstract Art from the Miettinen Collection', Berlin, Deutschland
Galerie Edouard Simoens, 'Summer Exhibition', Knokke-Heist, Belgien
Galerie Max Hetzler, ‘Bed and Clock, Moon and Beach: Edvard Munch’, Berlin, Deutschland
Hauser & Wirth, 'Stronger than Language', St. Moritz, Schweiz
Galerie Lelong, ‘Rhythms and Vibrations‘, Paris, Frankreich

Warum in die Serie Untitled 87 investieren
Ein einzigartiges Medium
Die dunklen Aquarelle der Serie Untitled 87 vermitteln eine Schwere, die für dieses Medium ungewöhnlich ist. Sie erinnern an einen Blick aus dem Fenster, wo die langsam einfallende Nacht oder ein schwarz bemaltes Fensterglas die direkte Sicht auf die dahinterliegende Landschaft blockiert. Gelegentlich leuchten nur wenige farbige Flecken auf. Schwarz dominiert die Bildstruktur, ordnet und organisiert die Komposition, löst sie manchmal sogar auf. In diesen Werken verwendet Förg auch figurative Elemente. Man erkennt Fensterrahmen, Kreuze und sogar Spinnweben, aber diese könnten auch einfach abstrakte Formen sein.

Renommierte Galerien
Seit 2018 wird der Nachlass des Künstlers von Hauser & Wirth vertreten, einer der weltweit renommiertesten Galerien. Dies hat dazu beigetragen, Förgs Werk einem breiteren Publikum und neuen Generationen international durch Ausstellungen näherzubringen und die Veröffentlichung des Werkverzeichnisses des Künstlers zu unterstützen. Von 2021 bis 2024 sind die Preise bei ausgewählten vergleichbaren Auktionen um +84% gestiegen.

Auf dem Vormarsch
Günther Förg belegt Platz 119 in den Top-500-Weltranglisten von Artprice.com der meistverkauften Künstler bei Auktionen im Jahr 2024, basierend auf dem Umsatz. 2023 belegte er Platz 158 und 2022 Platz 167. Förg gilt als einer der bedeutendsten deutschen Künstler der Nachkriegsgeneration. Sein Werk hat in der Kunstwelt kritische Anerkennung und Beachtung gefunden, was es bei Sammlern und Investoren sehr begehrt macht.

Unter Marktwert
Die Auktionspreise für ähnliche Werke – mehrteilige Aquarelle auf Papier – sind von $6.144/Teil im Jahr 2021 auf $11.300/Teil im Jahr 2024 gestiegen, was über 2,5 Jahre einen Anstieg von 84% und durchschnittlich 34% pro Jahr bedeutet. Darüber hinaus wurde das angebotene Kunstwerk („Untitled 87“) zu einem Preis von 34% unter dem aktuellen Marktpreis bewertet ($7.500/Teil), was eine zusätzliche potenzielle Rendite von 11% jährlich bietet.

„Mit diesem Sneaker hat alles angefangen! Eine unglaubliche Story und eine einzigartige Chance in ein Stück Geschichte zu investieren“ - Constantin Philippi, Sneaker Expert

Warum in die Nike Air Jordan 1 OG 1985 Bred investieren?
Die ikonischste Silhouette
Der Nike „Air Jordan 1“ ist die ikonischste Silhouette in der Geschichte des Sneakers - sowohl im Streetwear-Bereich als auch im Basketball-Umfeld. Der originale Air Jordan 1 aus dem Jahr 1985 markiert den Beginn der Air Jordan-Marke für Nike. Entworfen von Peter Moore, ist der Sneaker seit seiner Markteinführung im Jahr 1985 ein zeitloser Klassiker.

Die Einführung der Signaturlinie
1984 führte Nike Michael Jordan seine eigene Signaturlinie von Schuhen und Kleidung ein, ein entscheidender Schritt, der ihn überzeugte, bei der Marke zu unterschreiben. Dieser bahnbrechende Ansatz war der erste seiner Art für Nike und ebnete den Weg für die vielen Spielerkooperationen, die folgten. Der Begriff „Air Jordan“ wurde von Michael Jordans Agenten David Falk geprägt, der sich von den luftgefüllten Sohlen der Nike-Schuhe und Jordans schwebendem Spielstil inspirieren ließ.

Eine fortlaufende Tradition
Die ursprünglichen Air Jordan 1 waren so erfolgreich, dass Nike weiterhin jede Saison neue Air Jordan-Modelle herausbrachte, eine Tradition, die auch nach Jordans Rücktritt fortgesetzt wurde. Seit ihrer Einführung verkörpern die Air Jordans den Höhepunkt des Sneaker-Designs, bekannt für ihre Qualität, Handwerkskunst, innovativen Materialien, Leistung und Stil.

Das Modell „Bred“
Ein bemerkenswertes Beispiel ist dieser schwarz-rote oder auch „Bred“ genannte Jordan 1. Ein makelloses Paar aus dem Jahr 1985. Dieses Modell erlangte Berühmtheit durch den umstrittenen „Banned“ Nike-Werbespot.

Die Kontroverse um die „Banned“ Air Ships
1984 sorgten Jordans schwarz-rote Air Ships für Aufregung, als die NBA im Februar 1985 einen Brief an Nike schickte, in dem sie erklärte, dass die Schuhe gegen die Uniformbestimmungen der Liga verstoßen. Nike nutzte diese Kontroverse mit einer Werbekampagne, die Jordans „verbotene“ Schuhe hervorhob und wie folgt erklärte: „Die NBA warf sie aus dem Spiel, zum Glück kann die NBA dich nicht daran hindern, sie zu tragen.“

Ein Akt des Widerstands
Trotz des Verbots gaben Jordan und Nike nicht nach. Während Jordan in der Saison 1984-1985 brillierte, trug er die Schuhe weiterhin und musste jedes Spiel eine Strafe von 5000 Dollar zahlen. Nike übernahm die Strafen, was damals eine erhebliche Ausgabe für das Unternehmen war, aber dieser Akt des Widerstands begründete ein Vermächtnis, das dazu beitrug, die Jordan-Marke zu einem Unternehmen mit einem Wert von über 2 Milliarden Dollar zu machen.

Entstehung der Air Jordan-Marke
Die Air Jordan-Marke entstand aus dieser ikonischen Kampagne und festigte Michael Jordans Status als Stilpionier in der Liga.

Historische Wertsteigerung
Verkauft für 64,99 US-Dollar im Jahr 1985, gibt es nur wenige Sneaker mit einer ähnlich hohen Wertsteigerung. 2020 wurde ein Exemplar für 15.120$ bei Sothebys verkauft, 2022 für 27.300€ bei StockX und im November 2023 für 35.000$ bei Heritage Auctions. Dies eintspricht einer annualisierten Wertsteigerung von 18% über die letzten 38 Jahre. Logischerweise existieren kaum noch neue, unberührte Exemplare aus dem Jahr. Unser Exemplar kommt ausserdem mit dem original Hangtag, was äusserst selten ist.

"Erlebe die faszinierende Welt der LEGO® Ninjago™ Sets, die Sammler und Investoren gleichermassen begeistern. Die Modelle Ninjago City (70620), Ninjago City Hafen (70657), Ninjago City Gardens (71741) und Ninjago City Markets (71799) bieten detailliertes Design und authentische Szenen aus dem Ninjago-Universum. Ninjago City (70620) begeistert mit seiner dreistöckigen Konstruktion, die einen Fischmarkt, ein Modegeschäft, eine Sushibar und 16 Minifiguren umfasst. Ninjago City Hafen (70657) beeindruckt mit einem funktionstüchtigen Kran, einer Spielhalle und 13 Minifiguren. Ninjago City Gardens (71741) feiert das 10-jährige Jubiläum von Ninjago mit 19 Minifiguren, einer Eisdiele und einem Museum. Ninjago City Markets (71799), das grösste Modell, erstreckt sich über vier Etagen mit einer Seilbahn, einem Karaoke-Club und 21 Minifiguren. Die hohe Detailtreue und die limitierte Verfügbarkeit dieser Sets machen sie zu begehrten Sammlerstücken. Ihre Popularität und die ikonische Bedeutung im Ninjago-Universum bieten zudem das Potenzial eines lohnenden Investments. Die Kombination aus Seltenheit, liebevoller Gestaltung und hoher Nachfrage spricht für eine langfristige Wertsteigerung, wodurch sie zu einer klugen Ergänzung jeder Sammlung und jedes Portfolios werden. Investiere in diese exklusiven LEGO® Ninjago™ Sets und sichere Dir ein Stück faszinierender Klemmbaustein-Kunst." - André Schulze, GOLDSTEIN.SHOP


Warum in LEGO Ninjago investieren?
Die Investition in LEGO Ninjago Sets kann aus mehreren Gründen attraktiv sein, die Faktoren wie Sammlerwert, Marktnachfrage und kulturelle Relevanz kombinieren. Hier sind einige wichtige Punkte, die du beachten solltest:

Kulturelle Auswirkung
LEGO Ninjago hat eine starke Fangemeinde dank seiner zugehörigen TV-Serie und Filme. Diese Popularität trägt dazu bei, die Nachfrage nach den Sets aufrechtzuerhalten. Die kontinuierliche Veröffentlichung neuer Sets und Handlungsstränge hält das Thema frisch und ansprechend für sowohl neue als auch zurückkehrende Fans.

Begrenzte Verfügbarkeit
Wie viele LEGO-Themen werden auch Ninjago-Sets oft nach einigen Jahren eingestellt. Einmal eingestellt, werden Sets aufgrund ihrer Seltenheit typischerweise wertvoller. Einige Sets werden als exklusive oder limitierte Auflagen veröffentlicht, was ihr Potenzial für einen höheren zukünftigen Wert steigert.

Hochwertiges Design
Ninjago-Sets zeichnen sich oft durch aufwendige Designs, einzigartige Minifiguren und besondere Teile aus, die Sammler ansprechen können. Diese Sets sind so gestaltet, dass sie sowohl beim Spielen als auch beim Anschauen Spass machen und für Kinder und erwachsene Sammler gleichermassen attraktiv sind.

Sekundärmarkt-Trends
Viele eingestellte Ninjago-Sets haben auf Sekundärmärkten wie eBay und BrickLink einen signifikanten Wertzuwachs gezeigt. Dieser Trend deutet auf ein gutes Investitionspotenzial hin. Die starke und aktive Community von LEGO-Enthusiasten, insbesondere diejenigen, die Ninjago gewidmet sind, trägt dazu bei, den Sekundärmarkt zu erhalten und die Nachfrage und Preise für begehrte Sets zu steigern.

Crossover-Reiz
Ninjago integriert oft Elemente aus verschiedenen Genres wie Fantasy, Kampfkunst und Science-Fiction, was eine breite Zielgruppe über LEGO-Sammler hinaus anspricht.

Nostalgie-Faktor
Mit zunehmendem Alter der Ninjago-Serie gewinnt sie nostalgischen Wert. Ursprüngliche Fans, die mit der Serie aufgewachsen sind, könnten als Erwachsene Sets suchen, was die Nachfrage und den Wert im Laufe der Zeit erhöht.

Historische Leistung
Die Analyse der Vergangenheitsleistung zeigt, dass bestimmte Ninjago-Sets nach ihrer Einstellung signifikant an Wert gewonnen haben. Dies kann ein nützlicher Indikator für potenzielle zukünftige Gewinne sein.

Zusammenfassend kann die Investition in LEGO Ninjago-Sets aufgrund der anhaltenden Beliebtheit des Themas, der begrenzten Verfügbarkeit von Sets und der starken Leistung auf dem Sekundärmarkt eine kluge Entscheidung sein. Sammler und Investoren können von der einzigartigen Kombination aus Spielbarkeit, kultureller Relevanz und Nostalgie profitieren, die mit diesen Sets verbunden ist.

Unser Ninjago Lego-Release enthält die folgenden Sets:
LEGO Ninjago City (70620) - 5 Sets
LEGO Ninjago City Docks (70657) - 5 Sets
LEGO Ninjago Legacy - Die Gärten von Ninjago City (71741) - 30 Sets
LEGO Ninjago - Die Märkte von Ninjago City (71799) - 30 Sets

Gründe für die Auswahl dieser Sets:
LEGO Ninjago City
LEGO 70620 NINJAGO City, ein exklusives Set aus dem Film "The LEGO Ninjago Movie", wurde 2017 veröffentlicht und umfasst 4.867 Teile und 19 Minifiguren. Dieses Set zeigt ein detailliertes 3-stöckiges NINJAGO-Stadtmodell mit verschiedenen Orten wie einem Fischmarkt, einem Modegeschäft, einem Comicbuchladen, einem Krabbenrestaurant, einem Geldautomaten, einem Apartment und einer Dach-Sushi-Bar mit einem Förderband.
Nach einer 26-monatigen Markteinführung wurde das Set im November 2019 eingestellt. Zu den enthaltenen Minifiguren gehören Jay, Kai, Lloyd Garmadon in seinem grünen Ninja-Anzug, Misako, ein Jamanakai-Dorfbewohner, Sally, Ivy Walker, Konrad, Severin Black, Tommy, Guy, Juno, Mother Doomsday, ein Shark Army Gunner, Officer Noonan und ein Wartungsroboter namens Sweep. Das Set wurde vom LEGO-Designer Nick Vas entworfen.

LEGO Ninjago City Docks
LEGO 70657 NINJAGO City Docks, ein Set aus der Filmreihe "The LEGO Ninjago Movie", enthält 3.553 Teile und 14 Minifiguren. Es wurde 2018 veröffentlicht und war 15 Monate lang erhältlich, bevor es im November 2019 eingestellt wurde. Das Set enthält 13 NINJAGO-Minifiguren: Lloyd, Cole, Garmadon, Private Puffer, Runje, Chan Kong-Sang, Runme, Runde, Dareth, Lil’ Nelson, Mystake, Chad und Betsy.

LEGO Ninjago Legacy - Die Gärten von Ninjago City
LEGO 71741 NINJAGO City Gardens ist ein exklusives Ninjago-Set mit 5.685 Teilen und 19 Minifiguren. Es wurde 2021 im Rahmen der Feierlichkeiten zum 10-jährigen Jubiläum von LEGO NINJAGO veröffentlicht und enthält Verweise auf verschiedene Staffeln und Sets aus der Geschichte des Themas. Mit einer aktuellen Markteinführung von 40 Monaten im Vergleich zum durchschnittlichen Marktleben von 18 Monaten für Sets in diesem Thema könnte NINJAGO City Gardens möglicherweise in naher Zukunft eingestellt werden.
Die Minifiguren-Aufstellung des Sets umfasst Young Lloyd, Kai, Zane, Urban Cole, Urban Jay, Urban Nya, Golden Wu Legacy, Misako, Ronin, Hai, Cece, Mei, Clutch Powers, The Mechanic und Tito. Es wurde ursprünglich am 14. Januar 2021 den LEGO VIP-Mitgliedern angeboten, um das 10-jährige Jubiläum der Franchise zu markieren, was mit dem Premiere-Datum der ersten Episode zusammenfiel. Mit einer aktuellen Lebensdauer von 40 Monaten im Vergleich zur durchschnittlichen Lebensdauer von 18 Monaten für Sets in diesem Thema könnte NINJAGO City Gardens möglicherweise in naher Zukunft eingestellt werden. Die Minifiguren-Aufstellung des Sets umfasst Young Lloyd, Kai, Zane, Urban Cole, Urban Jay, Urban Nya, Golden Wu Legacy, Misako, Ronin, Hai, Cece, Mei, Clutch Powers, The Mechanic und Tito. Es wurde am 14. Januar 2021 den LEGO VIP-Mitgliedern angeboten, um das 10-jährige Jubiläum der Franchise zu markieren, was mit dem Premiere-Datum der ersten Episode zusammenfiel. Zusätzlich kann dieses Set mit 70620 Ninjago City und 70657 Ninjago City Docks kombiniert werden, um eine grössere Stadtkulisse zu schaffen. NINJAGO City Gardens wurde vom LEGO-Designer Markus Rollbuhler entworfen.

LEGO Ninjago - Die Märkte von Ninjago City
LEGO 71799 NINJAGO City Markets ist ein Ninjago-Set mit 6.163 Teilen und 21 Minifiguren. Es wurde 2023 veröffentlicht und präsentiert eine vierstöckige Stadtkulisse mit Geschäften, Restaurants, Büros, Apartments, einer Seilbahn, einem Aufzug, einem Boot, einer Brücke und sogar einer spülenden Toilette. Zu den enthaltenen Minifiguren gehören Blacksmith Kai, Urban Sora, Urban Arin, Detective Zane, Hounddog McBrag, Gayle Gossip, Chamille, Miss Demeanor und Dareth. Dieses Set wurde vom LEGO-Designer Markus Rollbuhler entworfen.

"Albert Willem ist ein belgischer Künstler, der im Alter von 36 Jahren mit dem Malen begann und sich schnell auf Instagram etablierte. Seine Arbeiten starteten im Mai 2022 auf dem Auktionsmarkt durch und erreichte bis zum Ende des Frühlings rapide einen Höchststand von 213.955 US-Dollar. Im Januar 2023 trieb ein Bieter den Rekord des Künstlers bei Sotheby's auf 295.219 US-Dollar." - James Kerbey, Experte bei Maddox Advisory


Warum Albert Willem?

Belgien (1979)
Albert Willem, ein zeitgenössischer figurativer Künstler aus Brüssel, ist bekannt für seine skurrilen Gemälde, die sich durch einen naiven Stil auszeichnen, der mit Witz und Humor durchdrungen ist. Obwohl er keine formale Kunstausbildung hatte, tauchte er in Galerien, Museen und die Kunstszene auf Social-Media-Plattformen ein. Obwohl er als Kind Talent zum Zeichnen zeigte, legte er die Kunst von seinem 12. bis zum 36. Lebensjahr aufgrund von Universitäts- und Familienverpflichtungen beiseite. Vor etwa vier Jahren entfachte er seine Leidenschaft neu, indem er ein Gemälde für seine Wohnkultur schuf, was einen Wendepunkt markierte, den er humorvoll als "Midlife-Krise" bezeichnet.

Künstlerischer Stil
Im Laufe der Zeit hat Willem verschiedene Medien und Techniken erforscht, von Nagellack über Sprühfarbe bis hin zur Textilkunst. Gegenwärtig verwendet er hauptsächlich Acrylfarbe mit einem Hochglanzlack, um lebendige Farben zu erzielen. Während die Mehrheit seiner Werke auf Leinwand sind, verwendet er auch recycelten Karton als Malgrund. Sein künstlerischer Prozess ist schnell, oft werden die Stücke innerhalb von höchstens 48 Stunden fertiggestellt.

Über seine Kunstwerke
Seine Gemälde sind unkompliziert, manchmal wirken sie unfertig und zeigen kühn seine rudimentären technischen Fähigkeiten, während sie die rohe Energie eines Anfängers einfangen, der nicht durch künstlerische Konventionen eingeschränkt ist. Seine Werke stellen den Alltag auf eine humorvolle, aber ironische Weise dar und lassen sich oft von Künstlern wie LS Lowry, James Ensor und Breugel dem Älteren inspirieren, jedoch mit einem zeitgenössischen Twist. Willem hat seine Werke international in Deutschland, Russland und Belgien ausgestellt.

Die unendliche Conga
Im Januar 2021 begann Willem ein Projekt, eine "nie endende Conga-Linie" zu malen, indem er kontinuierlich weitere Kartonstücke mit Tanzfiguren verzierte, um ihre Länge zu verlängern. Das Kunstwerk kann zum Verkauf aufgeteilt werden, sodass Käufer Segmente des Tanzes besitzen und gemeinsam an der Kunst teilnehmen können.

Aufstrebender Stern
Willem führt einen Grossteil seiner künstlerischen Reise auf soziale Medien zurück und verbringt täglich Stunden damit, Kollegenkünstler zu beobachten und von ihnen zu lernen. Er glaubt, dass die Exposition gegenüber neuer Kunst seinen eigenen Stil ständig weiterentwickelt und ihn dazu treibt, mit verschiedenen Themen und Techniken zu experimentieren.

Präsenz bei Auktionen
Willem's rascher Aufstieg zum Ruhm war bemerkenswert, wobei seine Werke ständig die geschätzten Werte deutlich überschritten. Sein Debütgemälde, Pilgrim Street 8 (2021), wurde für 69.000 US-Dollar verkauft, weit über seinem geschätzten Wert von 8.000 bis 12.000 US-Dollar. Sein Rekordverkauf, Snowbound (2021), erzielte bei Sotheby's Hongkong erstaunliche 225.000 US-Dollar, obwohl der Schätzpreis bei 13.000 bis 19.000 US-Dollar lag. Die Hälfte der 14 bei Auktionen im Jahr 2022 verkauften Werke erzielte über 150.000 US-Dollar, trotz bescheidener Schätzungen.

"Albert Willem ist ein belgischer Künstler, der im Alter von 36 Jahren mit dem Malen begann und sich schnell auf Instagram etablierte. Seine Arbeiten starteten im Mai 2022 auf dem Auktionsmarkt durch und erreichte bis zum Ende des Frühlings rapide einen Höchststand von 213.955 US-Dollar. Im Januar 2023 trieb ein Bieter den Rekord des Künstlers bei Sotheby's auf 295.219 US-Dollar." - James Kerbey, Experte bei Maddox Advisory


Warum Albert Willem?

Belgien (1979)
Albert Willem, ein zeitgenössischer figurativer Künstler aus Brüssel, ist bekannt für seine naiven Gemälde, die mit Witz und Humor gefüllt sind. Obwohl er keine formale Kunstausbildung hat, vertiefte er sich in Galerien, Museen und die Kunstszene in den sozialen Medien. Obwohl er in seiner Kindheit ein eifriger Zeichner war, gab er die Kunst von 12 bis 36 Jahren aufgrund von Universität und familiären Verpflichtungen auf. Vor etwa vier Jahren entfachte er seine Leidenschaft wieder, indem er ein Gemälde für seine Heimdekoration schuf, was einen Wendepunkt markierte, den er humorvoll als "Midlife-Crisis" bezeichnet.

Stil
Im Laufe der Zeit hat Willem mit verschiedenen Medien und Stilen experimentiert, von Nagellack über Sprühfarbe bis hin zu Textilkunst. Derzeit verwendet er hauptsächlich Acrylfarbe mit einem Hochglanzlack für leuchtende Farben. Während die meisten seiner Werke auf Leinwand sind, malt er auch auf wiederverwendetem Karton. Sein künstlerischer Prozess ist schnell und er fertigt seine Stücke in maximal 48 Stunden an.

Über seine Gemälde
Seine Gemälde sind direkt, manchmal unvollendet, und zeigen mutig seine elementaren technischen Fähigkeiten, fangen aber die reine Energie eines Anfängers ein, der nicht durch künstlerische Normen belastet ist. Er stellt das alltägliche Leben auf eine unbeschwerte, aber ironische Weise dar. Seine Werke zeigen oft humorvolle Momente und spiegeln den Einfluss von Künstlern wie LS Lowry, James Ensor und Breugel der Ältere mit einem modernen Twist wider. Willem hat seine Werke international in Deutschland, Russland und Belgien ausgestellt.

Die unendliche Conga
Im Januar 2021 begann Willem ein Projekt, bei dem er eine "endlose Conga-Linie" malte, indem er ständig weitere Kartonteile mit tanzenden Figuren hinzufügte, um die Länge zu verlängern. Das Kunstwerk kann für den Verkauf geteilt werden, sodass Käufer jeweils Segmente des Tanzes besitzen und gemeinsam an der Kunst teilnehmen können.

Der Aufstieg eines Stars
Willem schreibt den sozialen Medien einen erheblichen Einfluss auf seine künstlerische Reise zu und widmet täglich Stunden damit, andere Künstler zu beobachten und von ihnen zu lernen. Er glaubt, dass die ständige Auseinandersetzung mit neuer Kunst seinen eigenen Stil kontinuierlich weiterentwickelt und ihn dazu bringt, mit verschiedenen Themen und Techniken zu experimentieren.

Präsenz bei Auktionen
Willems schneller Aufstieg zum Ruhm war bemerkenswert, da seine Werke die geschätzten Werte durchweg bei weitem übertreffen. Sein Debütgemälde, Pilgrim Street 8 (2021), wurde für 69.000 Dollar verkauft, weit über dem geschätzten Wert von 8.000 bis 12.000 Dollar. Sein Rekordverkauf, Snowbound (2021), erzielte bei Sotheby's Hongkong erstaunliche 225.000 Dollar, trotz einer Schätzung von 13.000 bis 19.000 Dollar. Die Hälfte der 2022 versteigerten 14 Werke erzielte über 150.000 Dollar, trotz bescheidener Schätzungen.

Warum in En-Primeur Wein investieren?
Es handelt sich um die erste en primeur Anlage in diesem Jahr auf der Plattform. Bei en primeur (Subskription) Weinen investiert man in neuen, noch nicht in Flaschen abgefüllten Wein. Der Subskription Wein wird allerdings nicht in Fässern, sondern in Flaschen gehandelt. Die Käufe von Wein en primeur zu Investitionszwecken weisen Ähnlichkeiten zum Futures-Markt auf: Der Wein wird eingekauft, bevor er Reife erlangt, da der Käufer eine Preiserwartung für den Wein in der Zukunft hat.

Warum in Wein von Léoville investieren?
Grand Cru Classé
In der exklusiven Riege der Bordeaux-Weingüter erheben nur wenige einen berechtigten Anspruch auf den Status eines Grand Cru Classé. Unter diesen herausragenden Namen ist Château Léoville Las Cases zweifellos eine Ikone.

Tradition
Seit der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts gehört das Anwesen der Familie Delon, und seitdem hat es sich zu einer festen Grösse in der Welt des Bordeaux entwickelt. Der Release Preis des 2023er Leoville Las Cases liegt aufgrund der höheren Leseerträge ganze 40% unter dem 2022er Jahrgang und daher ein erhebliches Potential.

Die Erwartung an die Subskription Investition in Wein aus dem Château Léoville lässt sich folgendermassen zusammenfassen: Es handelt sich um ein aufstrebendes Weingut, welches laufend gute Weinkritiken erhält und deren Flaschenpreise ein hervorragendes Preis- Leistungsverhältnis aufweisen.

Warum in Whitlaw Fässer investieren?
Synonym für Exzellenz
Whitlaw Whisky wird oft mit der renommierten Highland Park Brennerei verbunden, bekannt für ihre Handwerkskunst in den malerischen Whitlaw Hills auf den Orkney-Inseln. Der einzigartige Torf der Orkneys, unterschiedlich von dem des Festlandes, verleiht dem Whisky einen dezenten rauchigen Geschmack, der durch aromatische Untertöne ergänzt wird.

Charakteristisches Geschmacksprofil
Der Stil der Whitlaw Brennerei zeichnet sich durch eine köstliche Kombination aus süssen, honigartigen und würzigen Malzgeschmacksnoten aus, oft begleitet von fruchtigen Nuancen und einem anhaltenden, mild rauchigen Abgang. Trotz ihrer mysteriösen Ursprünge gedieh Highland Park, die Brennerei hinter Whitlaw, im letzten Teil des 19. Jahrhunderts und trug zur Herstellung von Mischungen bei.

Schneller Aufstieg und wachsende Beliebtheit
Obwohl die erste Abfüllung als Single Malt erst Ende der 1970er Jahre erfolgte, hat die Whitlaw Brennerei seither erheblichen Auftrieb erhalten. Ihre Beliebtheit unter Whisky-Enthusiasten ist robust und steht oft in Konkurrenz zum Kultstatus von Ardbeg innerhalb der Whisky-Community.

Die Geschichte von Highland Park
Entstehung und Expansion
Der Bau auf dem Gelände einer ehemaligen Sägemühle begann 1878 unter der Leitung von James Stewart. Finanzielle Schwierigkeiten führten dazu, dass Robert Dick und William Grant den Bau übernahmen, die Konstruktion abschlossen und im Dezember 1879 mit der Produktion begannen. Highland Distillers wurde 1887 durch eine Partnerschaft zwischen Glenrothes und Bunnahabhain gegründet, was durch die Installation weiterer Brennblasen zu einer Steigerung der jährlichen Produktion auf 1,36 Millionen Litern bis 1898 führte.

Überwindung von Widrigkeiten
Brände in den Jahren 1897 und 1922 sowie beinahe eine Zerstörung durch eine Explosion im Jahr 1903 stellten bedeutende Herausforderungen dar. Die Brennerei erwies sich jedoch als widerstandsfähig und wurde nach jedem Vorfall repariert oder wieder aufgebaut. Die Produktion wurde vorübergehend durch die Prohibition, den Ersten Weltkrieg und den Börsenkrach von 1929 unterbrochen, aber Glenrothes erholte sich bald und erlebte Erweiterungen im Jahr 1963 und 1979, einschliesslich Änderungen in den Heizmethoden.

Ein Wechsel in der Eigentümerschaft
Der Verkauf des Glenrothes Vintage 1979 im Jahr 1994 markierte einen Wendepunkt. Im Jahr 1999 erwarb die Edrington Group Highland Distillers, einschliesslich Glenrothes. Anschliessend wurden im Jahr 2010 die Rechte an der Whisky-Marke an Berry Bros & Rudd übertragen.

Warum in Tiger Woods investieren?

Tiger Woods ist ein professioneller amerikanischer Golfer, geboren am 30. Dezember 1975 in Cypress, Kalifornien. Weithin als einer der grössten Golfer aller Zeiten angesehen, hat Woods 82 Turniere auf der PGA Tour gewonnen (platzgleich) und 15 Grand-Slam-Titel. Im Laufe seiner Karriere hat er zahlreiche Rekorde im Golf aufgestellt und war eine ikonische Figur im modernen Sport.

Anfang
Als er seine professionelle Karriere 1996 begann, wurde Woods schnell eine dominierende Kraft im Golf. Er gewann sein erstes Major, die Masters 1997, mit einer Rekordleistung von 12 Schlägen Vorsprung. Während des ersten Jahrzehnts des 21. Jahrhunderts war Woods der herausragende Golfer, der zwischen 1999 und 2004 264 Wochen lang ununterbrochen den ersten Platz in der Weltrangliste belegte und erneut zwischen 2005 und 2010 281 Wochen lang. In dieser Zeit gewann er 13 Grand-Slam-Titel.

Auktionen
Einige von Tigers Auftritten bei Auktionen;
Im Jahr 2018 wurden ein Paar von Nike-Golfschuhen, die von Woods getragen und von ihm signiert wurden, bei einer Auktion für 10.000 $ verkauft.
Im November 2022 wurde der Titleist 1 Golfball, den Tiger Woods benutzte, als er sein erstes professionelles Hole-in-One erzielte, bei Heritage Auctions in Dallas, Texas, für einen Rekordpreis von 186.000 $ verkauft.
Tigers Scorecard aus seinem allerersten professionellen Golfturnier wurde im März 2023 für erstaunliche 104.741 $ bei TheGolfAuction.com verkauft.

Warum dieses getragene Stanford Nike-Polo?

Tiger trug dieses weisse Stanford-Polo während der dritten Runde des Farmers Insurance Open am 27. Januar 2013. Woods hat dieses Polo mit 'Go Stanford, 27.01.13, R3 Farmers Insurance Open' beschriftet. Am folgenden Tag gewann Tiger sein 75. PGA-Turnier. Dieses äusserst seltene Stanford Nike Polo ist echt und authentisch, da es von Tiger Woods während des Turniers getragen wurde und rechtlich direkt von Tiger Woods beschafft wurde.

Warum in KAWS und Dior investieren?

KAWS
Geboren als Brian Donnelly in Jersey City, New Jersey, entwickelte er während seiner Kindheit ein Interesse an Graffiti, inspiriert von Nachbarskindern und traditionellen Malern des Lebens. Er begann Anfang der 1990er Jahre als Graffiti-Künstler in New York City und verfolgte dann eine unabhängige Karriere bei Disney und erlangte Anerkennung für seine Beiträge zu animierten Produktionen. Ende der 1990er Jahre wagte sich KAWS in das Design und die Produktion von limitierten Editionen von Spielzeugen, die international anerkannt wurden, insbesondere in Japan. Zusammenarbeiten mit renommierten Marken und Neugestaltungen ikonischer Charaktere erweiterten weiter seinen Einfluss und seine Beliebtheit in den Bereichen Kunst und Popkultur.

Dior
Christian Dior, geboren 1905 in Granville, Frankreich, gründete 1946 seine gleichnamige Marke. Im Jahr 1947 präsentierte er seine erste Kollektion, bekannt als der ""neue Look"", der die Nachkriegsmodewelt revolutionierte. Seitdem ist die Marke über sechs Jahrzehnte relevant geblieben und gilt als Massstab im Luxusmarkt.

Warum KAWS x Dior BFF Plüschset?

Die dynamische und sich ständig weiterentwickelnde Welt der zeitgenössischen Kunst und Mode brachte 2019 eine Zusammenarbeit hervor, die Enthusiasten weltweit begeisterte: die KAWS x Dior BFF-Figuren. Diese rosa und schwarzen Plüschfiguren vereinen die ikonische Kunst von KAWS mit dem Luxus von Dior, um eine fesselnde Limited Edition für Sammler zu schaffen.
Im Mittelpunkt dieser Zusammenarbeit stehen die "BFF"-Charaktere, eine Kreation des renommierten Künstlers Brian Donnelly, besser bekannt als KAWS. Mit ihren charakteristischen durchgestrichenen Augen und abstrakten, cartoonartigen Merkmalen sind die besten Freunde ein Symbol für KAWSs künstlerischen Stil und eine gefeierte Figur in der Welt der Strassenkunst und der modernen Kultur. Ihr verspieltes Design zieht Kunstliebhaber und Sammler weltweit an.
Was die KAWS x Dior Plüschspielzeuge besonders macht, ist die aussergewöhnliche Partnerschaft zwischen KAWS und der französischen Luxusmodemarke Dior. Diese Zusammenarbeit überbrückt die Welten der Haute Couture und der zeitgenössischen Kunst und ist eine der ikonischsten Kooperationen der letzten Jahre. Sie vereint KAWSs modernes ästhetisches Empfinden mit der Eleganz und Raffinesse, für die Dior bekannt ist. Die KAWS x Dior BFF-Figuren sind der Traum eines jeden Sammlers. Ihre begrenzte Verfügbarkeit und die kombinierte Anziehungskraft von KAWSs künstlerischem Genie und Diors Prestige machen sie zu einem begehrten Objekt für Kunst- und Luxusliebhaber. Es ist nicht nur ein Plüschtier, sondern ein Ausdruck zeitgenössischer Kultur und ein Symbol für kulturellen Austausch.
Mit einer Höhe von jeweils 55 cm sind die Figuren ein beeindruckendes Kunstwerk, das sofort die Aufmerksamkeit auf sich zieht. Hier hat KAWS gezeigt, wie man die Welten der Strassenkunst und der Haute Couture verbindet und ein Gesprächsstück schafft, das Diskussionen über Kunst und Luxus anregt.

„Wir haben hier DIE beiden legendärsten Kanye West Sneaker - das letzte Modell der Nike x Kanye Ära und der erste Release der Adidas Kollaboration. Beide stehen für absolute Pop-Kultur Geschichte. Definitiv ein Investment wert!“ - Constantin Philippi, Sneaker Expert.

Warum in die Nike Air Yeezy 2 Red October & Adidas Yeezy Boost 750 OG Modelle investieren?
Über den Nike Air Yeezy 2 Red October
Kanye West entwarf seinen ersten Nike-Schuh auf einem Flug von Miami nach New York, was zu einer einzigartigen Zusammenarbeit führte. West war der erste Nicht-Athlet, der einen eigenen Schuh bei Nike designen durfte, unterstützt von Mark Smith und Nathan Van Hook. Seine Vision vereinte Elemente des Air Force 1, Air Jordan 3, Air Trainer 3 und Air Mag.

Der Air Yeezy wurde 2008 bei den Grammys enthüllt und 2009 veröffentlicht, was grossen Hype auslöste. Es folgten drei limitierte Farbvarianten. Der Air Yeezy 2 setzte ab 2012 diesen Erfolg fort, mit einem besonders begehrten Modell: dem Yeezy 2 Red October (Release 2014). Dieser wurde überraschend auf Twitter angekündigt und war innerhalb von Sekunden ausverkauft.

Der leuchtend rote Farbton zieht alle Blicke auf sich und macht ihn zum Highlight jedes Outfits. Das einzige andere Farbdetail sind die metallischen Goldspitzen der Schnürsenkel, die sich perfekt vom monochromen Design abheben. Dieser Schuh ist ein unverzichtbares Stück für jede Sneaker-Sammlung.

Der Red October markierte das Ende der Zusammenarbeit zwischen Kanye und Nike. Kanye verließ Nike, da ihm keine Royalties zugestanden wurden, trotz des großen Erfolgs seiner Designs. In einem Interview 2018 drückte er seine Enttäuschung darüber aus.

Der Nike Air Yeezy 2 Red October gilt nicht nur als absoluter Holy Grail unter Sneaker Sammlern, er markiert auch das Ende der Zusammenarbeit zwischen Nike und Kanye West. Der Schuh steht für Pop-Kultur und markierte auch ein neues Zeitalter in der Sneaker Welt. Seit dem Release werden Sneaker immer mehr als Investment wahrgenommen.

Der ursprüngliche Verkaufspreis lag bei 250$ im Jahr 2014. Der letzte Sale in der Größe US 10,5 bei StockX war 18.000€ und generell liegen Verkaufspreise auch gerne mal bei 23.000€. Denn auch hier kommt es auf die Größen drauf an. Beim Red October sind die größeren Größen, wie die US 10,5, beliebter und seltener.

Über den Adidas Yeezy Boost 750 OG
Der Adidas Yeezy Boost 750 OG, Kanyes erste Zusammenarbeit mit Adidas, revolutionierte die Sneakerwelt, als er 2015 auf den Markt kam. Der Sneaker besticht durch sein markantes, minimalistisches Design, das mit hochwertigem grauem Wildleder, einem auffälligen Mittelfußriemen und einer seitlichen Reißverschlussverkleidung versehen ist. Die innovative Boost-Sohle sorgt für unvergleichlichen Komfort und Dämpfung. Dieses Modell, das Kanyes ästhetisches Gespür und Adidas' technologische Expertise vereint, wurde schnell zu einem begehrten Sammlerstück und markierte den Beginn einer Ikone.

Partnerschaft zwischen dem Rapper und der Sportmarke. Der Yeezy Boost 750 OG bleibt ein Meilenstein in der Sneaker-Geschichte und ein Must-have für Sneaker-Enthusiasten weltweit. Der damalige Release Preis im Jahr 2015 lag bei 350$.

Der Yeezy Boost 750 OG von Adidas markiert den Anfang der legendären Zusammenarbeit zwischen dem Rapper und der deutschen Sportmarke. Es war das erste Modell, dass 2015 auf den Markt kam. Der Hype war enorm. Aber auch diese Kollaboration ist mittlerweile beendet. Ein signifikanter Teil des gesamten Adidas Umsatzes kam durch den Verkauf der Yeezy Sneaker.

Für eine weitere positive Wertentwicklung in der Zukunft spricht: Die Bekanntheit von Kanye West. Jeder kennt ihn. Und: Er ist gleichermassen Genie & Wahnsinn in einer Person. Aber: Alles was er anfasst wird zu Gold. Er schafft es immer im Gespräch zu bleiben (stellte sich selbst zur US-Präsidentschaftswahl 2024 auf). Es gibt wohl kaum eine prägnantere Persönlichkeit im Show Business als Kanye West. Und das wird er noch lange bleiben! Die Vergangenheit hat gezeigt, dass jede Handlung von Kanye West der Wertentwicklung seiner Sneaker nicht geschadet hat.

Die LEGO Star Wars Ultimate Collector Series (UCS) ist eine renommierte Linie von LEGO-Sets, die für fortgeschrittene Baumeister und erwachsene Sammler konzipiert wurde. Diese Sets sind für ihre grosse Skalierung, komplexen Details und hohe Anzahl an Teilen bekannt. Hier sind einige wichtige Punkte über die UCS-Linie:

Geschichte und Entwicklung
Einführung: Die UCS-Linie wurde im Jahr 2000 mit der Veröffentlichung des TIE Interceptors und des X-wing Fighters ins Leben gerufen. Diese Sets markierten den Beginn einer neuen Ära für LEGO und sprachen erwachsene Fans von LEGO und Star Wars an.
Wachstum: Im Laufe der Jahre hat sich die UCS-Linie erweitert, um einige der ikonischsten Schiffe, Fahrzeuge und Orte aus dem Star Wars-Universum einzuschliessen. Die Sets werden regelmässig veröffentlicht, normalerweise ein oder zwei grosse Sets pro Jahr.

Eigenschaften
Grösse und Skalierung: UCS-Sets sind für ihre grosse Grösse bekannt, oft mehrere Male größer als Standard-LEGO-Sets. Dies ermöglicht einen hohen Detail- und Genauigkeitsgrad.
Teileanzahl: Diese Sets haben typischerweise eine sehr hohe Anzahl von Teilen, die oft mehr als 1.000 Teile überschreitet. Einige der grössten Sets haben über 7.000 Teile.
Detail und Komplexität: UCS-Sets sind darauf ausgelegt, so detailliert und genau wie möglich zu sein. Dazu gehören Funktionen wie komplexe Innenräume, bewegliche Teile und authentische Designelemente. Präsentation: Viele UCS-Sets werden mit Display-Ständern und Plaketten geliefert, was sie ideal für Präsentationszwecke macht. Sie werden oft als zentrale Stücke in Sammlungen betrachtet.

Sammlerwert und Wert
Begrenzte Produktion: UCS-Sets werden oft in begrenzten Stückzahlen hergestellt, was sie bei Sammlern sehr begehrt macht. Einige ältere Sets, besonders solche, die nicht mehr produziert werden, können auf dem Sekundärmarkt hohe Preise erzielen.
Investition: Viele Sammler betrachten UCS-Sets als Investitionen. Sets, die gut gepflegt und in ihrer Originalverpackung aufbewahrt werden, können im Laufe der Zeit erheblich an Wert gewinnen.

Gemeinschaft und Kultur
Fan-Engagement: Die UCS-Linie hat eine engagierte Fangemeinde. LEGO bindet oft Fans in den Designprozess ein, auch durch Programme wie LEGO Ideas.
Veranstaltungen und Veröffentlichungen: Neue UCS-Set-Veröffentlichungen sind hoch erwartete Ereignisse innerhalb der LEGO- und Star Wars-Communitys. LEGO kündigt oft Monate im Voraus neue Sets an und schürt damit die Aufregung und Spekulationen unter den Fans.

Unsere Star Wars Lego-Veröffentlichung enthält die folgenden Sets:
LEGO Star Wars The Razor Crest (75331)
LEGO Star Wars - AT-AT (75313)
LEGO Star Wars Republic Gunship (75309)

Gründe für die Auswahl dieser Sets:

LEGO Star Wars The Razor Crest
Das LEGO-Set 75331, The Razor Crest, ist eine Star Wars-Exklusivität, die 2022 veröffentlicht wurde und 6.187 Teile und 4 Minifiguren enthält. Das Set zeigt ein hochdetailliertes Interieur mit herausnehmbaren Abschnitten für eine bessere Sicht. Die enthaltenen Minifiguren sind Der Mandalorianer, Der Mythrol, Kuiil, eine Grogu-LEGO-Figur in einem Kinderwagen und eine Blurrg-Figur.
Dieses Set repräsentiert die sechste offizielle Version des Kopfgeldjägerschiffs, nach Sets wie 75292 The Razor Crest, 75321 The Razor Crest Microfighter, einem Razor Crest-Folienpaket und Modellen in den Adventskalendern von 2020 und 2021. Der Razor Crest wurde vom LEGO-Designer Cesar Soares entworfen.

LEGO Star Wars - AT-AT
Das Set 75313 AT-AT, das 2021 veröffentlicht wurde, ist eine exklusive Star Wars Ultimate Collector Series mit 6.785 Teilen. Dieser Minifiguren-skalierbare AT-AT enthält 9 Minifiguren: Luke Skywalker, General Veers, einen Schneesturmkommandanten, 4 Schneestürmer und 2 AT-AT-Fahrer sowie 2 Speeder-Bikes. Das Set bietet Platz für 40 LEGO-Minifiguren im Hauptkörper und enthält Platz für 4 Speeder-Bikes, wovon 2 im Set enthalten sind. Entworfen im wahren Minifigurenmaßstab wurde der AT-AT vom LEGO-Designer Henrik Andersen erschaffen.

LEGO Star Wars Republic Gunship
Das LEGO-Set 75309 Republic Gunship, das 2021 veröffentlicht wurde, ist eine Star Wars-Exklusivität mit 3.292 Teilen und enthält zwei Minifiguren: einen Clone Trooper Commander mit einem Blaster und Mace Windu mit einem Lichtschwert. Das Set ist von der ikonischen Schlacht von Geonosis aus Star Wars: The Clone Wars inspiriert.
Es wurde im November 2023 nach einer Laufzeit von 27 Monaten eingestellt. Über 30.000 Fans haben im Februar 2021 in einer Umfrage von LEGO Ideas für die Produktion des Republic Gunship gestimmt. Das Set misst 33 cm Höhe, 74 cm Breite und 68 cm Länge und wurde vom LEGO-Designer Hans Burkhard Schlömer entworfen.

Der Audi R8 V10 wird zunehmend zum modernen Klassiker mit manuellen Autos, die man haben muss. Mit zeitlosem Design und internationaler Berühmtheit dank der Iron-Man-Franchise ist der R8 ein Supersportwagen mit einer glänzenden Zukunft. Berücksichtige auch die Ankündigung, den R8 einzustellen, während Audi sich der E-Tron-Generation zuwendet. Die frühen, grossmotorisierten, manuellen Autos haben eine echte Chance, sehr begehrte Objekte zu werden." - David Spickett, CEO von TheCarCrowd.


Warum der Audi R8 V10?

Das Vermächtnis des Audi R8 V10
Der Audi R8 V10 wird als einer der letzten echten manuellen und natürlich beatmeten Supersportwagen gefeiert und ist ein echtes Automobilikone. Der R8 entsprang der Rennarena, wo Audi bereits großen Erfolg mit dem R8 LMS hatte. Die Vision hinter dem R8 war die Entwicklung eines Straßenfahrzeugs, das die Renn-Gene seines Vorgängers trägt. Die Geschichte des R8 begann 2006, als Audi den R8 auf der Pariser Automobilausstellung vorstellte. Das Modell wurde 2007 in Serie produziert, zunächst als V8, und Audi brachte ein Jahr später 2008 eine V10-Variante heraus. Das Modell wurde nach seiner zweiten Generation im Jahr 2023 eingestellt und beendete damit Audis naturbeatmete V10-Produktlinie.

Leistung und Ingenieurskunst
Sein mittig montierter, von Lamborghini abgeleiteter, natürlich beatmeter V10-Motor liefert außergewöhnliche Leistung und Drehmoment. Dies in Verbindung mit einem ausgezeichneten manuellen Schaltgetriebe mit sechs Gängen (das 2015 eingestellt wurde) bietet dem Fahrer ein wirklich unvergleichliches Fahrerlebnis. Mit einer Beschleunigung von 0-60 in knapp unter 4 Sekunden, dem natürlich beatmeten 5,2-Liter-V10, der 525 PS leistet, kombiniert mit Audis quattro-Allradtechnologie, katapultiert der R8 auf eine Höchstgeschwindigkeit von 196 mph.

Revolutionäres Design und Konstruktion
Mit seiner schlanken Silhouette, die eher einem Jet als einem Straßenauto ähnelt, verfügte der Audi R8 über revolutionäres Design. Mit einem kompletten Aluminium-Spaceframe-Chassis, das in Aluminiumverkleidungen eingefasst ist, brachte der R8 Audi in die Pole-Position des Supersportwagendesigns.

Popkulturikone und kulturelles Phänomen
Die größte Leistung des R8 ist jedoch seine Verbindung mit Tony Stark (Iron Man) aus dem Marvel-Universum, der in nicht weniger als sechs Filmen des Marvel Cinematic Universe zu sehen ist. Dies hat dem R8 eine starke Fangemeinde verschafft und ihn gleichzeitig zum Posterwagen einer Generation gemacht.

Anerkennung und zukünftige Aussichten
Der Audi R8 wurde in der Hagerty Bull Market-Liste 2023 vorgestellt, wobei Andrew Frankel von Hagerty in einem anderen Artikel darauf hinwies, dass er erwarte, dass die Reinheit und Klarheit der ursprünglichen Vision und die Süße des Fahrerlebnisses in einer Ära der Elektrifizierung und zunehmend automatisierten Transportmittel noch begehrter werden.

Warum dieser R8 V10?

Begehrt von Sammlern
Dieser spezielle Audi R8 ist mit einem silberfarbenen Metallic-Exterieur und den ikonischen Carbon-Seitenschwellerblenden über einem dezenten schwarzen Feinnappaleder-Innenraum ausgestattet. Zu seinen umfassenden Ausstattungsmerkmalen gehören seltene LMX-Leichtmetallräder, ein Bang & Olufsen Surround-Soundsystem, Audi OEM Passives, die die Magride-Aufhängung ersetzen, und ein maßgeschneidertes Lederset für das Gepäck, unter anderem. Dieser besondere R8 verfügt über das begehrte 6-Gang-Schaltgetriebe mit Handschaltung, was ihn zu einem seltenen und bevorzugten Fahrzeug im Vergleich zum Automatikmodell macht. Dieser Audi R8 befindet sich in perfektem Ausstellungszustand, frisch von einem nagelneuen Service mit einem Bremsflüssigkeitswechsel und einer makellosen Vorverkaufsinspektion. Dieser R8 profitiert auch von einer vollständig dokumentierten Servicehistorie mit einem vollständigen Serviceheft, Rechnungen und vielem mehr. Dieser Audi R8 V10 erfüllt viele Bedingungen der Anlagestrategie von TheCarCrowd. Als wahres Posterfahrzeug der frühen 2000er Jahre mit atemberaubender Leistung, ikonischem Design und einem Star aus den Filmen zeigt er ein starkes Potenzial für Wertsteigerung. Kombiniert mit der starken jährlichen Wertsteigerung seit 2018 und einer stetig wachsenden Fangemeinde bildet der Audi R8 V10 ein sehr starkes Argument für eine Investition.

Echte Investitionsleistung
Dieses spezielle Exemplar hat in seinen 14 Lebensjahren etwa 2000 Meilen pro Jahr zurückgelegt, was ihm eine wirklich niedrige, seltene und investierbare Laufleistung verleiht.

Historische Wertsteigerung
Der Audi R8 V10-Markt insgesamt hat seit 2018 ein Wachstum von 47,4% erlebt, was einem jährlichen Wachstum von 9,48% entspricht.

Warum in David Salle investieren?
David Salle ist ein amerikanischer Künstler, der im September 1952 in Norman, Oklahoma, geboren wurde und in Brooklyn, New York, lebt und arbeitet. Er ist bekannt für seine Gemälde und andere Werke, die kontrastierende visuelle Elemente der Populärkultur gegenüberstellen. Seine Kreationen beinhalten oft Anspielungen auf Pop Art, durchdrungen von einer surrealistischen Vision.

Frühe Anfänge und Ausbildung
Salle kam bereits in jungen Jahren zur Kunst. Mit acht Jahren lernte er Aktzeichnen und besuchte während der Highschool regelmäßig Kunstunterricht. Später studierte er am California Institute of the Arts (CalArts) und schloss 1973 mit einem BFA und 1975 mit einem MFA ab. Er wurde von Künstlern wie John Baldessari und Vito Acconci ausgebildet.

Aufstieg zur Prominenz
Der Künstler stieg in den 1980er Jahren neben einer Generation von Malern wie Julian Schnabel und Eric Fischl auf, die in einem neuen expressionistischen Stil arbeiteten. Er wird auch mit Künstlern der Pictures Generation wie Cindy Sherman, Barbara Kruger und Richard Prince in Verbindung gebracht, die Massenmedienbilder und Werbung in ihren Werken neu interpretierten. Salles erste bedeutende Galeriepräsentation erfolgte bei Mary Boone, der renommierten Talentsucherin, die seine Arbeit erstmals 1981 ausstellte.

Repräsentation und Anerkennung
Heute wird Salle von renommierten internationalen Galerien vertreten: Gladstone Gallery in New York und Brüssel Thaddaeus Ropac in Paris und London Max Hetzler in Berlin Lehmann Maupin in Asien Skarstedt, die Blue-Chip-Galerie, die in den letzten zehn Jahren sieben Einzelausstellungen von Salle veranstaltet hat, bleibt auf dem Sekundärmarkt aktiv, obwohl der Künstler jetzt von Gladstone in New York vertreten wird.

Künstlerisches Erbe
Salles Gemälde wurden in Einzel- und Gruppenausstellungen sowie in bedeutenden internationalen Ausstellungen in Museen und Galerien weltweit seit über vierzig Jahren gezeigt. Seine Werke finden sich in den ständigen Sammlungen zahlreicher renommierter Institutionen auf der ganzen Welt.

Ausgewählte Einzelausstellungen
Upcoming 2025: David Salle: Galerie Thaddaeus Ropac, Paris, Frankreich - April.
2024: David Salle: Gladstone Gallery, New York, USA - kommender September.
2024: David Salle: Arbeiten auf Papier, Edward Hopper House Museum & Study Center, Nyack, USA.
2023: David Salle: Das sportliche Leben, Dylan Brant Fine Art, Palm Beach, USA.
2023: David Salle: Tree of Life, This Time with Feeling, Galerie Thaddaeus Ropac-Marais, Paris, Frankreich.
2022: David Salle: Barbara Gladstone, Brüssel, Belgien.

Ausgewählte Gruppenausstellungen
2023: Über Kunst, Makasiini Contemporary, Logomo, Türkei.
2023: Kartierung einer Kunstwelt: Los Angeles in den 1970er-80er Jahren, Museum of Contemporary Art Los Angeles Grand Avenue, Los Angeles, USA.
2023: Das gelbe Licht um 18 Uhr: Erinnern, Visionieren, Landschaft wahrnehmen, Galerie Max Hetzler, Berlin, Deutschland.
2023: Schön, lebendig, in sich geschlossen, kuratiert von David Salle, Hill Art Foundation, New York, USA.
2023: Wellenmuster, Dylan Brant und Max Werner, New York, USA.

Künstlerischer Stil und Philosophie
Salle ist auch ein produktiver Schriftsteller und Kritiker, dessen Essays und Interviews in verschiedenen renommierten Publikationen veröffentlicht wurden. Seine Arbeit zeichnet sich durch Kompression und Prägnanz aus und erforscht Bildgegensätze und Paarungen von Skala, Farbe und Berührung. Salles Gemälde enthalten oft Hintergrunddetails aus Werbung, Magazinfotos und Zeitungsartikeln, die den Betrachter dazu einladen, ihre konzeptionellen Verbindungen zu den Vordergrundbildern zu entschlüsseln.

""In diesen Gemälden interessiere ich mich für Kompression und Prägnanz - den Haiku statt der Ode. Ich arbeite nicht nur mit Bildgegensätzen, sondern auch mit Paarungen von Skala, Farbe, Berührung und so weiter. Ich möchte eines durch das andere sehen; der sogenannte 'Hintergrund' ist wirklich eine andere Figur."" - David Salle"

Warum in LeBron James investieren?

Geschichte des Basketballs neu schreiben: Das Vermächtnis von LeBron James
Rekorde sind dazu da, gebrochen zu werden, und genau deshalb werden sie überhaupt erst aufgestellt. Einige mögen unerreichbar erscheinen und fast jenseits menschlicher Fähigkeiten liegen. Doch es gibt Momente, in denen scheinbar unüberwindbare Rekorde tatsächlich gebrochen werden. LeBron James setzt weiterhin seinen Weg der Neugestaltung der NBA-Geschichte fort, einem Trend, dem er seit seiner Rookie-Saison vor 21 Jahren folgt. Selbst nach zwei Jahrzehnten setzt er immer noch Rekorde. Wer hätte gedacht, dass er eines Tages Kareem Abdul-Jabbar als den NBA-Rekordtorschützen überholen würde?

LeBrons unerreichtes Vermächtnis: Bemerkenswerte Leistungen
LeBron James hat eine Vielzahl von Rekorden aufgestellt, was einige dazu veranlasst, zu spekulieren, dass bestimmte Leistungen unerreichbar sein könnten. Hier sind nur einige dieser bemerkenswerten Rekorde: LeBron James schrieb Geschichte als erster Gesamtpick im NBA-Draft 2003 und wurde anschließend viermal MVP und ein konstanter All-Star. Er liegt sowohl bei den All-Star-Nominierungen als auch bei den gespielten Spielen auf dem zweiten Platz. LeBron ist der einzige NBA-Spieler, der 30.000 Punkte, 10.000 Rebounds und 10.000 Assists erreicht hat, ein Meilenstein, der wahrscheinlich Jahre lang unerreicht bleiben wird. Darüber hinaus überholte er am 8. Februar 2023 Kareem Abdul-Jabbar und wurde damit der ewige Rekordtorschütze der Liga.

Das Ende einer Ära: LeBron's Vermächtnis geht weiter
Obwohl LeBron James immer noch ein aktiver Spieler ist und trotz seines fortschreitenden Alters seine Fähigkeiten beibehält, besagen Gerüchte auf dem Markt, dass seine nächste Unterschrift möglicherweise seine letzte sein wird und dass seine Karriere in den nächsten Jahren zu Ende gehen könnte.
Typischerweise führen solche Spekulationen dazu, dass die Preise für Erinnerungsstücke steigen.

Warum diese getragenen Schuhe?
Hier bietet sich eine einzigartige Gelegenheit, ein Paar gebrauchter Basketballschuhe von einem der größten Basketballspieler, der je ein Paar High Tops geschnürt hat, zu besitzen. LeBron James hat diese weißen, schwarzen und roten Nike LeBron 11 Schuhe aus der Saison 2014 mit den Miami Heat signiert und beschriftet. Dieses Paar Schuhe wurde von James während seiner Rekordzeit in South Beach getragen. Dieses Einzelstück wurde auf dem rechten Schuh von James signiert und auf dem linken Schuh handgeschrieben beschriftet. Sie wurden bei einem Spiel gegen die Denver Nuggets am 14.03.2014 getragen, bei dem James 21 Punkte mit sechs Rebounds, sechs Assists und drei Steals erzielte. Die Heat machten in dieser Saison ihren vierten aufeinanderfolgenden NBA-Finals-Auftritt und verpassten nur knapp ihren dritten Titel in Folge zu gewinnen. James hat dieses limitierte (1) Paar gebrauchter Nike-Schuhe handsigniert und mit 'vs. Nuggets 3/14/14' in schwarzer Farbe beschriftet. Seine Unterschrift gilt als authentisch gemäß dem Fünf-Schritte-Prozess von Upper Deck Authenticated.

Wer ist Daisy Dodd-Noble und warum in sie investieren?
Geboren 1989, ist sie eine in London, England, ansässige Malerin. Sie absolvierte ihr Masterstudium in Fine Arts an der New York Academy of Art in TriBeCa, New York, im Jahr 2016.

Künstlerischer Ansatz
Sie wechselte während ihres Studiums an der New York Academy of Art mit Inka Essenhigh, der bekannten figurativen Malerin für ihre phantasievollen Szenen, von politischer Kunst zur Landschaftsmalerei.
Überwältigt von der Hektik Manhattans entdeckte Dodd-Noble damals, dass das Zeichnen der Stadtbummel für sie eine stabilisierende Wirkung hatte. Im Laufe der Zeit begann sie, diese in erfundene Umgebungen zu übertragen, indem sie gesättigte Himmel und Nullbevölkerungsgebiete um idealisierte Versionen der von ihr gefundenen echten Bäume malte.
Dodd-Nobles Werke zeigen karikaturhafte Versionen klassischer Landschaftsbilder. Durch Landschaften erforscht sie Themen wie Umweltschutz und die Beziehung des Menschen zur Natur. Ihre bukolischen, technicolorfarbenen, aber einfachen Landschaften sollen das Bewusstsein für den Umweltschutz schärfen. Sie haben eine traumhafte Atmosphäre durch ihre akribische Arbeit an Farben und Licht. Die Weichheit der Formen versetzt uns in eine Welt, in der die Unschuld vorherrscht.

Die Welt mit ihren Augen sehen
Sie lebt jetzt in London und hat ihren Fokus auf Bäume ihres Heimatlandes, des Vereinigten Königreichs, Costa Rica und Südfrankreichs gerichtet, wo sie kürzlich eine Residenz in der Bloom Galerie abgeschlossen hat. So sehr Dodd-Nobles lebendige Reproduktionen eine präanthropozänische Unschuld heraufbeschwören, betrachtet sie sie auch als Ausdruck von Selbstkenntnis. "Ich versuche definitiv nicht, eine neue 'Welt' aufzubauen", sagte sie. "Ich bemühe mich, meine eigene Wahrnehmung der Welt um mich herum zu vertiefen... und dann meine Verständnis der Natur der Realität und der Beziehung zwischen uns und der Welt um uns herum visuell zu kommunizieren".

Ausstellungen
Dodd-Noble hatte ihre erste Einzelausstellung in der Roman Road Gallery, Columbia Hotel (London, 2020). Ihre Arbeit wurde in Gruppenausstellungen in der Stems Gallery, Ixelles (BEL, 2022); Roman Road Gallery, London (UK, 2022); G/A R T/E N, Como (IT, 2021); Unit Gallery, London (UK, 2021); Bowes-Parris Gallery, London (UK, 2021) und Tchotchke Gallery, New York (USA, 2020) aufgenommen. Dodd-Noble nahm am Residenzprogramm der L21 Gallery (ES, 2021) teil, wo sie ihre Einzelausstellung "Grounded" und ""Origins"" im Jahr 2022 zeigte.

Auktionsresultate
2023 hat Dodd-Noble gleich mehrere erfolgreiche Auktionsresultate erzielt. Sowohl das Gemälde "Purple Forest" als auch "Two Pinkt Islands and One Green Island" haben den Schätzpreis um +450% übertroffen (nach Abzug der Käufergebühren). Diese starken Resultate untersteichen das Potential ihrer Werke.

Warum investierst du in den Nike Off-White Air Jordan 1 NRG White?

Die "Nike Off-White Air Jordan 1 NRG White (3 Paare)" sind eine Zusammenarbeit zwischen Nike und Off-White, einer High-End-Modemarke, die von Virgil Abloh gegründet wurde.
Nachdem Nike und Off-White ihre legendäre Zusammenarbeit mit der "The Ten" -Kollektion im Jahr 2017 begannen, folgten viele andere Modelle in verschiedenen Farbkombinationen. Eine der beliebtesten ist diese Interpretation des Air Jordan 1, die perfekt der Chicago-Farbvariante folgt. Diesmal war jedoch die Veröffentlichung noch limitierter. Die Schuhe wurden erst 2018 in sehr begrenzten Mengen auf dem europäischen Markt veröffentlicht.

Anfänge
Der Sneaker wurde von dem verstorbenen Virgil Abloh entworfen, Gründer von Off-White und künstlerischer Leiter der Herrenbekleidungslinie von Louis Vuitton zu der Zeit. Abloh ist bekannt für seinen innovativen Ansatz, der das traditionelle Design von Sneakern herausfordert und bei einer neuen Generation von Verbrauchern anklingt und die Kluft zwischen Urban Fashion und Luxusmode überbrückt. Bei dieser Veröffentlichung hat er buchstäblich zehn Nike-Sneaker-Modelle dekonstruiert. Sein praktischer kreativer Prozess umfasst den Einsatz von Permanentmarkern, Kabelbindern und X-Acto-Messern. Das Endergebnis beschrieb er gegenüber Nike News mit den Worten: "Wovon wir hier sprechen, ist grösser als Sneaker, es ist grösser als die Designkultur. Es ist nichts anderes als Design auf dem neuesten Stand der Technik. Diese 10 Schuhe haben Barrieren in Leistung und Stil durchbrochen."
Design-Details
Ein besonders ikonischer Moment dieser Zusammenarbeit war die Neugestaltung des legendären Nike Air Jordan 1. Dieser Sneaker, der als Basketballschuh debütierte und dann zum Symbol der Sneaker-Kultur wurde, erhielt eine frische und avantgardistische Note.
Die Nike Off-White Air Jordan 1 NRG Weiss Sneaker haben die klassische Silhouette des Air Jordan 1 mit einer dekonstruierten Ästhetik, fett gedrucktem Helvetica-Text an den Seiten und einem ikonischen Kabelbinder neu interpretiert. Das avantgardistische Design dieser Sneaker repräsentiert eine Fusion aus sportlichem Erbe und High-Fashion-Ästhetik.
Die Zusammenarbeit umfasste jedoch nicht nur den Air Jordan 1, sondern auch neun andere klassische Nike-Silhouetten, darunter Nike Air Max 90, Nike Blazer, Nike Presto und Nike Air VaporMax, die alle ähnlich überarbeitet und neu interpretiert wurden.

Sekundärmarkt
Die Air Jordan 1 x Off-White zeichneten sich auch durch ihre begrenzte Verfügbarkeit und hohe Nachfrage aus. Die Veröffentlichung der Schuhe löste Hysterie aus, und Fans waren bereit, hohe Geldbeträge für ein Paar zu zahlen. Die Sneaker waren auf dem Wiederverkaufsmarkt sehr beliebt.
Als sie 2018 veröffentlicht wurden, kostete ein Paar Nike Off-White Air Jordan 1 NRG White 179 €. Wenn du damals zu den Glücklichen gehörtest und es geschafft hast, ein Paar zu bekommen, konntest du sofort Angebote von bis zu 2.000 € erwarten. Aber damit war noch lange nicht Schluss. Die Preise auf dem Sekundärmarkt sind geradezu explodiert.

"Entdecke die faszinierende Welt der zum Verkauf stehenden Kunstwerke der talentierten Künstlerin Ksenia Pasyura. Geboren 1986 in der Ukraine, ist die in London ansässige Künstlerin bekannt für ihre lebendigen Gemälde, die die menschliche Form erforschen. Ihre Arbeit verbindet traditionelle Porträtmalerei mit abstrakten Elementen und verwandelt Körper in surreale Kompositionen. Sie taucht ein in die Beziehung zwischen Geist und Körper und verwendet Humor und verspielte Motive, um Schönheits- und Identitätsvorstellungen herauszufordern." - James Kerbey, Experte bei Maddox Advisory.


Wer ist Ksenia Pasyura und warum in sie investieren?

Ksenia Pasyura, geboren 1986, ist eine visuelle Künstlerin und Malerin mit Sitz in London. Ihre künstlerischen Bestrebungen drehen sich um eine tiefgreifende Erforschung des menschlichen Körpers in seinen verschiedenen Formen. Pasyuras Kunstwerke zeichnen sich durch einen lebendigen und dynamischen Stil aus, der traditionelle Porträtkunst mit abstraktem Expressionismus verbindet und eine surreale Perspektive auf die menschliche Form bietet.

Künstlerischer Ansatz
Indem sie sich mit der komplexen Beziehung zwischen Geist und Körper beschäftigt, stellt Ksenia Pasyura menschliche Figuren in ihren Gemälden mit charakteristischen Merkmalen dar, wie unnatürlich breiten Lächeln, überproportional grossen Füssen und verdrehten Anatomien, die absichtlich traditionelle Geschlechternormen trotzen. Diese bewusste Abkehr von konventioneller Darstellung unterstreicht ihren Glauben daran, dass der Körper als Leinwand fungiert, die die Feinheiten der menschlichen Psychologie und Emotionen widerspiegelt. Mit Humor und karnevalhaften Bildern vermitteln Pasyuras Schöpfungen Schichten von Komplexität und Ironie und fordern die Betrachter heraus, konventionelle Vorstellungen von Schönheit und Identität neu zu bewerten. Durch ihre Darstellung von Figuren mit verzerrten Gliedmassen und vergrösserten Augen ermutigt sie zur Kontemplation über das Wesen der Verkörperung und Selbstwahrnehmung. Diese Figuren entstehen als mächtige Symbole, die die Widersprüche der menschlichen Erfahrung verkörpern.

Erforschung des Grotesken
Pasyura widmet sich dem provokativen Thema des Grotesken, das in der zeitgenössischen Kultur oft marginalisiert wird, indem sie Körper feiert, die als unattraktiv oder unkonventionell gelten. Ihre grossformatigen Kompositionen, gekennzeichnet durch lebendige Farben, trotzen gesellschaftlichen Normen, indem sie diese vermeintlich unangenehmen Formen erheben. Über ihre visuelle Wirkung hinaus vermitteln Pasyuras Gemälde nuancierte Erzählungen, in denen ihre Protagonisten eine Leichtigkeit und Freude ausstrahlen und etablierte Schönheitsideale in Frage stellen und zur Reflexion über die subjektive Natur der Ästhetik anregen.

Unterstützung von aufstrebenden Talenten durch Nahmad Projects
Nahmad Projects, gegründet 2016, konzentrierte sich zunächst auf konzeptuelle und zeitgenössische Kunst, wie sie in seiner Eröffnungsausstellung kuratiert von Francesco Bonami zu sehen war, inspiriert von der Arbeit von Tino Sehgal. Joseph Nahmad, der Gründer der Galerie, stammt aus der angesehenen Nahmad-Kunstdynastie, bekannt für ihre umfangreiche Kunstsammlung im Wert von rund 3 Milliarden US-Dollar, zu der zahlreiche Werke von Picasso gehören. Während Nahmad Projects etablierte Künstler wie Raghav Babbar und Jan Frank präsentiert hat, hat es auch ein Engagement für die Entdeckung und Förderung aufstrebender Talente gezeigt. Die Expertise der Nahmad-Familie erstreckt sich auf moderne Meister wie Alexander Calder, Jean Dubuffet, Pierre-Auguste Renoir und andere. Darüber hinaus pflegt Nahmad Projects Verbindungen zu Nahmad Contemporary, einer Galerie für den Sekundärmarkt, die eine vielfältige Auswahl etablierter Künstler von Odilon Redon und Joan Miró bis hin zu Richard Prince und John Chamberlain präsentiert.

Warum in Macallan Whisky investieren?
Reputation
Macallan ist weltweit eine der renommiertesten und angesehensten Whiskybrennereien, bekannt für die Herstellung hochwertigen Single-Malt-Scotch-Whiskys. Ihre Reputation für Exzellenz und Handwerkskunst kann Sammler und Investoren anziehen, die nach renommierten Marken suchen.

Wertsteigerung
Hochwertige Macallan-Whiskys haben eine Erfolgsgeschichte der Wertsteigerung im Laufe der Jahre. Da die Nachfrage nach seltenen und gereiften Whiskys weltweit weiter steigt, insbesondere in aufstrebenden Märkten wie Asien, könnte der Wert von Macallan-Flaschen weiter steigen.

Historische Bedeutung
Macallan hat eine reiche Geschichte und eine lange Tradition der Whiskyproduktion, die bis ins Jahr 1824 zurückreicht. Investitionen in Macallan-Whisky ermöglichen es Enthusiasten, ein Stück dieses historischen Erbes zu besitzen, wobei jede Flasche einen einzigartigen Teil der Geschichte der Brennerei repräsentiert. Diese vertikale Kollektion zeigt eine durchschnittliche jährliche Leistung von 16,7% in den letzten 10 Jahren.

Genuss und Leidenschaft
Über das Investitionspotenzial hinaus kann die Investition in Macallan-Whisky auch von einer Leidenschaft für die Wertschätzung von Whisky getrieben werden. Viele Investoren genießen es, verschiedene Macallan-Whiskys zu probieren und zu erleben, was es zu einem lohnenden Hobby sowie einer Investition macht.

Warum in diese vertikale Kollektion investieren?
11 Jahrgänge
Diese Kollektion enthält eine Flasche jedes Jahrgangs von 18-jährigem Macallan von 1975 bis 1986.

Begrenzte Verfügbarkeit
Mit zunehmendem Alter des Whiskys wird das Angebot an älteren Flaschen begrenzter, insbesondere für renommierte Brennereien wie Macallan. Eine vertikale Kollektion von 18-jährigem Macallan-Whisky stellt eine kuratierte Auswahl von Flaschen aus verschiedenen Jahren dar und zeigt die Entwicklung des Getränks im Laufe der Zeit auf. Die begrenzte Verfügbarkeit dieser Flaschen kann ihren Wert unter Sammlern steigern.

Wertsteigerung
Qualitätswhisky neigt im Laufe der Zeit dazu, an Wert zu gewinnen, insbesondere seltene und gereifte Abfüllungen. Eine vertikale Kollektion von 18-jährigem Macallan-Whisky ermöglicht es Investoren, von dieser Wertsteigerung zu profitieren, da jede Flasche weiter altert. Diese Kollektion ist umfassend und gefragt. Die gesamte Kollektion zeigt eine durchschnittliche jährliche Leistung von 16,7% in den letzten 10 Jahren, während der Jahrgang 1967 sogar eine jährliche Steigerung von 22% verzeichnet.

Historische Bedeutung
Whisky, insbesondere von renommierten Brennereien wie Macallan, trägt oft historische Bedeutung. Jede Flasche in einer vertikalen Kollektion repräsentiert einen bestimmten Zeitraum in der Geschichte der Brennerei und spiegelt Veränderungen in Produktionsmethoden, Fassauswahl und Geschmacksprofilen wider. Sammler und Enthusiasten schätzen diese historischen Nuancen, was den Wert der Kollektion weiter erhöht.

"In den letzten fünf Jahren hat die Arbeit von Jordi eine risikoadjustierte Rendite von 11,3 erzielt, verglichen mit 1,2 beim Sharpe-Verhältnis von Bitcoin." - James Kerbey, Experte bei Maddox Advisory

Warum in Jordi Ribes Kunst investieren?
Geboren 1972 in Spanien, ist Jordi Ribes ein Künstler aus Barcelona. Seine Arbeit ist bekannt dafür, die Grenzen zwischen digitaler und bildlicher Ausdrucksweise zu verwischen. Er erreicht diese Ambiguität durch die unkonventionelle Verwendung von Ölfarbe, die er von ihrer üblichen Verformbarkeit befreit, einen polierten und unklaren Effekt erzeugt, kombiniert mit der Verwendung von elektrisierenden und künstlichen Farben. Der Effekt dient dazu, die Erzählung einer Fantasiewelt anzufeuern. Dieses Universum präsentiert Figuren voller Anspielungen, die einen Kontrast zwischen dem Unschuldigen und dem Perversen, dem Vertrauten und dem Unbekannten, dem Realen und dem Fiktiven erzeugen. "Die Mehrdeutigkeit, die Vielzahl an Interpretationen, das liebe ich," sagt der Künstler über die Gründe, die Bilder auf diese besondere Weise zu repräsentieren.

Technik
Ribes skizziert seine Werke digital und überträgt sie dann auf Leinwand mit Ölfarben. Seine Gemälde folgen einer traditionellen Technik, haben aber einen völlig zeitgenössischen Abschluss. Seine erkennbaren vertikalen oder horizontalen Pinselstriche erzeugen einen leicht verschwommenen Effekt, während die fast fluoreszierenden Farben die digitale Welt heraufbeschwören.

Traditionelle Technik mit zeitgenössischer Note
Der Künstler wählt Objekte, Wesen und Themen aus, die es ihm ermöglichen, diese besondere malerische Technik zu verstärken. Stämme, Gras, Haare, Vorhänge und Tuniken eignen sich für dieses Spiel von Licht und Schatten, das eine gewisse Intrige vermittelt. Die Figuren haben keine Gesichter oder Finger, aber sie vermitteln Menschlichkeit durch die Positionierung ihrer Körper oder ihrer Umgebung. Die Charaktere befinden sich oft in Dschungeln, Wäldern, Flüssen, oft begleitet von einem rätselhaften Objekt. Es ist, als ob die Atmosphäre von Twin Peaks in eine natürliche Umgebung übertragen worden wäre. An diesen Szenarien gibt es etwas Dunkles und dennoch Anziehendes, die einen Raum für Spiel, Mystery und Vorstellungskraft darstellen. Gelegentlich treffen wir auf Innenszenen, in denen die Vorhänge den Raum rätselhaft werden lassen.

Einflüsse
Jenseits all dieser Bezüge findet sich eine der Haupteinflüsse von Ribes im Kino. Wenn wir uns seine Gemälde ansehen, können wir uns leicht vollständigere Szenen vorstellen, in denen diese Charaktere transformative Erfahrungen durchmachen. Durch kontextlose Stücke und Figuren sowie versteckte Gegenstände oder Landschaften fordert der Künstler uns heraus, über das Gemälde hinaus, über die Grenze hinaus zu sehen und zu entdecken, wohin uns unsere Intuition führt.
Die Künstler, die Ribes beeinflussen, sind unter anderem der Fotograf Jeff Wall für seine detaillierten und kinematografischen Bilder, Neo Rauch und David Hockney für ihren grafischen Stil.

Ausstellungen
Jordi Ribes hat in den letzten 10 Jahren an 23 Gruppenausstellungen teilgenommen, hat 5 Auszeichnungen erhalten und war auf 14 Kunstmessen vertreten. Zum Beispiel; "Galería Senda" in Barcelona und "L2" in Palma sowie in Gruppenausstellungen in Veranstaltungsorten wie dem "Centro de Arte Dos de Mayo" (Madrid), "Arts Santa Mònica" (Barcelona), "Palais de Tokyo" (Paris), "Galerie Lelong" (Paris), "Galería Oliva Arauna" (Madrid) und 2Tecla Sala2 (L'Hospitalet, Barcelona) präsentiert. Mit dem Altadis-Preis ausgezeichnet, ist seine Arbeit Teil von Sammlungen wie dem "Centro de Arte Dos de Mayo", "Patronato Martínez Guerricabeitia", "Fundación Altadis", "Fundación Vila Casas", "Fundación Guasch Coranty", "Fundación Medianoche", "Recharge Foundation" (Singapur), "Victoria Collection" (Miami und Johannesburg), "Ding YiXiao-Xiao Foundation" (China) und dem "Tbilisi Art Centre" – John Dodelande Art Collection.

"Frühzeitiger Investorenvorteil: David Yarrows Verkaufsstrategie basiert auf einer gestaffelten Preisgestaltung. Bei limitierten Auflagen bedeutet gestaffelte Preisgestaltung, dass der Preis eines Bildes steigt, je näher die Auflage dem Ausverkauf kommt. Dies ist ein entscheidendes Element beim Investieren in David Yarrow, da Investoren höhere Renditen erzielen, je früher sie ein Kunstwerk erwerben." - James Kerbey, Experte bei Maddox Advisory


Warum in David Yarrows Fine-Art-Fotografie investieren?

Frühe Erfolge und Unvergessliche Momente
David Yarrow, geboren 1966 in Glasgow, Schottland, begann seine fotografische Karriere in jungen Jahren. Mit 20 Jahren hielt er als Fotograf für The London Times während des Finales der Fussball-Weltmeisterschaft in Mexiko-Stadt bedeutende Momente fest. Sein ikonisches Foto von Diego Maradona, der den Weltcup hielt, brachte ihn ins Rampenlicht und eröffnete ihm Möglichkeiten, andere wichtige Sportereignisse wie die Olympischen Spiele zu fotografieren.

Übergang zur Fine-Art-Fotografie
Yarrow wandelte sich allmählich zur Fine-Art-Fotografie und konzentrierte sich darauf, die natürliche Welt aus einzigartigen Perspektiven einzufangen. Dieser Übergang hat seine künstlerische Reise geprägt und ihm Anerkennung in prominenten Galerien und Museen in Europa und Nordamerika als einer der meistverkauften Fine-Art-Fotografen eingebracht.

Distinctive künstlerisches Talent und weltweite Anerkennung
Yarrows Werk, bekannt für seine eindringliche und immersive Darstellung des Lebens auf der Erde, hat ihm weltweite Anerkennung eingebracht. Er hat auch beratende und Botschafterrollen in der Branche übernommen und sich für den Naturschutz und philanthropische Zwecke eingesetzt.

Einfluss in der Branche und Engagement für Philanthropie
David Yarrow hat aufgrund seiner einflussreichen Position verschiedene beratende und Botschafterrollen übernommen, um Naturschutzorganisationen wie WildArk und die Kevin Richardson Foundation zu vertreten und gleichzeitig als europäischer Botschafter für Nikon tätig zu sein. Er nimmt aktiv an bedeutenden Branchenveranstaltungen teil und unterstützt Kampagnen für Organisationen wie die Berenberg Bank, Best Buddies und die African Community and Conservation Foundation, was sein Engagement für Philanthropie zeigt.

Erweiterung künstlerischer Grenzen und kollaborative Kreativität
Yarrows Ruf als einer der weltweit meistverkauften Fotografen basiert auf seiner Fähigkeit, die natürliche und menschliche Welt mit einem einzigartigen und einfallsreichen Ansatz einzufangen. Sein Erfolg wird durch die Integration von Kunst mit Philanthropie verstärkt, was zu Zusammenarbeiten mit bekannten Persönlichkeiten aus Sport, Mode und Unterhaltung führt.

Philanthropischer Einfluss und wirtschaftliche Erfolge
Zusätzlich zu seinen künstlerischen Erfolgen haben die philanthropischen Bemühungen von David Yarrow einen tiefgreifenden Einfluss gehabt. Durch den Verkauf seiner Bilder hat er seit 2019 über 10 Millionen Dollar an Spenden gesammelt. Insbesondere sein Foto "Die Wölfe von Wall Street" erzielte im Dezember 2019 bei Art Miami bemerkenswerte Ergebnisse, wobei die Erlöse Naturschutz-NGOs unterstützten. Er hat auch aktiv zu Ursachen wie der Erholung von australischen Buschbränden und der Kunst für Helden-Kampagne während der Covid-19-Pandemie beigetragen.

Innovative Integration von Kunst und Philanthropie
Yarrows innovativer Ansatz, Kunst mit Philanthropie zu verbinden, spricht nicht nur Kunstsammler an, sondern unterstützt auch wichtige Anliegen. Seine einzigartige künstlerische Reise hat seine Fangemeinde unter Kunstliebhabern erweitert und ihm eine Vertretung von führenden zeitgenössischen Galerien weltweit eingebracht. Die Veröffentlichung seines dritten Buches, "Storytelling", im Herbst 2022 durch Rizzoli bedeutet eine kontinuierliche Entwicklung seiner künstlerischen Reise und seiner narrativen Ausdrucksform durch Fotografie.

Über "Welcome to the Jungle"
David Yarrow führt uns dieses Mal ins Herz des Kalimantan-Dschungels auf Borneo. Wo, wie er es beschreibt, Geschick und Glück für einen Moment miteinander verwoben waren. Obwohl Yarrow die Möglichkeit langsam vor sich entfalten sah, war der genaue Moment ein Geschenk des Zufalls. Er hatte nur einen Blick darauf und fing ihn ein.
Das Bild zeigt einen Orang-Utan in seiner natürlichen Umgebung, umgeben von dichtem Dschungel. Die perfekte Symmetrie und Majestät des Affen sind offensichtlich. Der Fotograf betrachtet Orang-Utans als die intelligentesten Tiere, die er je fotografiert hat, und ihre Gesten, Haltungen und ihr gesamtes Verhalten ähneln überraschend unserem.
Der Fotograf bedankt sich bei den leitenden Rangers des Parks in Kalimantan, die ihm Genehmigungen erteilt und ihn flussaufwärts zu einem Punkt geführt haben, an dem sie wussten, dass sich mehrere Orang-Utans befinden würden. Diese Leistung wurde durch die Zusammenarbeit mit den Einheimischen von Borneo ermöglicht.

Warum in Nike Sneakers investieren?
Gegründet im Jahr 1964 von Phil Knight und Bill Bowerman, ist Nike eine der führenden Marken im Bereich Sportbekleidung weltweit. Es ist bekannt für seine technologischen Innovationen im Bereich Sportschuhe und seine ständige Präsenz in der Pop- und Urban-Kultur.
Die 80er Jahre schufen nicht nur eines der grössten Sci-Fi-Spektakel der Kinogeschichte mit der ""Zurück in die Zukunft""-Filmtrilogie; sie brachten auch einige der begehrtesten Sammlerstücke der Welt zum Leben. Dazu gehört der Nike MAG ""Zurück in die Zukunft""-Sneaker und natürlich das schwebende Hoverboard. Die Nike MAG ""Zurück in die Zukunft""-Sneaker sind ein äusserst begehrtes und ikonisches Sneaker-Design, das von dem Film ""Zurück in die Zukunft Teil II"" inspiriert wurde. Sie wurden von Tinker Hatfield entworfen und von Nike im Jahr 2011 veröffentlicht. Das Design war eine futuristische Interpretation dessen, wie Sneaker im Jahr 2015 aussehen könnten, wie im Film dargestellt.

Warum in den Nike MAG Zurück in die Zukunft investieren?
Lassen Sie uns zurückspulen ins Jahr 2011, etwa 30 Leute sind zu einer geheimen Nike-Veranstaltung in LA eingeladen. Gerüchte kursieren über eine kleine Tour durch die Universal Studios, die sich um 'Zurück in die Zukunft' dreht. Aber der eigentliche Höhepunkt des Tages kommt am Ende: Mark Parker und Tinker Hatfield halten eine Präsentation und enthüllen den Nike MAG. Die Schuhe waren nicht nur eine reguläre Veröffentlichung; sie waren Teil einer limitierten Charity-Auktion zur Unterstützung der Michael J. Fox Foundation for Parkinson's Research. Angeblich hat Nike 1500 Einheiten produziert.
Der Nike MAG steht als eine akribische Reproduktion, nahezu makellos in seiner Ausführung. Insbesondere die LED-Leuchten, die in der Lage sind, bis zu 5 Stunden lang bei einer einzigen Ladung zu leuchten, verdienen Anerkennung. Derzeit fehlt lediglich das AutoLace-System, das in den Filmen berühmt dargestellt wird. In die Zukunft blickend, führte Nike im Jahr 2016 ein adaptives System namens Adaptive Fit ein, das den Träger erkennt und entsprechend anpasst oder lockert. Trotzdem behält der MAG 'Zurück in die Zukunft' seine unverwechselbare Anziehungskraft. Als erstes Modell legte er den Grundstein für solch bahnbrechende Innovationen. Darüber hinaus veranschaulicht er, wie einmal fiktive kinotechnologische Entwicklungen zu begehrten Luxus-Sammlerstücken werden können. Der MAG 'Zurück in die Zukunft' gilt als einer der exklusivsten Schätze für Enthusiasten und Sammler der zeitgenössischen Popkultur. Aufgrund ihrer begrenzten Verfügbarkeit und ihres ikonischen Status sind die Nike MAG Sneaker bei Sammlern äusserst begehrt. Die ursprünglich versteigerten Paare sind unglaublich selten und haben bei Auktionen hohe Preise erzielt. Einige Paare wurden für Zehntausende von Dollar verkauft, wobei die Preise je nach Zustand und Grösse variieren.

Warum in Banksy investieren?

Banksys städtische Interventionen
Banksy, vielleicht die bekannteste Figur der Strassenkunst, die heute arbeitet, ist bekannt für städtische Interventionen, die einen respektlosen Witz und eine beissende politische Kante demonstrieren. Er verstärkt seine Mystik, indem er eine anonyme Identität behält. Der Künstler hat Strassenschilder modifiziert, illegal seine eigene Währung gedruckt und heimlich seine eigenen Arbeiten im Louvre und im Museum of Modern Art aufgehängt. Er verwendet oft Sprayfarbe und Schablonen in seiner Kritik am Konsumismus, politischer Autorität, Terrorismus und dem Status von Kunst und ihrer Ausstellung. Seine Strassenkunst, Installationen und im Studio produzierten Werke wurden in Los Angeles, New York, London, Bethlehem und darüber hinaus gezeigt. Seine Kunst hat auf dem Sekundärmarkt breites Interesse gefunden und bei Auktionen achtstellige Beträge erzielt.
Banksy erklärt, dass Kunst seine Waffe im Kampf für Frieden und demokratische Freiheit sei. Er lädt die Zuschauer ein, ihre eigene Waffe - sei es durch Kunst oder andere Mittel - zu wählen, um Veränderungen herbeizuführen.

Warum in "Choose Your Weapon" (Lichtorange) investieren?

Entfremdete Jugend und Gangkultur
Erstmals in Lebensgrösse an der Wand einer Kneipe in Bermondsey, South London, im Jahr 2010 erschienen. Das Werk bezieht sich auf den Anstieg der Bandengewalt in Grossbritannien und die Adoption von Hunden, die darauf trainiert sind, aggressiv anzugreifen. Indem er den besten Freund des Menschen als seine Waffe darstellt, ist das Bild ein Kommentar zur entfremdeten Jugend des modernen Grossbritanniens.

Der naive Hund
Der naive Stil des Hundes betont die Entfremdung von der Realität seiner waffenähnlichen Fähigkeiten. Banksys bellender Hund zollt Keith Harings ikonischem Hundemotiv aus den 1980er Jahren Tribut. Harings bunte Hunde symbolisierten autoritäre Regierungen und Machtmissbrauch.

Gehauchte Figur
Eine gleichgültige, vermummte Figur steht lässig da, eine Hand in der Tasche. Das bedrohliche Aussehen der Figur steht im Kontrast zu ihrer gelassenen Haltung. Die Figur hält fest die Leine eines grossen, bellenden Cartoon-Hundes.

"In meiner lebenslangen Auseinandersetzung mit aufstrebenden Künstlern habe ich nur wenige gefunden, die ich mit Móyòsóré Martins vergleichen würde. Dazu gehören Johns, Rauschenberg, Twombly, Marden, Basquiat und einige andere. Dies sind Künstler, die ich gesammelt habe, als sie sich in ihrer Karrierephase befanden, wie Martins es heute ist."- Asher Edelman, Experte bei M&A Arts


Warum in Móyòsóré Martins Kunst investieren?

Künstlerisches Schaffen und Einflüsse
Móyòsóré Martins, ein nigerianischer zeitgenössischer Künstler aus New York, erobert die Kunstwelt im Sturm. Als Universalgelehrter widmet er sich Grafikdesign, Produktgestaltung und Musik. MOYO's Gemälde sind tiefgründig narrativ und verkörpern seine persönliche Reise. Er lässt seine traditionellen afrokulturellen und spirituellen Wurzeln mit einem ausgeprägten ästhetischen Sinn für Mode verschmelzen.

Künstlerische Entwicklung und Stil
Geboren in Brasilien, mit beiden Elternteilen aus dem Bundesstaat Ekiti, Nigeria, entwickelte MOYO ein Gefühl der kulturellen Unabhängigkeit aus seiner familiären Stammesgeschichte und formte seine künstlerische Vision durch Reisen und Aufwachsen. Seine Arbeit spiegelt die Einflüsse der Strassen von London und New York sowie seine Studienjahre in Ghana und der Elfenbeinküste wider und drückt dabei seine Yoruba-Kultur aus.

Künstlerische Herangehensweise und Technik
MOYO ist Autodidakt und lässt sich hauptsächlich von seiner inneren Vision inspirieren und nicht unbedingt von anderen Künstlern. Seine Werke sind für ihn von spiritueller Natur und repräsentieren seine Wünsche, Träume und seinen Weg nach vorne. Seine Malereien vereinen abstrakte, figurative und ikonographische Symbolik und zeichnen sich durch eine tiefgreifende narrative und realistische Herangehensweise aus.

Einfluss auf dem Kunstmarkt
Die Preise für Moyosore Martins' Gemälde der Grösse 180 x 150 cm haben sich in den letzten dreieinhalb Jahren von 5.000 USD auf aktuell 27.500 USD entwickelt. Seine Arbeiten wurden von mehr als 125 Sammlern gesammelt, wobei über den Zeitraum etwa 170 Gemälde verkauft wurden. Er ist zu einer Art Kultfigur geworden.

Bevorstehende und kürzliche Ausstellungen
Martins' Arbeit hat bereits an fünfzehn Galerieausstellungen teilgenommen, darunter namhafte Veranstaltungen wie Scope Miami, Art Basel Hongkong und Now, They Know… in Beirut. In der Zukunft plant er weitere Ausstellungen, darunter Galerie T in Paris im Oktober 2024 und eine Residenz als Künstler bei der Arms Around The Child Foundation in Ghana im April 2024. Diese Ausstellungen sind entscheidend, um Martins' Bekanntheit zu steigern und sein internationales Ansehen weiter zu festigen.

"In meiner lebenslangen Auseinandersetzung mit aufstrebenden Künstlern habe ich nur wenige gefunden, die ich mit Móyòsóré Martins vergleichen würde. Dazu gehören Johns, Rauschenberg, Twombly, Marden, Basquiat und einige andere. Dies sind Künstler, die ich gesammelt habe, als sie sich in ihrer Karrierephase befanden, wie Martins es heute ist."- Asher Edelman, Experte bei M&A Arts


Warum in Móyòsóré Martins' Kunst investieren?

Künstlerische Schöpfung und Einflüsse
Móyòsóré Martins ist ein in New York ansässiger nigerianischer zeitgenössischer Künstler, der die Kunstwelt im Sturm erobert. Er ist ein Universalgenie, das sich in Grafikdesign, Produktgestaltung und Musik versucht. Moyos Gemälde sind zutiefst narrativ und verkörpern seine persönliche Reise. Er verkörpert seine traditionellen afrokulturellen, spirituellen Wurzeln und ein modebewusstes ästhetisches Empfinden.

Künstlerische Entwicklung und Stil
Als Kind brasilianischer Abstammung mit Eltern aus dem Bundesstaat Ekiti, Nigeria, entwickelte Moyo ein Gefühl für gemischte kulturelle Unabhängigkeit von den Stammeswurzeln seiner Familie und entwickelte seine künstlerische Vision durch seine Reisen und seine Erziehung. Inspiriert von den Strassen Londons und New Yorks, fliessen seine Studienjahre in Ghana und der Elfenbeinküste in seine Arbeit ein und drücken gleichzeitig seine Yoruba-Kulturwurzeln aus. Moyo ist Autodidakt und wird hauptsächlich von seiner inneren Vision beeinflusst und nicht unbedingt von anderen Künstlern. Für ihn ist seine Arbeit spiritueller Natur und repräsentiert seine Wünsche, Träume und seinen Weg nach vorne.

Künstlerischer Ansatz und Technik
Móyòsóré Martins verbindet abstrakte, figurative und ikonografische Symbolik. Er drückt die Schönheit der Figur und die Tiefe ihres Subjekts aus; er ist besessen von einer cartoonartigen Figur, die seine Ikonografie durchdringt und eine tiefe symbolische Bedeutung hat. Sein Ansatz ist narrativ und realistisch in den frühen Werken, die an seine Kindheitserinnerungen erinnern. Die afrikanische Statue ist in seiner Arbeit immer präsent und spirituell bedeutend. Er ist fasziniert von zeitgenössischen Plastikspielzeug-Statuen und Sammlerstücken von Künstlern wie Kaws, die alles Verschiedene in Bezug auf die traditionellen Yaruba-Figuren repräsentieren. Ein wegweisendes Werk, "Watchman", findet Resonanz; das Gemälde ist eine Studie der Yaruba-Figur und wird von Martins als der Mann interpretiert, der sein Schicksal annimmt, mit einem Hinweis auf seine Erfahrung als Nachtwächter im Bronx – ein bleibender Eindruck.

Spirituelle Leinwand
Moyo drückt die Emotionen der Figuren aus, die er geschickt malt, die Hintergründe werden geschichtet, manipuliert, gekratzt und dann mit Text versehen. Er platziert sich auf der Leinwand, in der Kunst, im Geist und im Namen, sogar mit seinem Geburtsdatum. Er kritzelt Wörter, mathematische Formeln, Mantras und Gebete. Er drückt visuell sein inneres Gespräch aus, das sich verschiebt, wenn sich seine Welt als visuelle Biografie verändert. Er widersteht es, in eine Schublade gesteckt zu werden. Sein einzigartiger Einsatz von Materialien und Geschichte ist das Band, das seine Arbeit zusammenhält. Während sein Handwerk und seine Karriere sich ausdehnen, blickt er zurück, reflektiert über seinen Weg und woher er kommt, sowohl als Person als auch künstlerisch. Durchdrungen von persönlicher Symbolik hat jedes Element eines Gemäldes einen Zweck und eine spezifische Bedeutung für ihn, ähnlich wie Morsecode. Die Augen symbolisieren sein eigenes spirituelles "Allsehendes"; die Ansammlungen von schwebenden Augäpfeln repräsentieren das Gefühl, dass alle Augen auf ihn gerichtet sind, dass seine Arbeit gesehen wird. Der Mund, gross und leicht aggressiv, beschreibt die Intensität der Erfahrung, wenn Menschen über ihn sprechen. Die eingravierten Worte sind wie ein Mantra, um seine Vision zu manifestieren.

Auswirkungen auf den Kunstmarkt
Die Preise für Moyosore Martins' Gemälde mit einer Grösse von 180 x 150 cm haben sich in den letzten dreieinhalb Jahren von 5.000 $ auf die aktuellen 27.500 $ entwickelt. Seine Werke wurden von mehr als 125 Sammlern gesammelt, wobei während dieses Zeitraums etwa 170 Gemälde verkauft wurden. Er ist zu einer Art Kultfigur geworden.

Bevorstehende und aktuelle Ausstellungen
Martins' Arbeit wurde bereits in fünfzehn Galerieausstellungen präsentiert, darunter prominente Veranstaltungen wie Scope Miami, Art Basel Hongkong und Now, They Know… in Beirut. Er plant, an zukünftigen Ausstellungen teilzunehmen, darunter die Galerie T in Paris im Oktober 2024 und ein Künstlerresidenzprogramm bei der Arms Around The Child Foundation in Ghana im April 2024. Diese Ausstellungen sind entscheidend für die Steigerung von Martins' Sichtbarkeit und die Festigung seines internationalen Rufes.